Картина «банки с супом кэмпбелл», энди уорхол — описание

Энди Уорхол «Банки с супом Кэмпбелл»: описание картины

Картина, прославившая Энди Уорхола на весь мир и принёсшая ему славу как художнику, была создана в 1962 году. «Банки с супом Кэмпбелл» появились после долгих и безуспешных попыток Уорхола в мир искусства.

Переехав в Нью-Йорк в самом конце 40-х и все пятидесятые напролёт проработав в глянцевых журналах и оформляя витрины магазинов, Уорхол зарабатывал около сотни тысяч долларов в год — безумные по тем временам деньги, — и не чувствовал себя счастливым.

Его некоммерческая выставка 58-го года прошла незамеченной, а критики, соизволившие обратить на Уорхола внимание, отмечали, что коммерческому художнику не место среди богемы.

Всё изменилось в начале 60-х, когда Энди, уставший от работы и бесплодных попыток заявить о себе, взял отпуск и начал изображать то, что он на самом деле знал и любил. Первые эксперименты с темой и формой не принесли успеха, но когда от сложного Уорхол обратился к действительно простому — тому самому супу в банках, — его работа возымела оглушительный успех.

В создании цикла из 32 полотен, на которых отображены все выпускавшиеся на тот момент в Америке вариации «Кэмпбелл»-супа, Энди Уорхолу помогла мать: она, использовавшая жесть с банок для собственных поделок — цветов, — беспрекословно ходила в магазин, собирая всё новые вкусы.

А Уорхол рисовал. Работа заняла почти год, основной техникой для исполнения Энди выбрал шелкографию, но на тридцати двух полотнах встречаются элементы гравировки и других не-живописных стилей.

Воображение потрясает полное отсутствие украшений и каких-либо изменённых элементов: «Банки…

» — это 32 полотна, на которых на светлом фоне с почти фотографической точностью изображены банки консервированного супа.

Выставка-презентация работ состоялась в июле 62-го в галерее «Ferus». Именно от этой даты можно с уверенностью вести отсчёт взлёта популярности и признания поп-арта в США, поскольку успех «Банок с супом Кэмпбелл» был по-настоящему впечатляющим.

Зрители и критики в один голос заговорили об обществе потребления, чрезмерной одинаковости окружающих их товаров, погоне за «концентратами» — быстрыми и совершенно бездушными вещами, воплощением которых стал обыкновенный, так любимый Уорхолом суп.

На фоне успеха «Банок» Энди Уорхол создал и другие работы в том же направлении — в том числе, знаменитые «Зелёные бутылки кока-колы». Поп-арт начал привлекать всё больше внимания, в нём начали видеть настоящее искусство — возможно, упрощённое и гротескное, но, тем не менее, точно отражающее современную жизнь.

Источник: https://xn—-8sbiecm6bhdx8i.xn--p1ai/Soup.html

Циник, филантроп, шутник: Энди Уорхол от А до Я

T

В день девяностолетия иконы поп-арта, суперзвезды 1960-х и самого яркого представителя нью-йоркской богемы рассказываем о нем от А до Я.

Уорхол родился в Питтсбурге, США, в семье словацких иммигрантов.
Андрей Варгола — так звучит настоящее имя Уорхола на словацком.

Андрей Варгола (справа) с матерью Юлией и старшим братом 

В детстве Энди заболел хореей Сиденгама, из-за чего на время оказался прикован к постели. Во время болезни Уорхол много рисовал и собирал картинки известных людей или героев мультфильмов Диснея, вырезанных из газет и журналов. Так началась его любовь к знаменитостям и искусству.

Развившаяся болезнь вызвала проблемы с кожей, его стали называть «Энди, красноносый Уорхола».

Уже во взрослом возрасте ему так осточертел цвет его носа, что как-то раз он пошел в клинику (он вообще был сторонником пластической хирургии), чтобы там ему отшлифовали нос, но, по словам Уорхола, стало только хуже.

Уорхол был менеджером и продюсером легендарной группы. Они снимались в его фильмах и участвовали в шоу «Взрывная пластиковая неизбежность», сочетающем в себе театр, кино, танец и музыку. Шоу положило начало великому альбому группы The Velvet Underground & Nico, обложка которого стала самостоятельным произведением искусства.

Уорхол был открытым геем и стал иконой ЛГБТ-сообщества. Несмотря на то, что художник был религиозным человеком и часто появлялся в церкви, это не мешало ему открыто говорить о своей сексуальности. В ранних работах он исследовал мужское тело, составляя целые сборники с эротическими рисунками.

Aвтопортрет Энди Уорхола, 1987

Энди Уорхол и Шон Кэссиди, 1978

К искусству он подходил меркантильно и был уверен, что самое лучшее — делать деньги: «Я начинал как коммерческий художник и хочу закончить как бизнес-художник. После того как я занимался тем, что называется искусством, я подался в бизнес-искусство. Я хочу быть бизнесменом искусства, или бизнес-художником. Успех в бизнесе — самый притягательный вид искусства».

Если верить Уорхолу, на протяжении 20 лет он питался одним и тем же: супом Campbell и сэндвичами. А когда ходил в ресторан, заказывал то, чего совсем не хотелось, не мог съесть и просил официанта завернуть с собой. Упакованную еду он оставлял на улице — для бродяг. Это называлось нью-йоркской диетой Энди Уорхола.

Уорхол обожал знаменитостей и основал легендарный журнал, кажется, только для того, чтобы они имели возможность разговаривать друг с другом чаще.

Первые выпуски Уорхол сам раздавал людям на улице: простых горожан он любил не меньше звезд. В первых номерах журнала появились интервью с Джоном Ленноном, Сальвадором Дали, Дэвидом Боуи, Труменом Капоте.

Печатная версия журнала просуществовала почти 50 лет и была закрыта в мае этого года.

Энди Уорхол иронично называл себя самым завистливым человеком на свете, утверждая, что зависть — одно из главных чувств, заставляющее его что-то делать: «Собственно говоря, я всегда стараюсь покупать вещи и людей только потому, что завидую — вдруг кто-нибудь другой их купит, и они в конечном счете окажутся хорошими».

Уорхол и фотограф Артур Феллиг

В 1941-м Уорхол поступил в Технологический институт Карнеги (ныне Университет Карнеги — Меллон), где учился иллюстрации и коммерческому искусству.

Его первая работа появилась в журнале Glamour в 1949 году в статье «Успех — это работа в Нью-Йорке». По сути, это было стартом его собственного успеха и карьеры, молодой Уорхол начал зарабатывать иллюстрацией.

Его картинки — женские туфли и машины — стали печататься на страницах журналов, в том числе Vogue и Harper’s Bazaar.

За свою карьеру Уорхол снял сотни фильмов: короткометражных, многочасовых, абсурдистских, экспериментальных, коммерчески успешных и ставших культовыми. Среди самых известных: восьмичасовой «Спи», немой «Минет», «Винил» — ремейк «Заводного апельсина» и «Девушки из “Челси”». Последний стал классикой мирового кино.

Любовь Уорхол трактовал своеобразно и утверждал, что не уверен вообще, что когда-нибудь испытывал это чувство. Иногда казалось, что он любит свой телевизор или звукозаписывающий магнитофон больше, чем кого-либо.

Хотя в этом была своя доля лукавства: «Я не знаю, был ли я когда-нибудь способен на любовь, но после 1960-х я никогда больше не думал на языке «любви». Один человек в 1960-е обворожил меня больше, чем кто-либо за всю мою жизнь.

И очарованность, которую я испытал, была, вероятно, очень близка к какому-то роду любви».

Она была для него идеальным сочетанием красоты и чувства юмора, одной из главных женщин его жизни. После ее смерти он создал «Диптих Мэрилин» — символ творчества Уорхола и всего поп-арта. Журнал The Guardian отдал работе третье место в списке «500 выдающихся произведений современного искусства».

Всю жизнь Энди Уорхол прожил в США. Он родился и вырос в Питтсбурге в семье словацких иммигрантов, а большую часть жизни провел в Нью-Йорке.

Здесь он обрел настоящую популярность, здесь появилась его мастерская «Фабрика» и его суперзвезды — свита друзей и подруг, постоянно сопровождавших его повсюду и участвующих в его арт-проектах.

Он любил этот город и все, что связано с его страной: «Существуют три вещи, которые для меня всегда красивы: мои старые добрые ботинки, которые не жмут, моя собственная спальня и таможня США, когда я возвращаюсь домой».

Уорхол был собирателем мусора и отходов. Он часто использовал бракованные кадры в своих фильмах, даже делал отдельные фильмы только из такого материала.

В 1970-х он начал собирать вещи, место которых, казалось бы, в мусорной корзине, для своего проекта «Капсулы времени». Он запечатывал в картонных коробках бесконечные упаковки, флаеры, билеты, открытки, банки с супом и даже мертвых муравьев.

За 13 лет Уорхол собрал 610 таких капсул, их содержимое сейчас хранится в музее имени художника в Питтсбурге.

В свой расцвет поп-арт критиковался за стирание границ между низменным и возвышенным — он эксплуатировал образы рекламы и продуктов потребления, превращая бутылки кока-колы и упаковки из-под кетчупа в дорогостоящие произведения искусства.

Уорхол был пионером поп-арта и его иконой. Его мало интересовали критики, зато он обожал потребительскую культуру.

Его восхищала идея равенства, которая, как ему казалось, достижима через консюмеризм: «Что замечательно в нашей стране, так это то, что Америка положила начало традиции, по которой самые богатые потребители покупают в принципе то же самое, что и бедные.

Ты смотришь телевизор и видишь кока-колу, и ты знаешь, что президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу, и только подумай — ты тоже можешь пить кока-колу. Все кока-колы одинаковы, и все они хороши».

Еще один представитель поп-арта и концептуализма. Они были знакомы и дружили с Уорхолом. Раушенберг работал преимущественно в технике коллажа, иногда так же, как Уорхол, использовал шелкографию и занимался инсталляциями.

Уорхол любил и ненавидел скуку одновременно.

Так или иначе, через его творчество отчетливо прослеживается ее мотив: он делал нарочито длинные бессюжетные фильмы, где действие не меняется вовсе, или копировал одно и то же изображение сотни раз.

Он воспринимал скуку как путь к катарсису: «Чем больше вы смотрите на одну и ту же вещь, тем больше из нее уходит смысла и тем лучше и опустошеннее вы себя ощущаете».

«Когда у меня появился первый телевизор, я перестал придавать большое значение близким отношениям с другими людьми», — конечно, Уорхол тонкий шутник, но телевидение и правда играло большую роль в жизни художника и было его любимым средством коммуникации. Он всегда мечтал о собственном телешоу и в 1980-х стал автором двух: Andy Warhol’s TV и Andy Warhol’s Fifteen Minute, которое показывали по MTV.

Энди Уорхол почти всегда начинал свой день одинаково: он звонил своим телефонным подругам. Самыми близкими были писательница Пэт Хэкетт и художница Бриджит Берлин, они могли разговаривать часами обо всем: о снах, общих друзьях, сексе и его собаке Арчи.

Мастерская Уорхола была пристанищем всех звезд и суперзвед Ньй-Йорка: от Боба Дилана и Жан-Мишеля Баскии до Сальвадора Дали и Уильяма Берроуза, здесь знакомились друг с другом, творили, принимали наркотики и закатывали вечеринки. Некоторые жили тут днями и неделями.

Оставаясь местом главных богемных тусовок города, «Фабрика» сохраняла свою первоначальную задачу, хотя сам Уорхол трудился не так много — ему нравилось иметь ассистентов, которые выполняли монотонную работу вроде шелкографной печати одного и того же изображения.

«Фабрика» сменила четыре адреса, но главной оставалась самая первая — вся покрытая серебристой краской: ей были выкрашены стены, потолки и даже унитаз, повсюду была расклеена фольга, висели осколки зеркал.

Кит Харинг — близкий друг Уорхола, завсегдатай «Фабрики» и представитель поп-арт-движения. Его маленькие угловатые человечки не менее узнаваемы, чем картины Уорхола. В 1986-м Харинг открыл на Манхэттене Pop Shop, в котором начал продавать свои работы и сувениры: от магнитов до футболок. Магазин, кстати, работает до сих пор, но в онлайн-режиме.

Глубоко религиозные родители Уорхола были прихожанами русинской грекокатолической церкви. Сам он тоже верил и любил церковь, его священник даже утверждал, что Уорхол приходил в церковь почти каждый день, но в безлюдные часы.

«Девушки из “Челси”» — пожалуй, самый известный полнометражный фильм Уорхола-режиссера о 12 девушках, развлекающихся в отеле «Челси». В фильме сыграли суперзвезды Уорхола — его свита, гости его «Фабрики» и друзья. Несмотря на то, что фильм принадлежал к авангардному, экспериментальному кино, его прокатывали в кинотеатрах, он пользовался коммерческим успехом. 

Большинство работ Уорхола выполнены в технике шелкографии, которая позволяла быстро копировать одно и то же изображение. Именно этим методом были созданы «Банки с супом «Кэмпбелл»» (Уорхол, кстати, говорил в одном из интервью, что это, пожалуй, его любимая работа), «Диптих Мэрилин», «Восемь Элвисов», серия «Смерть и катастрофа» и т. д.

Несмотря на любовь к бизнес-искусству, роскоши и деньгам, Энди Уорхол был довольно щедрым человеком: он часто помогал нищим, был волонтером в приюте для бездомных.

Уорхол и фотограф и поэт Джерард Маланга с детьми в Нижнем Ист-сайде

Актриса, модель, подруга Уорхола, его суперзвезда и муза. Седжвик постоянно тусовалась на «Фабрике», снялась в нескольких картинах Уорхола, сопровождала его на вечерах и съемках телешоу.

Образ Седжвик стал культовым: стрижка пикси, темные тени и ресницы, короткое черное платье и огромные серьги — американская молодежь ей подражала, а рок-группы посвящали ей свои песни.

Хорошее чувство юмора было для Уорхола чуть ли не главным человеческим качеством: «Смешные люди — единственные люди, которые мне интересны, потому что, если в человеке нет ничего смешного, мне с ним скучно».

«Я стреляла в Энди Уорхола»

3 июня 1968 года Валери Соланас вошла в «Фабрику» и несколько раз выстрелила в Энди Уорхола. Она попала в живот, пули повредили восемь органов. После стрельбы Соланас выбежала на улицу и сообщила первому встреченному полицейскому: «Я стреляла в Энди Уорхола».

Валери Соланас была радикальной феминисткой, она знала Уорхола, уже бывала на «Фабрике» и даже снималась в его кино. Она заявила полиции, что тот «слишком контролировал мою жизнь». Ей диагностировали параноидальную шизофрению и посадили на три года.

После покушения Уорхол пересмотрел свое восприятие искусства и творчества и до конца жизни носил поддерживающий корсет.

Лучшие материалы The Blueprint — в нашем телеграм-канале. Подписывайтесь!

Источник: https://TheBlueprint.ru/culture/warhol-alphabet

Всё об иконе: Энди Уорхол

Промышленно-производственный персонал Питтсбурга XX века состоял в основном из европейских и восточнославянских иммигрантов. В пик промышленного развития Питтсбург был восьмым по величине городом США. Его отдельные районы считались (среди крупнейших этнических групп) уникальным переосмыслением самого города.

Традиции и реликвии этих этнических групп до сих пор остаются важной частью современного Питтсбурга. Среди кварталов работников сталелитейной, строительной и консервировочной промышленностей встречались очаги интеллигенции.

Благодаря преподавателям и студентам двух ближайших университетов – Питтсбургского университета и Технологического института Карнеги (позже переименованного в Университет Карнеги-Меллон) – начала стираться граница между иммигрантами, просто проживающими в США, и мигрантами-интеллектуалами.

Здесь в 1928 году родился Энди Уорхол (урожденный Эндрю Вархола), четвертый ребенок в семье домохозяйки Юлии и шахтера Андрея Вархолы. Энди Уорхол рос и изучал коммерческое искусство именно здесь, в обычном промышленном американском городке.

Юный Уорхол (в центре) в окружении семьи, 1940-е годы

Читайте также:  Картина «банан», энди уорхол — описание

До получения степени бакалавра изящных искусств в Технологическом институте Карнеги, Уорхол обучался в средней школе Шенли.

Благодаря своим ярко-синей мебели и стенам из известняка Шенли стала самой популярной школой в государственной школьной системе города.

Еще на этапе проектирования Шенли выделялась среди других школ на национальном уровне, а после открытия в 1916 году она стала первой средней школой США, на строительство которой потратили больше миллиона долларов.

Шенли оказалась для будущей звезды эксцентричной проверкой на прочность. В силу обстоятельств Уорхол стал изгоем: в 13 лет он оказался прикован к постели из-за заболевания нервной системы, которое наградило его дрожанием конечностей и неравномерным цветом кожи.

Пропуская уроки и вместе с ними всю активную подростковую жизнь, Энди Уорхол был замкнутым и держался особняком, мотаясь из больницы домой и снова в больницу.

В эти затворнические годы основное внимание он уделял своим художественным навыкам и проявлял огромный интерес к знаменитостям.

Сопротивляясь соблазну уехать в колледж подальше от дома, он решил поступить в Технологический институт, находящийся в соседнем районе Питтсбурга, и изучать искусство. Пересечение промышленной Америки и изящных искусств стало основным источником вдохновения для большинства его работ.

После университета Уорхол переехал в Нью-Йорк и начал карьеру иллюстратора коммерческой рекламы и изданий. Его первой подработкой стали иллюстрации женской обуви для журнала Glamour. С помощью своего оригинального стиля Уорхол придавал обуви оригинальность, придумывал её историю и место в американской жизни.

Работа коммерческим художником помогла ему стать главным дизайнером бренда женской обуви I. Miller, должность которого он занимал в течение 50-х годов. В свободное время Уорхол обучался технологии трафаретной печати у Макса Артура Кона, что позволило Уорхолу разработать свой собственный стиль с повторяющимися и переосмысленными изображениями.

Поскольку его сотрудничество с Israel Miller начало мешать его новообретенной страсти, Уорхол ушел оттуда и стал подрабатывать иллюстратором для RCA Records, Harper’s Bazaar, NBC, Tiffany & Co. и Vogue. Но искусством Уорхол начал заниматься только в 60-х.

Несмотря на то, что его рекламные проекты заслужили признание рекламных критиков и сообщества, его имя еще не было повсеместно известным.

Уорхол в окружении муз на «Фабрике», 1960-е

Вдохновившись своим родным городом и промышленными истоками своего второго дома (Нью-Йорка), Уорхол разработал концепцию «Фабрики» – места, где могли сосуществовать знаменитости, художники и писатели. Если вы были достаточно круты, то вы ходили на «Фабрику». Если вам везло, то вас рисовал сам Уорхол.

Быстро превратившись в самое крутое место города, «Фабрика» подняла Уорхола в верхние эшелоны мира искусства. Энди Уорхол считался самым интересным и способным человеком индустрии, а его крашеная седина и очки в прозрачной оправе стали ассоциироваться со стилем 60-х.

Из-за преднамеренно быстрого производства работ становилось всё больше. Он стал автором «культовых американских изображений» – это были банки с супом «Кэмпбелл», электрические стулья, атомные бомбы, банки «Кока-Кола», денежные знаки, протесты в защиту гражданских прав и знаменитости.

Несмотря на то, насколько уорхоловскими были его работы, они в равной степени отражали как индивидуальность самого Уорхола, так и дух того времени.

Если не брать в расчет его художественный вклад, то национально известным Уорхола сделали его портреты знаменитостей и его дружеские связи. Его выходки и показы, нарушающие привычные рамки, заставляли зрителей задаваться вопросом о том, что такое искусство.

Будучи ограниченным трафаретами и холстами на ранней стадии развития печатной графики, Энди Уорхол демонстрировал впечатляющую производительность. В это время его популярность достигла новых высот.

Он мог выбрать любое изображение из повседневной американской жизни и превратить его в фантастическое произведение искусства. Его работы были повсюду – он сам был повсюду. Уорхол часто попадал на первые полосы газет и журналов и появлялся на каждом громком событии.

Он элегантно украшал задние планы фотографий, снятых папарацци. Его практичность в работе начиналась как протест против стандартов. Мир «авангарда», который построил Уорхол, основывался на индивидуальности, самовыражении и интеллекте.

Необычный внешний вид Уорхола был так же знаменит, как и он сам. Водолазки, полосатые рубашки с длинными рукавами, вельветовые пиджаки и свободные белые рубашки классического кроя всегда были в ходу.

Уорхол почти всегда носил лоферы и предпочитал качественные вещи, что неизбежно привело его к бренду Berluti, который и по сей день производит одни из самых лучших – и самых дорогих – ботинок в мире.

Получив в 1962 году заказ Уорхола – классические лоферы, – Ольга Берлути решила поступить иначе. Восхищаясь Уорхолом, внучка основателя компании вручную сделала пару лоферов специально для художника.

Она воссоздала ботинки с нуля – это был обтекаемый обновленный вариант, подходящий свободомыслящему художнику. Лакированные лоферы, названные «The Andy», стали излюбленной обувью Уорхола и до сих пор являются неотъемлемой частью ассортимента Berluti.

Как и в случае с лоферами, Энди Уорхол во всём предпочитал постоянство. Никогда не появляясь без своих фирменных очков Moscot, художник чередовал черные и прозрачные пары.

Его очки были такими же культовыми, как и его крашеная седина, и повлекли за собой бесчисленное количество похожих моделей у других брендов, начиная от Warby Parker и заканчивая Celine.

С возрождением интереса к этому стилю после многочисленных подделок и переработанных версий несколько лет назад Moscot вернули силуэт Miltzen, который стал постоянным лидером продаж.

Уорхол в своих знаменитых очках Moscot

Модные амбиции Уорхола выходили за пределы его собственного гардероба. Некоторые из его принтов оказались на одежде, в частности, всеми известное изображение банки супа «Кэмпбелл». В 1962 году Уорхол начал печатать изображение супа на женских платьях, которые быстро появились на звездах и модницах по всему городу.

Успех платьев в качестве эксклюзивного символа статуса не остался незамеченным самой компанией Campbell, которая осознала свою новообретенную популярность и попыталась на этом заработать. Компания начала продавать платье «Souper Dress» – бумажную версию знаменитого платья Уорхола.

Платья за один доллар распродавались мгновенно.

К 1968 году вездесущность Уорхола для некоторых стала невыносимой. Радикальная активистка Валери Соланас во время знаменитого инцидента на «Фабрике» чуть не убила художника.

Хотя высоколобые интеллектуалы уже давно проводили время на «Фабрике», в конце 60-х годов её посещаемость резко выросла.

Частая гостья и подруга, Соланас призналась, что Энди Уорхол «слишком контролировал её жизнь», что побудило её застрелить его.

После полуторагодового отдыха в 1970 году Энди Уорхол доказал, что его «15 минут славы» еще не закончились. Он нарисовал свою знаменитую серию «Цветы» и начал набирать клиентов. Оставшуюся часть десятилетия он занимался заказами знаменитостей, политиков и брендов и занимал важную роль в ночной жизни Нью-Йорка.

Уорхол часто посещал клубы и вечеринки в компании красивых женщин и появлялся на открытии выставок в окружении самых видных людей.

Уорхол поддерживал близкие отношения с Мэрилин Монро, Брижит Бардо, Дебби Харри, Элизабет Тейлор, Грейс Джонс, Жаном-Мишелем Баския, Дэвидом Боуи, Миком Джаггером и Мадонной – и это лишь несколько имен из списка его самых известных друзей.

80-е ознаменовали начало кураторского периода деятельности Уорхола.

Он использовал журнал Interview, который основал в середине 70-х годов, как площадку для представления своей постоянно увеличивающейся группы единомышленников, в первую очередь граффити-художника Жана-Мишеля Баския и The Velvet Underground.

Энди Уорхол сыграл решающую роль в переходе Баския от улицы к изящным искусствам, а благодаря работе с The Velvet Underground, Уорхол был признан одним из самых изысканных законодателей моды и трендов Америки.

По часовой стрелке сверху слева: Andy Warhol x Comme des Garçons, кеды Andy Warhol x Converse, джинсы Damien Hirst x Levi’s для The Andy Warhol Foundation, сноуборд Andy Warhol x Burton, лонгборд Alien Workshop для The Andy Warhol Foundation, кеды Campbell’s x Supreme x Vans

В 1986 году Энди Уорхол сидел в первом ряду, когда Жан-Мишель Баския участвовал в модном показе коллекции Весна/Лето 1997 Comme des Garçons Homme Plus. Он посещал все открытия и пресс-конференции Баскии. Также они часто работали вместе, что обоим было только на пользу. Их совместные труды – фотография, живопись и коллаж – стали легендарными в своем культурном значении.

Компания Уорхола не ограничивалась художниками и музыкантами, она была разнообразной и обширной. Помимо своих близких друзей (Баскии, Кита Харинга и Джулиана Шнабеля), Уорхол также предусмотрительно нанял журналиста Гленна О’Брайена в Interview в качестве редактора. О’Брайен сблизился с Уорхолом, быстро превратив работу в дружбу на всю жизнь.

Они оба, наряду с Харингом, Баскией и Шнабелем, были центральными фигурами поколения, и О’Брайен даже написал сценарий фильма по мотивам их жизни.

Только благодаря работе с Уорхолом О’Брайен смог запустить свое телевизионное шоу «TV Party!» и в конечном итоге получить должность ведущего колонки GQ «Style Guy», которую он занимал на протяжении долгого времени.

Несмотря на загадочный стиль Уорхола, его дружбу с легендарными личностями и беспрецедентный нюх на таланты, спустя почти 25 лет после начала карьеры художника-иллюстратора, критикам и коллекционерам стало казаться, что его стиль утратил новизну.

На него навесили ярлыки «коммерческого» и «поверхностного» искусства. Его последним работам не хватало влияния его раннего творчества, слава и культурная значимость затмило его мастерство. Энди Уорхол умер в феврале 1987 года.

Его похоронили рядом с родителями – в знаменитых очках Moscot, кашемировом пиджаке и платиновом парике.

Сразу после смерти Уорхола его творчество вновь стало считаться актуальным – как это всегда бывает с покойными художниками, теперь в учет брался внезапно ограниченный статус его работ. Тем не менее, возрождение интереса продлилось недолго, и через пять лет коллекционеры и критики охладели к Уорхолу и его современникам.

К 90-м годам о Уорхоле практически забыли. Когда в 1993 году 16 его картин были выставлены на аукцион, 14 из них не нашли своего покупателя. А затем в 2008 году всё внезапно изменилось. Римский коллекционер продал картину Уорхола «Eight Elvises» («Восемь Элвисов») из своей личной коллекции за 100 миллионов долларов.

Уорхол снова привлек внимание общественности. Его влияние вновь начало проникать во все аспекты культуры, включая мужскую одежду.

Первая важная коллаборация состоялась в 2008 году, когда Levi’s, Дэмиен Херст и Swarovski, вдохновившись творчеством Уорхола, вместе создали джинсы с черепами из страз Swarovski, что открыло дорогу бесконечным творениям, навеянным Уорхолом, начиная от работ в честь художника и заканчивая настоящими коллаборациями с Фондом изобразительных искусств Энди Уорхола (The Andy Warhol Foundation).

Как и большинство нью-йоркских культурных икон, Supreme тоже не смог устоять и в рамках показа Весна/Лето 2012 выпустил капсульную коллекцию «Campbell’s Soup Can», что стало данью уважения покойной легенде.

Несмотря на то, что это не официальная коллаборация с фондом Уорхола, различные вещи с повторяющимся рисунком (бейсболки, футболки и три версии Vans) отразили коммерческий характер работ Уорхола и смогли сделать то, что Supreme и Энди Уорхол делают лучше всего – предоставить углубленный взгляд на американскую ментальность.

В апреле 2013 года, через 30 лет после того, как Энди Уорхол посетил показ Garçons Homme Plus, марка выпустила несколько футболок с работами Энди Уорхола. Выбрав картину Уорхола «Cow 12» в качестве принта на футболке, Кавакубо уделила особое внимание поворотному моменту в карьере художника.

Появившаяся в знак протеста против живописи, «Cow 12» стала переломной точкой в карьере Уорхола, когда он попытался доказать, что трафаретная печать тоже была полноправным видом искусства. Вечная провокаторша Кавакубо нашла точки соприкосновения между своей деятельностью и творчеством Уорхола – это было постоянное желание ставить под сомнение статус-кво.

Капсульная коллекция оказалась настолько успешной, что CDG решили еще раз поработать с фондом, выпустив в начале этого года совместный аромат.

Учитывая уровень влияния Уорхола на американскую поп-культуру, неудивительно, что большинство известных марок США каким-либо образом используют его работы. Например, Converse выпустили All Stars с банкой супа «Кэмпбелл» – в отличие от Supreme они смогли получить права на использование оригинальных изображений.

Как и Converse, работы Уорхола восхваляло бесчисленное количество других американских брендов, начиная от упомянутых Levi’s и заканчивая Burton и даже Нью-Йоркским музеем современного искусства.

После того, как Supreme выпустили коллекцию со знаменитым портретом Мухаммеда Али, сделанным Уорхолом, уровень коллабораций достиг своего апогея.

Несмотря на то, что Uniqlo – это даже не американский бренд, он является самым большим коллаборатором работ Уорхола и использует различные принты художника в рамках линии UT. В сезонных коллекциях представлено всё, от автопортретов до банана The Velvet Underground.

Работы Уорхола часто появляются на модных показах, особенно в последние годы. Американская икона моды, Том Форд явно создавал мужскую коллекцию Весна/Лето 2016, вдохновляясь Уорхолом.

Модели на подиуме были одеты в толстые водолазки и знаменитые уорхоловские очки с квадратными оправами. В том же сезоне Дрис ван Нотен с помощью трафаретной печати нанес полароидные портреты Уорхола на пиджаки, футболки и блейзеры.

Это было воплощением страсти Ван Нотена к необычным узорам и его любовью к завидной способности Уорхола создавать замысловатые принты.

Тем не менее, самое заметное появление на подиуме – и даже, возможно, самая заметная коллаборация – произошли в прошлом году, когда Раф Симонс возглавил Calvin Klein. Под руководством Симонса Calvin Klein заключили соглашение о сотрудничестве с фондом Энди Уорхола ради создания уникальной и пока неограниченной серии работ.

Симонс, бельгийский иммигрант, приехал в Америку в период огромных политических потрясений. Но вместо того, чтобы сосредоточиться на негативе вокруг, он решил поддержать классические, порой странные американские образы, начиная от полиэтиленовых чехлов для дивана и заканчивая вязаными одеялами.

Учитывая его давнюю любовь к современному искусству, логично, что он использует работы самой яркой фигуры американской поп-культуры.

Читайте также:  Радуга, алексей кондратьевич саврасов, 1875

Среди последующих коллабораций были как рекламные кампании, в которых работы Уорхола использовались в качестве фона, так и коллекция Весна/Лето 2018 с различными принтами Уорхола, напечатанными на джинсовых куртках, банданах и нижнем белье.

Сегодня влияние Уорхола на культуру в целом уже никем не ставится под сомнение. Помимо бесчисленных проявлений как в уличной, так и высокой моде, его производительность, любовь к повторениям и способность адаптироваться ко всевозможным формам творчества послужили вдохновением для целых поколений людей искусства.

Его неповторимый стиль – как личный, так и художественный – по-прежнему играет ведущую роль в современной культуре. Американская икона во всех смыслах этого слова, Уорхол, безусловно, будет еще многие годы оказывать влияние на моду, искусство и культуру. Похоже, что его «пятнадцать минут славы» закончатся еще не скоро.

Уорхол и Жан-Мишель Баския, 1985

Источник: Grailed.com

Источник: http://mcmag.ru/vsyo-ob-ikone-endi-uorxol/

Поп-арт – искусство, вдохновленное массовой культурой

Поп-арт начался в середине 20-ого века с нью-йоркских художников Энди Уорхола, Роя Лихтенштейна, Джеймса Розенквиста и Класа Ольденбурга, все из которых так или иначе привлекали в свои произведения образы из поп-культуры.

После популярности абстрактных экспрессионистов поп-арт со своими идеями, взятыми из средств массовой информации и народной культуры, стал серьезным сдвигом в модернизме.

Этот стиль очень отдалился от традиционных «высоко художественных» тем морали, мифологии и классической истории.

Напротив, художники изображают обыденные предметы и людей повседневной жизни, тем самым стремясь поднять популярную культуру до уровня высокого изобразительного искусства. Возможно, благодаря многократному включению коммерческих образов, поп-арт стал одним из самых узнаваемых стилей современного искусства.

Ключевые идеи

Создавая картины или скульптуры объектов массовой культуры и звезд СМИ, движение поп-арт стремилось размыть границы между «высоким» искусством и «низкой» культурой. Понимание того, что не существует никакой иерархии культуры и что искусство может быть заимствовано из любого источника, как раз и являлось ключевой идеей поп-арта.

Можно утверждать, что абстрактные экспрессионисты искали травму в душе, в то время как приверженцы поп-арта искали следы той же травмы в опосредованном мире рекламы, мультфильмов и популярных образов в целом.

Но, пожалуй, даже точнее будет сказать, что поп-арт художники первыми признали, что нет никакого прямого доступа ни к чему: будь то душа, мир природы или построенная среда.

Они считали, что все взаимосвязано и поэтому стремились сделать эти связи буквальными в своих произведениях.

Хотя поп-арт включает в себя широкий спектр работ с очень разным мироощущениям и настроением, в целом о нем можно сказать, что это эмоционально абстагированное искусство. В отличие от «горячего» самовыражения жестикуляционной абстракции, которая предшествовала ему, поп-арт обычно «хладнокровно» амбивалентен.

Поп-арт художников, по-видимому, взрастило обильное послевоенное американское производство и медиа-бум. Некоторые критики интерпретировали выбор образов поп-арта как восторженное одобрение капиталистического рынка и товаров, которые он распространял, в то время как другие критиковали за возвышение элементов повседневности до высокого искусства.

Большинство художников поп-музыки начали свою карьеру в области коммерческого искусства: Энди Уорхол был очень успешным журнальным иллюстратором и графическим дизайнером, Эд Русча также был графическим дизайнером, а Джеймс Розенквист начал свою карьеру в качестве дизайнера рекламного плаката. Этот бекграунд в мире коммерческого искусства обучил их визуальной лексике массовой культуры, а также методам плавного слияния царств высокого искусства и популярной культуры.

Великобритания: Независимая группа

В 1952 году собрание художников в Лондоне, называющее себя Независимой группой, регулярно встречалось для обсуждения таких тем, как место массовой культуры в изобразительном искусстве, науке и технике. Среди участников были Эдуардо Паолоцци, Ричард Гамильтон, архитекторы Элисон и Питер Смитсон, а также критики Лоуренс Дилей и Рейнер Банхам.

Британия в начале 1950-х годов все еще переживала аскетизм послевоенных лет, а ее граждане были неоднозначного мнения об американской популярной культуре. Тем не менее группа с энтузиазмом относилась к богатой мировой поп-культуре, которая, казалось, сулила хорошее будущее.

Образы, которые они подробно обсуждали, попадались в западных фильмах, научной фантастике, комиксах, рекламных щитах, автомобильном дизайне и рок-н-ролльной музыке.

Э. Паолоцци, «Я была игрушкой богатого человека», 1947 г

Фактический термин «Поп-арт» имеет несколько возможных истоков: первое использование этого термина в письменной форме было приписано как Лоуренс-Дилей, так и Элисон и Питер Смитсон, а также Ричарду Гамильтону, который дал определение этому слову на письме, в то время как первое произведение искусства с собственно содержанием слова «Поп» было создано Паолоцци. Его коллаж «Я была игрушкой богатого человека» (1947) содержит вырезанные изображения девушки-пин-ап, логотипа Coca-Cola, вишневого пирога, истребителя Второй мировой войны и руки человека с пистолетом, из которого вылетает слово “POP!” в плюшевом белом облаке.

Ричард Гамильтон, Эдуардо Паолоцци и табличные поп-арт изображения

Поп-арт коллажи Паолоцци и Гамильтона как раз передают эти смешанные чувства европейцев к американской популярной культуре: возвеличивание серийных объектов и изображений и одновременную критику их избытка.

В своем коллаже “Что же это делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?” (1956), Гамильтон объединил образы из различных источников средств массовой информации, тщательно подбирая каждое изображение и составляя разрозненные элементы популярных образов в единый обзор потребительской культуры после войны.

Р. Гамильтон, “Что же это делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?”, 1956 г

Рой Лихтенштейн и бумажная культура

Р. Лихтенштейн, «Поцелуй», 1962 г

Лихтенштейн доказал, что способен создавать серьезные произведения, хотя они и базируются на комиксах. Он использовал методы, используемые для создания изображений в комиксах, и для создания своих картин.

Он не только перенял те же яркие цвета и четкие очертания, как иллюстрации из комиксов, его самым инновационным вкладом было использование “Ben-Day dots» — таких характерных маленьких точек, используемых для визуализации цвета в популярных комиксах.

Несмотря на то, что Лихтенштейн сосредоточился только на комиксо подобных изображениях, его полотна не являлись точным факсимилем, а скорее были творческим реинжинирингом художника, в котором некоторые элементы могут быть добавлены или устранены, масштаб может сдвинуться, а текст может быть отредактирован.

Своей ручной росписью, обычно создаваемой машиной, и воссозданием сцен комиксов Лихтенштейн размыл различие между массовым воспроизведением и высоким искусством.

Р. Лихтенштейн, «Девушка в зеркале», 1964 г

Джеймс Розенквист и монументальный образ

Д. Розенквист, «Звездный вор»

Розенквист также непосредственно вовлек изображения из популярной культуры в свои картины. Однако, вместо того, чтобы создавать тиражи копий, Розенквист увлекался сюрреалистическими сопоставлениями продуктов и знаменитостей, часто дополняя работы политическими сообщениями.

В рамках своего метода Розенквист собирал вырезки журналов, рекламных объявлений и фотографий, а затем использовал результаты в качестве вдохновения для его финального творчества. Навыки Розенквиста в создании афиш прекрасно пригождались ему в реалистичных изображениях этих коллажей, увеличенных до монументальных масштабов.

Своими работами до 6 метров и более Розенквист как бы напитал обыденное тем же статусом, который ранее был зарезервирован лишь за предметами высокого искусства.

Д. Розенквист, «F-111», 1965 г

Энди Уорхол и многократное повторение

Э. Уорхол, «Банки с супом Кэмпбелл», 1962 г

Энди Уорхол известен своими яркими портретами знаменитостей, однако предмет его работ широко варьировался на протяжении всей его карьеры. Общим для всех его произведений является то, что они вдохновены массовой культурой потребления.

В его ранних работах изображены такие предметы, как бутылки Coca-Cola и суп-банки Кэмпбелла, воспроизведенные до бесконечности, как будто стена галереи была полкой в супермаркете. Уорхол перешел от ручной росписи к трафаретной печати для дальнейшего облегчения крупномасштабного тиражирования поп-изображений.

Настойчивость Уорхола в механическом воспроизведении отвергла представления о художественной аутентичности и гении. Вместо этого он признал коммодификацию искусства, доказывая, что картины ничем не отличаются от банок супа Кэмпбелл: оба имеют материальную ценность и могут быть куплены и проданы как товары народного потребления.

Он также приравнял знаменитостей к массовым товарам народного потребления в портретах, таких как “Мэрилин Диптих” (1962).

Э. Уорхол, “Мэрилин Диптих”, 1962 г

Клас Ольденбург и поп-скульптура

К. Ольденбург, мягкая скульптура из папье-маше

Известный своими монументальными публичными скульптурами бытовых предметов и «мягкими» скульптурами, Клас Ольденбург начал свою карьеру с гораздо меньших масштабов.

В 1961 году он арендовал витрину в Нью-Йорке в течение месяца, где он установил и продал свою проволочную и гипсовую скульптуру из обыденных предметов, начиная от пирожных и заканчивая мужским и женским нижним бельем, которую он назвал The Store.

Ольденбург взимал номинальную плату за каждый отдельный элемент, что подчеркивало его мнение о роли искусства как товара. Далее он начинает создавать свои мягкие скульптуры: большие повседневные предметы из ткани и набивки, такие как кусочек торта, конус мороженого или миксер.

Ольденбург продолжал сосредотачиваться на обычных вещах на протяжении всей своей карьеры, переходя от мягких скульптур к масштабному публичному искусству. Одной из наиболее известных его работ является «Прищепка» высотой 45 футов (1974) в центре Филадельфии.

К. Ольденбург, скульптура «Прищепка», Филадельфия (слева), скульптура «Огрызок» (справа)

Независимо от масштабов, работа Ольденбурга всегда содержит игривое отношение к воссозданию обыденных вещей нетрадиционным способом, чтобы оправдать ожидания зрителя.

Источник: http://lobsta.ru/pop-art-iskusstvo-vdohnovlennoe-massovoy-kulturoy/

Презентация. Энди Уорхолл — знаменитый создатель ста баночек супа Кемпбэл и других работ

Энди Уорхол (1928–1987)

Американский художник, скульптор, дизайнер, кинорежиссер, издатель журналов, писатель, коллекционер, продюсер

Уорхол был выходцем из бедной польской семьи, родился в 1930 г. в Филадельфии (шт. Пенсильвания). Мало кто из поклонников знал о том, что родители Андека Вархолы бежали в Америку из маленькой карпатской деревеньки от страшного голода.

Отец целыми днями пропадал на работе, братья гоняли мяч во дворе, а Энди сидел дома, боясь высунуть нос на улицу. Он был талантливым ребенком, любил рисовать, а продолжил свое образование в Институте технологии Карнеги, где изучал коммерческое искусство.

Его взгляды на жизнь и искусство были неординарными, поэтому он редко был понятым своими сверстниками и наставниками. Окончив образование, молодой художник в 1949 году переехал в Нью-Йорк и начал довольно успешно развивать свою карьеру в области рекламы. Также Энди иллюстрировал журналы.

Его популярность резко возросла после создания эксцентричных рисунков обуви, выполненных чернилами, в свободном стиле с нарочитыми пятнами.

Огромный успех, которого так ждал Энди, принесли ему золотые туфельки – реклама обуви подчеркивала изящество и тонкость вкуса, привлекала новизной и неординарностью. Подписи к изображенным туфлям сделала его мама – Джулия, чей почерк казался ему невообразимо красивым:- «Дядюшка Сэм хочет эти туфли».

В 1960 году Уорхол создал дизайн для банок Кока-кола, который принёс ему известность художника с неординарным видением искусства.

В начале шестидесятых Уорхол всё больше занимался графикой, создавая, в основном, только произведения с изображением долларовых банкнот. В 1960—1962 появился цикл произведений с изображением консервных банок супа Кэмпбелл.

По мнению критиков, эти картины отражали безликость и пошлость культуры массового потребления, менталитет западной цивилизации. 

От изображения консервной банки с супом Кэмпбелл (1960–1962) Уорхолл перешел к простому выставлению объекта – инсталляция – традиции Марселя Дюшана. Простая банка супа Кэмпбелл выставлена в Лувре.

В таких работах Уорхолла как баночки супа Кэмпбелл, бутылки Кока-Колы, гамбургер и других выражена типично американская мысль – все уравнены посредством этих незамысловатых товаров массового потребления – и президент, и последний нищий на улице, который тоже может себе позволить бутылочку Колы.

Уорхол как фотограф и художник работал с образами звёзд эстрады и кино: Мэрилин Монро, Элизабет Тейлор, Джима Моррисона, Мика Джаггера и Элвиса Пресли, а также с образами политиков, например, Мао Цзэдуна, Ричарда Никсона, Джона Кеннеди и Владимира Ильича Ленина («Красный Ленин», «Чёрный Ленин»).

Мик Джаггер

Мао Цзэдун

«Чёрный Ленин»

Че Гевара

Элвис Пресли

Мерлин Монро

Почти все наиболее известные работы включают повторение образов, заимствованных из мира рекламы, коммерции и средств массовой информации. После ухода Монро из жизни он создал свой знаменитый «Диптих Мэрилин», ставший аллегорией жизни и смерти актрисы.

100 изображений Мерилин Монро, сделанных методом шелкографии с фотографий актрисы. Возможное толкование: человек в мире коммерции и рекламы, став популярным, теряет свою индивидуальность и становится частью мира рекламы.

От левой части панели, где Мерилин выполнена в цвете, художник перешел к черно-белой правой части, возможно, намекая на стирание живых черт актрисы.

Дикие работы, с типичным влиянием средств массовой информации. Суицид 1964

Изображение символа американской независимости – кольта – Это огромное полотно типично для американской живописи.

Объявление 1960

В 1968 Уорхол вместе с Полом Морисси создал первый игровой фильм Плоть. В 1980 Уорхол решил организовать собственное телевидение, разработал проект нового кабельного канала (Andy Warhol's TV) и стал его директором.

Автопортрет

Источник: https://multiurok.ru/files/priezientatsiia-endi-uorkholl-znamienityi-sozdatie.html

Энди уорхол банки с супом кэмпбелл

Сегодня исполняется 86 лет со дня рождения Энди Уорхола – знаменитого американского художника, дизайнера, скульптора, продюсера, режиссера, писателя, издателя журналов, родоначальника идеологии «homouniversale» и автора работ, которые уже стали синонимом понятия коммерческий поп-арт. Энди Уорхол сделал искусство доступным широким массам, чтобы люди научились видеть красоту повседневных вещей и понимать, что всё, что их окружает — прекрасно по своей сути. По случаю дня рождения гения-провокатора мы вспомнили 10 самых известных его работ.

1. Диптих Мэрилин

Диптих Мэрилин, 1962

Читайте также:  «поклонение волхвов», джотто ди бондоне — описание картины

Полотно было написано сразу после смерти Мэрилин Монро. Энди Уорхол соединил две картины: пятьдесят грубо раскрашенных растиражированных портретов актрисы и точно такую же, но черно-белую.

На втором полотне большинство портретов плохо видны или смазаны. Таким образом, художнику удалось показать облик смерти, преследовавший Мэрилин, и подчеркнуть контраст с ее жизнью.

Сейчас картина находится в Лондоне, в Галерее Тейт.

2. Банка супа «Кэмпбелл»

Банка супа «Кэмпбелл», 1962

Эта картина, по мнению художника, была его лучшей работой. Началось всё с одной картины, потом родилась целая серия. В ней выражено стремление Уорхола раскрыть поверхностную суть вещей и дать возможность каждому понять, что утюг или пылесос так же прекрасны, как зеленые холмы или поляна с цветами.

Свою страсть к рисованию обыденного Уорхол объяснял очень просто: «Я работаю с тем, что мне нравится». А супы «Кэмпбелл» он действительно любил, поедал их прямо из банки. Эта картина уже после смерти Уорхола была продана за 24 миллиона долларов.

Сам же автор в свое время, ни о чем не подозревая, продавал подобные по 100 баксов.

3. Пистолет

Пистолет, 1981-1982

3 июня 1968 года Энди Уорхол пережил покушение на свою жизнь — он получил три пулевых ранения в живот.

Близкая встреча со смертью вдохновила новатора поп-арта на создание нескольких картин, в том числе и знаменитого «Пистолета» — копией револьвера, из которого он чуть не был застрелен.

На красном фоне изображено трафаретное изображение револьвера в черном и белом цветовых решениях. Сегодня эта работа оценивается в 6-7 миллионов долларов.

4. Банан

Банан, 1967

Уорхол был продюсером группы Velvet Underground. Главным его вкладом стало создание обложки дебютного альбома The Velvet Underground and Nico.

Именно на ней были впервые изображены знаменитый ярко-желтый банан, подпись художника и надпись «Peel slowly and see».

А первые тиражи альбома были снабжены наклеенным на конверты желтым бананом, оторвав который, можно было обнаружить еще один фрукт – на этот раз розового цвета и очищенный.

5. 200 однодолларовых купюр

200 однодолларовых купюр, 1962

Уорхол рассказывал: «Я попросил несколько моих знакомых предложить темы для моих работ. Наконец одна подруга задала правильный вопрос: «Слушай, а ты сам-то, что больше всего любишь?» Вот так я и начал рисовать деньги!».

Энди Уорхол как пропагандист всего, что имеет характер массовости не смог обойти своим вниманием такую привычную для американца вещь, как однодоллоровая купюра. Именно в этой картине он максимально раскрыл тему духовных и материальных ценностей. На картине нет ничего, кроме денег.

Тем не менее, это произведение входит в число самых дорогих: оно было продано за 43,8 миллионов долларов. Тем самым Уорхол доказал свою главную идею «искусство – это прибыль, если оно хорошо продается».

6. Восемь Элвисов

Восемь Элвисов, 1963

Пальма первенства среди самых дорогих работ Уорхола принадлежит полотну «Восемь Элвисов», на которое художника вдохновил безвременно ушедший король рок-н-ролла. Эти несколько Пресли стоят 108,1 млн. долларов.

Художник хотел не только вспомнить Элвиса, но и отразить свою любимую тему в искусстве – тему бренности славы, монотонного повторения одинаковых образов и страха смерти.

Выполнил Уорхол картину в своем любимом цвете – серебряном.

7. Зеленые бутылки Кока-Колы

Зеленые бутылки Кока-Колы, 1962

Что могло быть проще – просто изобразить всем известную бутылку? Но в этом и был весь секрет искусства Энди Уорхола – оно должно быть понятно каждому, а Кока-Колу пьют все: от президента до простого рабочего.

Художник сделал ставку не на элитарность, а на массовость, и не прогадал. «В этой стране удивительно то, что она породила новую традицию потребления – богатые покупают совершенно те же продукты, что и бедные.

Президент пьет Колу, Лиз Тейлор пьет Колу и, только подумай, – ты тоже пьешь Колу», – говорил он.

8. Красный Ленин

Красный Ленин, 1987

От знаменитостей, которых Энди Уорхол рисовал очень часто, художник перешел к политикам. Одной из его поздних работ стала картина «Красный Ленин», которая до недавнего времени принадлежала Борису Березовскому.

Еще до своей смерти олигарх продал произведение искусства и «Красный Ленин» ушел с молотка почти за 202 тысячи долларов частному коллекционеру.

Изначально шелкографическая репродукция Уорхола оценивалась в 45-75 тысяч долларов.

9. Королева Елизавета II

Королева Елизавета II, 1985

Изображения Елизаветы II размером 100 на 80 сантиметров были написаны по фотографии королевы, сделанной в 1975 году фотографом Питером Грюжоном и были включены Уорхолом в подборку «Правящие королевы».

В нее вошли также его портреты королевы Нидерландов Беатрикс, Дании – Маргрете II и Свазиленда – Нтомби Твала. Британская королева изображена на работах художника во Владимирской тиаре, принадлежавшей когда-то представительницам российского императорского дома Романовых.

Недавно Елизавета II купила для Королевского собрания четыре своих портрета, написанных Энди Уорхолом.

10. Че Гевара

Че Гевара, 1968

Мало кто знает, что известная версия постера Че Гевары «Героический партизан» не принадлежит Энди Уорхолу.

Дело в том, что его компаньон Джерард Маланга создал это произведение в стиле Уорхола, выдав работу за рисунок последнего ради прибыли. Но афера Герарда раскрылась и его ждала тюрьма.

Тогда ситуацию спас Уорхол – он согласился признать фальшивку своей работой при условии, что весь доход от продажи достанется ему.

Источники: colorface.ru, officeplankton.com.ua, happy-giraffe.ru

locals.md

Не просто банка: главные работы Энди Уорхола

6 августа исполнилось бы 88 лет Энди Уорхолу. За 37 лет карьеры сын мигрантов-русинов из Словакии Андрий Варгола превратил искусство в часть системы потребления, показав, что любая вещь может стать арт-объектом.

Картина была создана по горячим следам — после гибели актрисы.

Уорхол свел воедино два полотна — пять десятков небрежно раскрашенных портретов, сделанных с фото Монро на съемках фильма «Ниагара», и еще один такой же, только графический, в черно-белой гамме.

Выполненная в технике шелкографии, «Мэрилин» стала одним из главных инструментов превращения актрисы в посмертный культ. Девять лет назад картину купили за $80 млн, в начале десятилетия полотно появилось в британской галерее Tate.

В том же году, когда был сделан «Диптих Мэрилин», Уорхол взялся за любимую свою еду — супы «Кэмпбел». Он стал фиксировать банки с супом в больших количествах, поясняя, что работает с тем, что нравится ему лично.

Самый известный вариант, большая банка с открывашкой, ушла на аукционе за $24 млн — случилось это после смерти художника.

Наверняка Энди сильно удивился бы такой цене, так как сам продавал картины с банками по 100 долларов.

3 июня 1968 года Валери Соланас, работавшая ранее с Уорхолом как актриса, явилась в его «Фабрику» и выпустила три пули ему в живот. Пережив клиническую смерть, Энди, однако, не стал давать показания против Соланас.

Очень боявшийся боли, болезней и смерти и в то же время сильно интересовавшийся этими темами, после покушения художник почти полностью сфокусировался на них. «Пистолет», созданный спустя полтора десятка лет после случившегося, демонстрирует копию оружия, из которого стреляла Соланас.

Возможно, Уорхол таким образом пытался посмотреть страху в лицо.

Уорхол во второй половине 60-х стал продюсером группы Velvet Underground. Продюсирование заключалось в пиаре — продвижении информации о группе среди нужных людей и СМИ. Главный же вклад в коллектив Лу Рида Уорхол сделал, нарисовав обложку дебютного альбома.

Банан, подпись Энди, три слова — Peel slowly and see — смотрелся конверт пластинки отлично.

Поначалу, в первом тираже диска, Velvet Underground вовсю концептуальничали, предлагая сорвать наклеенный на конверт тот самый желтый банан, чтобы обнаружить под ним еще один — розовый и очищенный.

Больше всего Энди, по его собственному признанию, любил деньги. Было бы странно, если бы Уорхол не перенес эту любовь на холст. В процессе создания картины Энди использовал для печати свои рисунки банкнот на кальке, под которую он подкладывал одно- и двухдолларовые купюры.

47 лет спустя, в 2009-м, «200 однодолларовых купюр» стали лотом на аукционе Sotheby's в Нью-Йорке. Аукционисты планировали, что картина уйдет максимум за $12 млн., но были, мягко говоря, приятно удивлены, когда спрос разогнал цену лота до $43,7 млн.

«Искусство – это прибыль, если оно хорошо продается», — утверждал Энди. Он был прав, похоже.

Сделанная за 15 лет до смерти Короля рок-н-ролла картина является самой дорогой работой художника. В 2008 году ее выставил на аукцион итальянский коллекционер Аннибале Берлингьери и получил $100 млн., так лик Элвиса, растиражированный и окрашенный в серебро, стал воплощением мечты Энди, желавшего максимальной цены за свои работы.

С этой работой случилась история совершенно в духе Уорхола. Картину, основанную на постере «Героический партизан», сварганил компаньон Энди, Джерард Маланга.

Цель была проста — выдать за картину Уорхола и неплохо заработать.

Когда затея провалилась и Джерарда ждал суд и, скорей всего, приличный срок, Энди решил прийти на помощь авантюристу в не менее авантюрной манере: он признал работу своей, но с условием, что заработает на ней сам.

Картина в сиреневых тонах, на которой Энди предстает всклокоченным безумцем (как обычно, впрочем), была создана им за год до своей нелепой смерти, то есть в 1986-м. В 2010-м «Автопортрет» ушел с аукциона за $32 млн.

www.elle.ru

Энди Уорхол

By andy-warhol.ru | Июнь 17, 2010

Уорхоловские банки супа фирмы «Кэмпбелл» являются ключевыми картинами движения поп-арт в 1960-е годы, периода, когда многие художники брали за основу своих произведений массовую культуру. Банки с супом Уорхола возводят массовое или обыденное до уровня искусства.

Продукция «Кэмпбелл» с красно-белой этикеткой появилась в конце девятнадцатого века и приобрела все возрастающую популярность в двадцатом, особенно благодаря росту массового производства и развитию рекламы после Второй мировой войны.

Сам Уорхол заявлял: «Поп-арт – это о любви к вещам» и уверял, что ест суп «Кэмпбелл» каждый день уже двадцать лет.

Для него это была квинтэссенция американского продукта – он восхищался тем, что суп всегда имел один и тот же вкус, как «Кока-Кола», независимо от того, кто его ел — принц или нищий.

* Большая открытая банка супа «Кэмпбелл» (суп с перцем) (Big Torn Campbell’s Soup Can (Pepper Pot)), 1962 г., казеин и графитный карандаш, холст 71 5/8 x 52 дюйма (181,9 x 132,1 см) Музей Энди Уорхола в Питтсбурге Основная коллекция. Дар Фонда Изобразительного искусства Энди Уорхола, Инк.

«Я его [суп «Кэмпбелл»] просто пил. Каждый день я ел на обед одно и то же, лет двадцать, наверное, одно и то же, каждый божий день».

Энди Уорхол

Искусство для всех американцев Мне становится смешно, когда я смотрю на серию про консервные банки супа «Кэмпбелл». Вот на этой конкретной картине меня больше всего интересует, что за тип оторвал этикетку. Простота работ Уорхола вызывает у меня досаду.

Глядя на картины на тему супов «Кэмпбелл», испытываешь те же эмоции, что и при виде скрепки для бумаги или самоклеющихся листочков для заметок: «Как я до этого не додумался?».

Возвеличивание консервной банки до уровня искусства, конечно же, не ставит Уорхола в один ряд с Рафаэлем, но, тем не менее, свидетельствует о его изобретательности в стиле Томаса Эдисона.

Серия «Кэмпбелл» является доказательством того, что если у Уорхола и было хотя бы одно достоинство, то это наблюдательность. Мы все находимся под постоянным обстрелом поп-культуры, но Уорхол сумел отметить это всепроникающее влияние. Он взял банку супа, всем знакомый образ, и возвел его до уровня искусства.

Я бы назвал его художником для всех американцев, потому что он сделал свое искусство доступным для людей всех классов и рас. Яркая палитра и провокативно обыденная невыразительная тема серии «Кэмпбелл» вызывают одинаково горячие споры и среди людей с высшим образованием, и среди недоучившихся в школе.

Том Ласкоу, учащийся средней школы CAPA, проект «Молодежная марка» «Молодежное вторжение», Музей Энди Уорхола, 2004 г. (Tom Laskow, High School student, Youth Label Project, Youth Invasion, The Andy Warhol Museum, 2004.)

Суп как простая еда, воспетая Домье; суп как метафора плавильного котла, в котором «варится» все более однородная Америка; суп как переход от домашней еды к готовой; суп как проявление «хорошего» или «дурного» вкуса, и в тарелке, и в рекламном дизайне.

Оторвав этикетку и увидев обнажившиеся под ней безликие очертания генерерированной машинным веком пищи для ума: кто проследил ее путь по конвейерной ленте? Кто решает, какой вкус будет у содержимого этой банки? Кто определяет, что хорошо и что плохо с точки зрения сбыта продукции? Через какие механизмы она прокатилась? С какой стати Уорхол утверждал, что ел этот суп каждый день?

Памела Аллара, преподаватель истории искусств, Университет Брандейса, штат Массачусетс, цитата из проекта этикеток «Точка зрения», Музей Энди Уорхола в Питтсбурге, 1999 г. (Pamela Allara, professor of art, Brandeis University, Massachusetts, quote from Point of View Label Project, The Andy Warhol Museum, Pittsburgh, 1999.)

Мне всегда казалось ужасно увлекательным это занятие — срывать наклейку с банки — это акт насильственного, соблазнительного обнажения.

Лишенная своих бумажных одеяний, банка становится безликой, холодной и вечной, как колонна древнегреческого храма. Разрывы на этикетке — как раны Святого Себастьяна — гомоэротичны до садомазохизма.

Отстающая от банки бумага еще напоминает бобину 16-миллиметровой пленки, полоску скрученного целлулоида, соскальзывающего с катушки.

Уэйн Кёстенбаум, поэт и критик, цитата из проекта этикеток «Точка зрения», Музей Энди Уорхола в Питтсбурге, 1999 г. (Wayne Koestenbaum, poet and critic, quote from Point of View Label Project, The Andy Warhol Museum, Pittsburgh, 1999.)

warhol.org

Источник: http://samsebepovarenok.ru/recepty-supov/endi-uorhol-banki-s-supom-kempbell.html

Ссылка на основную публикацию