«праздник венков из роз», альбрехт дюрер — описание картины

«На лепестках Цветов написано посланье»: цветы как символ в искусстве

?Вадим Алешин (vakin) wrote,
2016-08-08 15:28:00Вадим Алешин
vakin
2016-08-08 15:28:00Изысканные натюрморты и дивные растения на полотнах живописцев — цветы могут не только украсить вид, но и открыть тайный смысл, передать послание внимательному исследователю. Листаем пленительный гербарий, изучая таинственный сад цветочных символов.
Рембрандт ван Рейн. Флора

Гимн красоте божественного творения

Силу воздействия живописных образов на религиозные чувства верующих прекрасно понимали отцы церкви. И, несмотря на аскетизм ранних сюжетов, роза и лилия одними из первых стали пользоваться особым вниманием.

Сандро Боттичелли. Алтарь Барди, Мадонна на троне, Иоанн Креститель и Иоанн Евангелист.
Деталь: Мария и младенец Христос. 180×185 см

Ян ван Эйк.

БлаговещениеЛилия — любимица древних властителей и императоров. С расцветом христианства ее белоснежным лепесткам было доверено символизировать непорочность Девы Марии. Цветок стал практически неизменной деталью сцен Благовещенья в европейском изобразительном искусстве.Роза — покорительница сердец, — никогда не была лишена внимания.

Ее насыщенный красный цвет и шипы красноречиво повествовали о страданиях Христа. Сплетённые же вместе белые (символ чистоты Марии) и алые розы знаменовали собой объединение в вере всех христиан (Альбрехт Дюрер «Праздник венков из роз» или «Праздник чёток»).
Альбрехт Дюрер. Праздник четок (Праздник венков и роз)
1506, 162×194.5 см

Герард Давид.

Дева с младенцем и четырьмя ангеламиИрис — белый символизирует чистоту, синий — материнскую скорбь.Изображение цветов в религиозных сюжетах позволяло навеки запечатлеть красоту мудрости и щедрости самого Творца, напоминая и о бренности земной жизни.

Эта христианская идея отражена в картине Яна Давидса де Хема (1606−1683) «Натюрморт с распятием и черепом» (Мюнхен, Старая Пинакотека). О скоротечности жизни в цветочном memento mori, как правило, напоминает изображение часов или черепа. В натюрморте же с другим набором предметов в этой роли выступает сам цветок.
Ян Давидс де Хем.

Цветы в стеклянной вазе, распятие и череп
85×103 см
Включенный в букет хлебный колос символизирует не только хлеб Причастия, но и Воскресение, поскольку человек, подобно зерну, возрождается к новой жизни после погребения в землю. В композиции другой картины Яна Давидса де Хема -«Букет цветов в стеклянной вазе», — очевидно доминирование алого мака и белой гвоздики.

Внимательному зрителю мак напоминал о скоротечности живой красоты, а скрытые в нем семена — о смерти и забвении. Белая гвоздика символизировала чистую и ясную христианскую жизнь.
Ян Давидс де Хем. Цветы в вазеНа протяжении XVI столетия светская символика в искусстве постепенно отвоевывала все больше прав.

Так, красная гвоздика — в христианском искусстве символ любви и страдания, ассоциирующийся с кровью, пролитой Христом, уже все чаще в портрете XV—XVI вв., особенно в парном, сопровождает влюбленных и служит указанием на обручение.

Цветок стал общепринятым, и по сей день сохранившим свое значение атрибутом доблести и отваги, революции, причем, не только Октябрьской, но, прежде всего, Французской.
Ганс Гольбейн Младший. Портрет купца Георга Гиссе
1532, 85×96 см. Масло

Ян ван Эйк. Мужской портрет
Леонардо да Винчи.

Мадонна с младенцем Интересно, что в случае многозначности символа принимается во внимание то из его значений, которое соответствует общему духу картины. Например, чертополох в Германии указывал на помолвку — этот намек и усматривали раньше исследователи известного автопортрета Альбрехта Дюрера с чертополохом.

Однако надпись в верхней части картины — «мои дела определяются сверху» (стар. нем.), — указывает на еще одну символику растения — Страсти Христовы. Так художник выразил преданность Богу, подчеркнув свою мысль чертополохом в руке.
Альбрехт Дюрер. АвтопортретВ миниатюрах календарей франко-фламандских часовников XV в.

, цветы — признанные атрибуты апреля и весны вообще в позднейших циклах картин на тему «Месяцы» или «Времена года». Один из самых изысканных образов возрождающейся природы запечатлен в миниатюре «Апрель» («Роскошный часослов герцога Беррийского») братьев Лимбургов: дамы в изящных придворных платьях собирают цветы на яркой зелени луга.
Братья Лимбург. Времена года.

АпрельНо что нам «скромные цветы»? Довольно неожиданно выглядит «Автопортрет с подсолнухом» Антониса ван Дейка! Дело в том, что подсолнух был только-только завезен испанцами в Европу из Перу (произошло это в 1569 г.), и еще столетие его выращивали в садах как диковинку. Заметив, что подсолнух поворачивается вслед за небесным светилом, его стали считать символом солнца (Творца, монарха) и судьбы, а также верности. Видимо, изображение растения на автопортрете придворного живописца — свидетельство непоколебимой преданности мастера своему покровителю, английскому королю Карлу I.
Антонис ван Дейк. Автопортрет

«Я вышла в сад …» Белла Ахмадулина

Вообще, появление и распространение «несерьезной» цветочной живописи в Европе было результатом интенсивного развития садоводства — как научного, так и любительского. Растительный мир, окружавший художников, с середины XVI века начал изменяться.

Путешественники и торговля сделали свое дело! Одними из первых преобразили сады восточные луковичные растения, а затем к ним стали постепенно прибавляться диковинки из Нового Света.
Мария Сибилла Мериан.

Цветочный натюрморт в китайской вазеБотаника обрела самостоятельность, отделившись от медицины, составной частью которой была до этого.

Вот и художники обратили особое внимание на цветочную живопись, к тому же ученые, большинство из которых работали в Голландии, заказывали рисунки растений для исследовательских целей.

«Чудесный гость далекого Ирана»

«Портреты» цветов заказывались и владельцами садов, чтобы увековечить диковинные и экзотические и просто прекрасные цветы, собранные или выведенные хозяином. Садоводы, занимавшиеся разведением и выведением редких видов, заказывали рисованные каталоги для презентации покупателям посадочного материала. Особую актуальность такие каталоги приобрели в период пресловутой тюльпаномании. Спекуляция луковицами тюльпанов в Голландии во второй половине 30-х годов XVII в. достигла поистине степени безумства, когда за луковицу тюльпана редкой новой окраски закладывали дом. Неудивительно, что тюльпаны можно увидеть практически в каждом букете, написанном в первые сорок лет XVII столетия, и больше всего сохранилось альбомов именно с этими цветами. Одна из таких книг — «Тюльпановая книга» Якоба Маррела (1642) — содержит лист с ценами на тюльпаны в 1635—1637 гг., в самый разгар тюльпаномании.
Колесница Флоры. Аллегорическая картина Гендрика Пота«Колесница Флоры». Аллегорическая картина Гендрика Пота (1580−1657) — популярный лубочный сюжет, высмеивающий простаков-спекулянтов. Повозка с богиней цветов (только тюльпаны) и её праздными спутниками катится под уклон в пучины моря. За ней бредут ремесленники, забросившие орудия своего труда в погоне за лёгкими деньгами
Ян Давидс де Хем. Ваза с цветами
Ян Давидс де Хем. Цветы
Ян Давидс де Хем. Цветочная композицияПервые станковые натюрморты появились в 1600-е гг. в творчестве Якоба де Гейна, Руланта Саверея, Яна Брейгеля, Амброзиуса Босхарта и представляли собой искусные композиции из разнообразных цветов в изысканной вазе. Такие букеты кажутся написанными с натуры, однако присмотритесь: они составлены из растений, цветущих в разные сезоны. Живописцы выполняли тщательные рисунки акварелью и гуашью, рисуя цветы с натуры, и затем использовали эти наброски в различных работах.
Ян Брейгель Младший. Корзина с цветами
Ян Брейгель Младший. Большой букет из лилий, ирисов, тюльпанов, орхидей и пионов в вазе, декорированной изображениями Амфитриты и Цереры
Ян Брейгель Младший. Флора в цветах
64×44 см

Ян Брейгель Младший. СлухЯн Брейгель Младший. Пять чувств: ЗрениеИ, конечно, рассматривая изысканные букеты, знатоки с любопытством читали цветочные «письма». Уж они-то знали, что орхидеи затаили ревность, подозрительность, и обман. Ирис уже перестал напоминать о скорби Божьей матери и начал воспевать Весну и возрождение.Лаванда символизирует деревенскую жизнь, крестьянство, и, в то же время, желание, порок, разврат, потерю невинности. А вот тюльпаны, памятую о своем бурном коммерческом прошлом, преобразились в символ богатства, процветания, торговли, и это объяснимо самой историей бытования цветка.
Рафаэль Санти. Святое семейство под пальмой, тондоОдуванчик, из символа младенца Христа (на тондо Рафаэля изображен слева у края плаща Иосифа) трансформировался в трогательное напоминание о детстве, тоске по прошлому.Символика активно использовалась в искусстве до второй половины XIX века. «Говорящий гербарий» можно увидеть на полотнах Ореста Кипренского. «Бедная Лиза» нежными пальчиками держит хрупкий красный цветок — это ее любовь и судьба.
Орест Адамович Кипренский. Бедная Лиза. 39×45 смБалерина Екатерина Телешова в образе Зелии — героини балета «Приключение на охоте», — демонстрирует идеализированный букетик полевых цветов, намек на простодушие театрального образа. Цыганка прижимает ветку мирта — атрибут Афродиты. Однако у мирта есть еще одно значение — символ язычника обращенного в христианство. И, пожалуй, это наиболее вероятное объяснение присутствия детали на портрете цыганки (как известно, ромы принимают религию страны, где они проживают).
Орест Адамович Кипренский. Портрет Екатерины Сергеевны Авдулиной. 1823
Орест Адамович Кипренский. Цыганка с веткой миртаА на портрете Е. Авдулиной отчетливо видна одиноко стоящая в стакане с водой веточка гиацинта. Его белый цвет — символ нравственной чистоты, но, в то же время и смерти: осыпающиеся лепестки — уже ставший хрестоматийным намек на быстротечность молодости и красоты. Художник грустил: ему довелось покинуть солнечную Италию и вернуться в Петербург.
Орест Адамович Кипренский. Портрет танцовщицы Телешовой. 55×64 см

«Где весело, туда лети, из лучших роз богине Флоре венок сплети…» Рубен Дарио

Цветы, учитывая, заложенную в них природой идею роста и плодородия, издревле связывали с женской сексуальностью.
Тамара Лемпицка. Ира
Тамара Лемпицка. Женщины
Тамара Лемпицка.

Портрет АрлеттТамара де Лемпицка считала каллы самыми женственными и эротичными цветами и постоянно включала их в свои натюрморты. В картинах Джорджии О’Киф критики практически единодушно усмотрели эротические намёки.

А известный фотограф Альфред Стиглиц считал работы О’Киф манифестацией «вечной женственности».
Джорджия О'Киф. Цветы 36Джорджия О'Киф. Канна красная с оранжевымДжорджия О'Киф. Орхидеи
Джорджия О'Киф. Дурман (Белый цветок №1). 1932, 101.

6 смУ древних италийцев с приходом весны над миром властвовала юная богиня распускающихся цветов — Флора. Ренессанс воскресил наследие античности, и цветы окружили жизнерадостных Венеру и Флору.

Богини участвуют в картинах с аллегориями месяцев и времен года, чувств и стихий, олицетворяя весну, обоняние или зрение, землю или огонь (Ян Брейгель Старший. «Обоняние»).
Сандро Боттичелли. Весна (Примавера)
1485, 314×203 см

«Ладонь твоя росой окроплена, Раскрылся пальцев розовый бутон» Данте Габриэль Россетти

К XIX веку символика изображенных предметов в живописи утратила свое глубокое значение, и цветочные штрихи нам могут показаться всего лишь красочными акцентами живописного полотна. Тем не менее, в викторианскую эпоху развился свой специфический язык цветов.

Символизм, отражённый на картине Данте Габриэля Россетти «Вероника Веронезе» (1872), включает освобождённую из клетки птицу, а ромашки в птичьей клетке— запертую энергию, примулы — символ юности, нарциссы — отражение мыслей.
Данте Габриэль Россетти. Девушка со скрипкой
Форд Мэдокс Браун. Портрет жены художникаФиалки — символ скромности и верности.

Так, на портрете своей жены Эммы Хилл, Форд Мэдокс Браун вкладывает в руки своей возлюбленной, разрушенной алкоголизмом, букет из увядших цветов. Он писал: «Теперь, когда она лежит в постели разбитая лихорадкой, она выглядит прекрасной и молодой, как когда-то».Переполнено символикой и полотно Данте Габриэля Россетти «Леди Лилит» (1867).

Идею картины раскрывает сонет «Телесная прелесть»: «Спокон веков она мужей влекла, Улавливая души и тела В силки страстей, как в наши времена. Ей любы мак и томных роз цветы; Кого, Лилит, не зачаруешь ты, Твой поцелуй и сонных грез настой». Роскошный цветок мака в черной вазе символизирует не только воображение и вечный сон, но также наслаждение и неизбежность смерти.

Данте Габриэль Россетти. Леди Лилит
Эдвин Лонгсден Лонг. Серия Дочери Нашей империи
Значение первоцвета изменяется в зависимости от окраски, но в картине Эдвина Лонгсден Лонга «Дочери нашей империи. Англия: первоцвета» (1887) желтый задуман как символ молодости и любви.

https://www.youtube.com/watch?v=6El6mCQgEk4

Картина Джона Эверетта Милле «Офелия» известна благодаря детализированному изображению растительности реки и на речных берегах. Когда художник рисовал обреченную Офелию Шекспира, в пышной сцене смерти он изобразил все цветы в соответствии с оригиналом текста и ботанической точностью.

В каждом из растений закодирован определенный смысл: лютики означают неблагодарность, плакучая ива, склонившаяся над девушкой, — знак отвергнутой любви, крапива обозначает боль, цветы маргариток около правой руки символизируют невинность.

Розы традиционно говорят о любви и красоте, кроме того, один из героев трагедии называет Офелию «роза мая»; ожерелье из фиалок знаменует скромность и верность, так же как и растущие на берегу незабудки; алый и похожий на мак адонис, плавающий около правой руки, символизирует горе.
Джон Эверетт Милле. Офелия.
1852, 111.8×76.2 см
И, хотя, сегодня в большинстве живописных сюжетов натюрмортам, цветам и растениям определена второстепенная роль, попробуйте прислушаться к тихому разговору детей Флоры: они вам расскажут много интересного.

Автор Елена Настюк
Источник — artchive.ru

Источник: https://vakin.livejournal.com/1256075.html

Ренессанс

=> Художники Ренессанса => Альбрехт Дюрер

«Праздник венков из роз» или «Праздник чёток» (нем. Rosenkranzfest) картина Альбрехта Дюрера, написанная им в 1506 году в Венеции. В настоящее время находится в Пражской Национальной галерее, Чехия.

7 октября отмечается праздник Девы Марии Розария (Праздник четок или венков из роз). Традиция связывает его появление с явлением Девы Марии св. Доминику в 1214 г.

Во время богослужения произносятся молитвы Розария и перебираются четки. Первые упоминания об использовании схожих с Розарием молитв по чёткам в католических монастырях относятся к IX веку.

Современный вид чётки приобрели в XIII веке.

Классические чётки для Розария состоят из заключённых в кольцо 5 наборов из десяти малых бусин и одной большой, а также трех малых, одной большой бусины и креста.

По словам самого Дюрера, эта работа заставила признать тех художников, кто считал его лишь успешным гравёром, что он также настоящий живописец.

Читайте также:  Музей эдварда мунка в осло, норвегия

История создания

Картина была заказана Дюреру немецкими купцами, обосновавшимися в Венеции, в то время, когда художник находился в этом городе. Алтарный образ предназначался для церкви Сан-Бартоломео, располагавшейся у немецкого торгового дома Фондако деи Тедески.

По словам самого Дюрера (его письмо Виллибальду Пиркгеймеру от 8 сентября 1506 года), эта работа заставила признать тех художников, кто считал его лишь гравёром, что он также настоящий живописец.

Император Рудольф II позднее (1585) приобрёл картину «Праздник венков из роз» и переправил в Прагу.

Композиция

В центре картины изображена Дева Мария с младенцем Христом на руках. Иисус возлагает венок на голову коленопреклонённого папы римского (Юлий II, портретное сходство не соблюдено), мадонна — на голову Максимилиана I. Сплетённые вместе белые (символ чистоты Марии) и алые (страданий Христа) розы знаменовали собой объединение всех христиан в вере.

Два ангела держат над Марией зелёный балдахин, двое других — корону Габсбургов. Расположившийся у ног Девы Марии музицирующий ангел — отсылка к картинам венецианских художников, которые часто включали этот мотив в свои произведения.

Библейский сюжет, к которому общается художник, красив и наполнен глубоким символизмом. Распространённое на территории Европы братство чёток, по легенде основанное св. Домиником, традиционно устраивало праздник, корни которого уходили к явлению Девы Марии пред святым.

Чётки для членов братства были не просто молитвенным инструментом, они считали, что каждая белая бусина – это роза, символ невинности Богоматери, а красная – цветок-символ крови Христовой.

На картине изображено действо, где раздаются венки: Мария возлагает на голову папы римского Юлия II, младенец-Иисус – на чело Максимилиану I.

Есть на картине и миряне. Рядом с Мадонной и младенцем, а также со св. Домиником, раздающими венки, находятся Иероним, знаменитый архитектор из Аугсбурга, Гримани, кардинал Венеции, немецкие купцы, выступавшие заказчиками произведения.

В «Празднике чёток», как ещё называют эту картину, есть два интересных персонажа. Нехарактерный для Дюрера, но традиционный для итальянской школы живописи, херувим с лютней – дань тому, что художник почерпнул за время работы в стране. И фигура позади справа – молодой человек в изящных одеждах, сам Дюрер.

После того, как картина была завершена, Дюрер пишет из Венеции своему другу в Нюрнберг гордые слова, в которых ощущается удовлетворение законченным «Праздником четок»: «Заявляю вам, что лучше моей Марианской картины, вы не найдете на целом свете…»

Ровно через сто лет после написания этой картины, в 1606 году, она покидает Венецию и отправляется прямо в Прагу, в коллекцию императора Рудольфа 2 Габсбурского, любителя искусства, который любой ценой мечтал приобрести «Праздник четок» Дюрера. Тяжелая судьба ожидала картину после смерти Рудольфа 2.

Она была нещадно повреждена временем, выброшена из коллекции Пражского града и продана. В конце концов, дюреровский «Праздник четок» оказался в Страговском Монастыре в Праге, где был спрятана от людских глаз.

Только в 1934 году после сложных многолетних переговоров, чехословацкое государство выкупает у монастыря произведение, которое по сей день находится в собрании Национальной в Праге, в Национальной галерее.

Источник: https://www.renesans.ru/renaissance/01_albrecht-durer/pictures_prazdnik_venkov_iz_roz.shtml

Дюрер Альбрехт

Нидерландский художник Питер Мондриан

Немецкий живописец, рисовальщик и гравер, один из величайших мастеров западноевропейского искусства. 

Дюрер был проницательным исследователем природы и горячим приверженцем итальянской (ренессансной) теории искусства, однако в его творчестве проявились многие черты средневекового мистицизма.

Дюрер с увлечением рассказывал о своей жизни, возможно, побуждаемый тщеславием; он описывал различные ее аспекты в семейной хронике, в дневнике, посвященном поездке в Нидерланды, и в нескольких письмах личного характера.

Автопортреты Дюрера, еще более, чем его собственные слова, обнаруживают постоянное стремление к самопознанию и формированию собственной личности.

Первый автопортрет художник создал в возрасте тринадцати лет. На этом рисунке серебряным карандашом он предстает тонким чувствительным юношей. В таком же ключе Дюрер изобразил себя на очень камерном по характеру Автопортрете с гвоздикой (1493, Лувр). Здесь ему двадцать два года.

Изящным и извилистым контурам его щегольской одежды вторят волнистые линии длинных светлых волос. На мадридском Автопортрете (1498, Прадо) Дюрер предстает преуспевающим человеком. Его руки покоятся на парапете, за спиной открывается вид из окна.

Здесь он уже показан с бородой, одетым в платье богатого бюргера.

В этом портрете нашел отражение ренессансный подход к трактовке личности художника, который отныне должен рассматриваться не как скромный ремесленник, а как личность, обладающая высоким интеллектуальным и профессиональным статусом. В 1500 эти тенденции достигают кульминации в Автопортрете в образе Христа (Мюнхен, Старая Пинакотека).

Здесь самолюбование мастера, заметное в его более ранних автопортретах, сменяется трезвой прямотой. Фигура строго фронтальна, глаза приковывают внимание, тона карнации дополнены разнообразными оттенками коричневого, фон темный. В этом произведении Дюрер, очевидно, стремился передать мысль, что художник, подобно Богу, является творцом.

 

Автопортрет, 1500, Старая Пинакотека, Мюнхен

Дюрер родился 21 мая 1471 в Нюрнберге, главном центре немецкого гуманизма.

Его художественное дарование, деловые качества и мировоззрение формировались под влиянием трех людей, сыгравших наиболее важную роль в его жизни: отца, венгерского ювелира; крестного Кобергера, оставившего ювелирное искусство и занявшегося издательским делом; и ближайшего друга Дюрера, Вилибальда Пиркхаймера – выдающегося гуманиста, познакомившего молодого художника с новыми ренессансными идеями и произведениями итальянских мастеров. 

Дюрер освоил основы живописи и ксилографии в мастерской художника Михаэля Вольгемута. После нескольких лет учебы он в 1490 поехал в Кольмар, чтобы познакомиться с великим гравером Мартином Шонгауэром, но не застал его в живых.

1492–1494 он провел в Базеле, крупнейшем центре производства иллюстрированных книг.

Здесь молодой художник увлекся ксилографией и гравюрой на меди; однако из многочисленных гравюр, приписываемых этому периоду творчества Дюрера, его произведением может считаться только фронтиспис к изданию посланий св. Иеронима 1492. 

Альбрехт Дюрер. Дворик замка в Инсбруке. Акварель. 1494. Вена, Альбертина

В 1494, после посещения Страсбурга, Дюрер вернулся на родину, но вскоре отправился в Венецию. По дороге мастер выполнил несколько замечательных акварельных пейзажей, которые являются одними из первых произведений этого жанра в западноевропейском искусстве. 

Вернувшись в Нюрнберг в 1495, художник открыл собственную мастерскую и стал делать рисунки, по которым его ученики изготавливали ксилографии. Печатая значительное количество оттисков, Дюрер с 1497 начал прибегать к услугам агентов, продававших его гравюры по всей Европе.

Таким образом, он стал не только художником, но и издателем; его славу упрочило издание в 1498 серии гравюр на дереве Апокалипсис. В гравюре Четыре всадника Апокалипсиса кони летят над телами упавших людей.

Эмоциональная напряженность достигается при помощи противопоставления темной густой параллельной штриховки, больших пятен чистой белой бумаги и мест, где формы едва обозначены тонкими линиями; так создается удивительный скульптурный эффект.

В это время слава Дюрера, которому с 1496 покровительствовал курфюрст Саксонский Фридрих, распространилась по всей Европе. 

Барбара Дюрер, урождённая Хольпер, Нюрнберг, Германский национальный музей  

В 1503–1504 Дюрер создает замечательные акварельные этюды животных и растений, из которых наиболее знаменит Большой кусок дерна (1503, Вена, Художественно-исторический музей). Написанные различными оттенками зеленого, растения изображены с непревзойденной тщательностью и точностью. 

Исполненная в 1504 гравюра Адам и Ева отличается монументальностью и классицизирующими тенденциями.

Обе фигуры – плод исследований пропорций человеческого тела, занимавших Дюрера в течение всей жизни.

Теперь художник обратился к гравюре на металле, дававшей возможность оперировать более тонкими и гибкими линиями, чем те, которые могут быть получены в технике ксилографии. 

В 1506, возможно, спасаясь от чумы, Дюрер снова приехал в Венецию. Отношение Дюрера к Венеции было двойственным. Для него этот город был одновременно и притоном мошенников и воров, и местом «где я – господин, в то время как дома – всего лишь паразит».

В алтарном образе для немецкой церкви в Риальто Праздник четок (1506, Прага, Национальная галерея) Дюрер использовал традиционную итальянскую иконографию sacra conversazione (Мадонна на троне с предстоящими ей святыми по сторонам).

На этой картине Мадонне с Младенцем поклоняются император и папа римский, а позади них – толпа народа, в которой Дюрер изобразил многих своих современников. 

История жизни Альбрехта Дюрера

Вернувшись в Нюрнберг, Дюрер продолжал заниматься гравюрой, однако среди его произведений 1507–1511 более важное место занимают картины. Дюрера, по-видимому, не привлекал получивший широкое распространение в эти годы прием сфумато (туманная мягкость очертаний в живописи), и он продолжал писать в жестком линеарном стиле.

Для этого периода характерны такие картины, как Адам и Ева (1507, Прадо). Гибкие тела удлиненных пропорций со слабовыраженными признаками пола, помещенные на темном фоне, более грациозны, чем Адам и Ева на гравюре 1504.

В 1508 для доминиканской церкви во Франкфурте Дюрер написал большой образ Успение Богоматери (не сохранился и известен лишь по копиям).

Праздник венков из роз. Масло, тополевая доска (1506

В его композиции отразилось влияние итальянских двухъярусных изображений Вознесения Богоматери. Благодаря использованию этой схемы мастеру удалось достичь поразительной монументальности образа. В 1511 по заказу купца Маттеуса Ландауера Дюрер написал Поклонение Троице (Вена, Художественно-исторический музей).

Это – наиболее амбициозное из всех произведений художника.

Троица изображена на центральной оси (Святой Дух в виде голубя, Бог Отец, увенчанный короной, и распятый Христос); вокруг – поклоняющиеся Божественному Престолу святые, образующие четыре группы: вверху слева – мученики во главе с Богоматерью; справа – пророки, пророчицы и сивиллы под предводительством Иоанна Крестителя; внизу слева – деятели церкви, ведомые двумя папами, а справа – миряне во главе с императором и королем. В самом низу изображен пейзаж с озером, на берегу которого показана одинокая фигура самого Дюрера у доски с надписью. Живопись жесткая и сухая, сверкающие краски кажутся почти металлическими, твердые и плотные формы контрастируют с мягкостью пейзажа и облаков. 

Если в 1507–1511 Дюрер в основном занимался живописью, то 1511–1514 годы были посвящены преимущественно гравюре.

Он выпустил второе издание Апокалипсиса, цикл из двадцати гравюр на дереве Жизнь Марии, двенадцать гравюр серии Большие Страсти и тридцать семь гравюр на тот же сюжет – Малые Страсти.

В этот период его стиль становится более уверенным, контрасты света и тени сильнее, как, например, в гравюрах Взятие Христа под стражу (серия Большие страсти) и Четыре всадника Апокалипсиса. В 1512 Дюрер выпустил третью серию гравюр Страсти изысканных и утонченных по исполнению.

Алтарь Ландауэра. 1511. Музей истории искусства. Вена

В 1513–1514 он создал три самых знаменитых своих листа: Рыцарь, смерть и дьявол; Св. Иероним в келье и Меланхолия I. На первом из них рыцарь-христианин едет по гористой местности, сопровождаемый Смертью с песочными часами и дьяволом.

Образ рыцаря возник, возможно, под влиянием трактата Эразма Роттердамского Руководство христианского воина (1504). Рыцарь – аллегория активной жизни; он совершает свои подвиги в борьбе со смертью. Лист Св.

Иероним в келье, напротив, является аллегорическим изображением созерцательного образа жизни. Старик сидит у пюпитра в глубине кельи; на переднем плане растянулся лев.

Сквозь окна в это мирное уютное жилище льется свет, однако и сюда вторгаются символы, напоминающие о смерти: череп и песочные часы. На гравюре Меланхолия I изображена крылатая женская фигура, сидящая среди разбросанных в беспорядке приборов и инструментов. 

В 1514 Дюрер стал придворным художником императора Максимилиана I. Вместе со своими помощниками он создал гравюру (3ґ3,5 м), которая изображает триумфальную арку и торжественную процессию. Композиция была призвана прославить историю императорской династии и подвиги императора и его предков.

Дюрер продолжал писать и картины, создав замечательный Портрет императора Максимилиана (Вена, Художественно-исторический музей) и образ Богоматерь с Младенцем и св. Анной (1519–1520, Метрополитен). Последний представляет собой композицию, состоящую из трех плотно сгруппированных фигур. Св.

Анна в задумчивости опустила руку на плечо юной Богоматери, поклоняющейся Младенцу Христу. 

А. Дюрер. Портрет Максимилиана I

В 1519 Максимилиан умер, и трон перешел к Карлу V. В 1520 Дюрер отправился ко двору нового императора. Поездка превратилась в продолжительное путешествие по Нидерландам, подробно описанное Дюрером в путевом дневнике.

Художника везде встречали с почестями, по пути он видел самые разные произведения искусства, от Гентского алтаря ван Эйка до образцов искусства американских индейцев, привезенных из Мексики спутниками Кортеса.

Вернувшись в Германию, он приступил к теоретическому осмыслению своих наблюдений и написал трактаты о пропорциях человеческого тела и о перспективе – проблемах, занимавших его еще со времен первой поездки в Италию. 

Вопрос о религиозных представлениях Дюрера остается без ответа. В сюжетах его картин можно найти и католические, и протестантские оттенки. Он симпатизировал Лютеру, с которым, однако, не был знаком.

В 1526 Дюрер создал Портрет Эразма Роттердамского (гравюра на меди), чьи умеренные религиозные воззрения, по-видимому, совпадали с его собственными. Диптих Четыре апостола (1526, Мюнхен, Старая Пинакотека) был подарен Дюрером городскому совету Нюрнберга.

Возможно, четыре фигуры апостолов в рост были написаны под влиянием образов алтаря Джованни Беллини из венецианской церкви Фрари (1488).

Могила Дюрера на кладбище Иоанна в Нюрнберге

На левой створке столь любимый Лютером Иоанн Богослов помещен перед Петром – камнем утверждения католицизма; на правой створке Павел, апостол Реформации, стоит впереди Марка. Возможно, это произведение было создано специально для недавно ставшего протестантским города; однако надпись внизу можно расценивать и как предостережение против любого проявления религиозного фанатизма.

 
Умер Дюрер в Нюрнберге 6 апреля 1528.

Источник: http://tunnel.ru/post-dyurer-albrekht

Альбрехт Дюрер: картины художника с названиями и описанием :

Альбрехт Дюрер – искусный график и живописец родом из Германии, ставший видной фигурой западноевропейского Ренессанса. Картины Альбрехта Дюрера по сей день считаются подлинными произведениями искусства.

Читайте также:  Скульптура эрмитажа: фото, скульптура на крыше

Также художник был признан одним из величайших мастеров ксилографии, поднявшим это направление изобразительного искусства на новый уровень развития.

Дюрер стал первым теоретиком среди североевропейских художников, написав руководство по декоративно-прикладному и изобразительному искусству.

Детство

Дюрер родился в 1471 году, 21 мая, в немецком городе Нюрнберге. Будущий великий живописец и график посещал латинскую школу. В возрасте 15 лет юный Альбрехт был отправлен на обучение в мастерскую известного в Нюнберге в те времена художника Михаэля Вольгемута.

Странствия

В 1490 году Альбрехт завершил обучение и отправился в странствие, в ходе которого он перенимал умения у мастеров из других земель. Дюрер мечтал посетить художника Мартина Шонгауэра, но застать его не успел: тот умер в 1491 году. Семья покойного радушно приняла Дюрера и даже позволила ему работать в мастерской художника.

Позднее Дюрер перебрался в Базель к брату умершего Мартина Шонгауэра и там, по догадкам, принял участие в изготовлении известных деревянных гравюр к «Кораблю дураков» авторства Себастьяна Бранта.

Еще какое-то время художник провел в Страсбурге. Именно здесь создал Альбрехт Дюрер картину с названием «Автопортрет с чертополохом». Произошло это в 1493 году. Это произведение считается одной из самых известных картин Альбрехта Дюрера.

Нюрнберг

В 1495 году картины Альбрехта Дюрера начали создаваться в его собственной мастерской. В 1498 году был издан «Апокалипсис», для которой Дюрер создал 15 ксилографий. Позднее типография Кобергера издала «Страсти св. Бригитты», для которой художник нарисовал 30 гравюр, что только добавило Дюреру поклонников.

Примерно в то же время было создано несколько живописных портретов, некоторые из которых стали одними из самых известных картин Альбрехта Дюрера. Но одной из самых значимых работ Дюрера этого периода стало произведение «Поклонение волхвов». Не менее известны стали картины Альбрехта Дюрера с названиями «Дрезденский алтарь» и «Семь кораблей».

Венеция

В 1505 году Дюрер отправился в Италию. Здесь художник выполнил ряд известных работ на заказ, среди которых — «Праздник венков из роз». По словам Дюрера, именно это произведение заставило признать окружающих его мастеров, что он не только успешный гравер, но и превосходный живописец.

Большое влияние на Дюрера оказал Джованни Беллини – признанный живописец: картины Альбрехта Дюрера «Мадонна с чижиком» и «Христос среди учителей» были созданы именно по просьбе Беллини. Художника высоко оценили в Венециии, даже предлагали остаться, но Дюрер покинул Италию в 1507 году.

Возвращение домой

Дюрер вернулся в Нюрнберг и в 1511 году написал знаменитый алтарь «Поклонение Святой Троице». Обращаясь к описанию картины Альбрехта Дюрера, можно отметить, что в основе иконографической программы алтаря лежит трактат «О граде Божьем».

С 1507 по 1512 год Дюрер сосредоточился на достижении наивысшего мастерства в искусстве гравирования. Среди известных работ того периода называют гравюры «Страсти на меди», «Жизнь Марии», «Большие страсти» и «Малые страсти».

Со временем контрастные образы в произведениях Дюрера становятся более мягкими. Действие происходит в пространстве, выстроенном с соблюдением законов перспективы. Это легко проследить, например, по серии гравюр «Жизнь Марии».

Знакомство с императором

С 1512 года художнику стал покровительствовать император Максимилиан I. Ему было доверено работать над ксилографией «Триумфальной арки» для императора.

Позднее Дюрер принял участие в иллюстрировании одного из изданий «Молитвенника императора Максимилиана». Художник получил от своего покровителя грамоту, которая защищала его деревянные и медные гравюры от копирования.

Благодаря таким важным связям финансовое положение Альбрехта Дюрера исправилось, и он вновь смог творить, не испытывая материальных затруднений.

Последние годы

В конце жизни Альбрехт много писал, оставив за собой множество глубоких произведений, в которых прослеживалось знакомство художника с нидерландским искусством. Один из ярких примеров – диптих «Четыре апостола».

По поводу этой картины ходило много разговоров: кто-то видел в сюжете картины лишь изображения разных типов темпераментов, другие – реакцию художника на религиозные споры в обществе, а некоторые даже идею несоовподения реальности с гуманистической утопией.

Одной из последних картин Альбрехта Дюрера стал автопортрет, на котором он указывает в область селезенки. В Нидерландах Дюрер подхватил неизвестную болезнь, от приступов которой он мучился до самой смерти. Скончался великий художник 6 апреля 1528 года у себя на родине.

Шедевры

Альбрехт Дюрер – признанный гений графики, живописи и гравюры. Графическое наследие Дюрера считается одним из крупнейших по объемам в истории искусства наряду с Да Винчи и другими великими мастерами.

В живописи Дюрер возвел на новый уровень искусство портрета, и особенно автопортрета.

Он создал не менее 300 ксилогравюр и больше 80 гравюр на меди: печатная графика стала для художника основным средством заработка.

Настоящим шедевром считается серия ксилографий «Апокалипсис» — воплощение религиозных переживаний народа в конце столетия. Произведение прекрасно совмещает в себе позднеготический художественный язык и стиль итальянского Возрождения.

Особенно примечательна картина Альбрехта Дюрера «Меланхолия» — медная гравюра, которая считается самым таинственным произведением мастера. Сюжет картины полон неоднозначных аллегорий и ярких символов. Внимание на изображении привлекает крылатый Гений, склонившийся над раскрытой книгой. На поясе ангела можно заметить несколько кошельков.

Немного выше изображен Путто, олицетворяющий ангельский дух. Вокруг также размещены разнообразные предметы: гвозди, пилы, щипцы, молоток, линейка с рубанком. У ног крылатого существа дремлет собака. Стены помещения украшены часами и весами, а также можно заметить колокол и квадрат, полный разными числами. К стене приставлена лестница, а позади виднеется радуга.

Смысл изображения до сих пор представляет интерес для исследователей искусства.

Одна из известнейших работ – картина Альбрехта Дюрера «Руки молящегося». Это не просто эскиз рук: на картине Дюрер изобразил ладони своего брата, благодаря котором теперь имя художника известно на весь мир. Когда-то братья договорились быть художниками по очереди: один из них должен был заниматься тяжелой работой, чтобы у второго была возможность творить.

Тружеником стал брат, и, когда настало время обратно меняться местами, руки брата столь огрубели, что он уже не имел возможности стать художником. Именно его молящиеся руки изобразил Альбрехт на своей картине. Картина демонстрирует великолепный пример выразительности при минимуме средств.

Эта работа является одной из самых узнаваемых не только среди работ автора, но и в общемировом изобразительном искусстве.

Еще одна знаковая работа художника – «Автопортрет в образе Христа». Новаторство этого портрета состоит в изображение себя в анфас на светском портрете: до этого момента фигуры изображались в профиль или полупрофиль.

Сравнив себя с Иисусом, художник преподносит себя как представителя нового времени, возводя себя на пьедестал творца.

По воспоминаниям современников, Дюрер признавался, что желал увековечить свое имя и юное лицо, поставив себе своеобразный памятник при жизни.

Современные исследователи называют Дюрера северным Леонардо да Винчи, и не зря: этот человек привнес огромный вклад в развитие изобразительного искусства. Его новаторские приемы в ксилографии и живописи приблизили эти направления искусства к новому витку развития.

Многие исследователи сходятся во мнении, что в настоящее время невозможно определить, насколько большое влияние оказал Альбрехт Дюрер на развитие изобразительного искусства и было бы оно сейчас таким, какое оно есть, не будь имени этого человека в истории мирового искусства.

Источник: https://www.syl.ru/article/381252/albreht-dyurer-kartinyi-hudojnika-s-nazvaniyami-i-opisaniem

Старые мастера. Альбрехт Дюрер

Альбрехт Дюрер (1471-1528) родился в городе Нюрнберг в семье ювелира Альбрехта Дюрера Старшего.
Основы ювелирного дела и рисования изучал под руководством отца. Об успехах мальчика свидетельствует «Автопортрет», написанный в возрасте 15 лет.

A self-portrai (Автопортрет, 1486).Albertina

В 1486 г. Альбрехт стал учеником известного живописца и гравера Михаэля Вольгемута.С 1490 г. по 1494 г. Дюрер побывал во многих городах Германии, Швейцарии, совершенствуя свое мастерство живописца и графика.В 1493 г. художником была написана картина «Автопортрет с чертополохом» (Portrait of the Artist Holding a Thistle), считающаяся одним из шедевров живописи.

 Portrait of the Artist Holding a Thistle (Автопортрет с чертополохом, 1493). Musee du Louvre

Стремлению найти идеальные пропорции в изображении человека, вероятно, способствовало знакомство с венецианским живописцем и графиком Якопо де Барбари, который считал, что идеальное изображение человека можно создать с помощью геометрических вычислений.

Результатом творческих поисков Дюрера стала знаменитая гравюра на меди «Адам и Ева», созданная в 1504 г.
В 1506 г.

в Венеции Дюрер завершил работу над одной из самых своих значительных работ – алтарь «Праздник венков из роз» (Праздник чёток) для погребальной часовни в церкви Святого Варфоломея в Германии.

 Feast of the Rose Garlands (Праздник чёток или Праздник венков из роз, 1506). Narodni Galerie-Prague

После 1521 г. здоровье Дюрера стало ухудшаться. Хотя он и продолжал писать портреты, но, в основном, посвятил себя работе над теоретическими и научными трудами.
Умер Албрехт Дюрер 6 апреля 1528 г.

 Saint Jerome (Святой Иероним, ок.1496). The National Gallery-London

 Courtyard of the Innsbruck castle (Внутренний двор замка Инсбрук, 1496-1497). Albertina

 Portrait of a Young Girl with Loose Hair (Девушка с распущенными волосами, 1497). Stadelsches Kunstinstitut und Stadtische Galerie

 Self-portrait (Автопортрет, 149). Museo Nacional del Prado

Mary with the Child (Мадонна с младенцем, 1503). Kunsthistorisches Museum

Portrait of a Young Venetian Ladyl (Портрет молодой венецианки, 1506). Berliner Gemaldegalerie

 Salvator Mundi (Сальватор Мунди, 1503-1505). Metropolitan Museum of Art

Virgin and Child with Half a Pear (Мадонна с грушей, 1512). Kunsthistorisches Museum

 Portrait of a Man (Портрет мужчины, 1521). Museo Nacional del Prado

Hieronymus Holzschuher (Портрет Иеронима Хольцшуера, 1526). Berliner Gemaldegalerie

The Seven Sorrows of Mary. Nailing of Christ to the Cross (Семь скорбей Марии, Прибивание Христа к кресту). Gemaldegalerie Alte Meister-Drezden

Творчество Альбрехта Дюрера

Источник: https://subscribe.ru/group/mir-iskusstva-tvorchestva-i-krasotyi/13800828

Лекция по истории искусства в Москве, Альбрехт Дюрер — Северный Леонардо да Винчи

Не пропустите уникальную лекцию про Альбрехта Дюрера – одного из самых знаменитых художников Северного Ренессанса, которого нередко называли «северным Леонардо да Винчи», художником-ученым, что было типично для Италии, но еще внове для средневековой Германии.   Получив художественное образование, он интересовался также  архитектурой и теорией фортификации, изучал математику, знал древние языки, писал стихи.

Будучи сыном ювелира, Дюрер детально познакомился с техникой гравировки по меди, которую использовали обычно ювелиры, и применил ее для ксилографии, что было новаторством для того времени.

Он первым поднял гравюру на ту высоту, чтобы ее сравнивали с живописью и восхищались ею. В 1498 году он делает 15 гравюр к «Апокалипсису», и это приносит ему европейскую известность.

В ходе лекции вы познакомитесь с гравюрами Дюрера, это уникальные шедевры, которые невозможно пропустить! 

После появления  картины «Праздник венков из роз» в 1506 г. большинство признают его талант живописца. Во время написания этой картины в Венеции, где художник путешествовал в то время,  работали такие знаменитые мастера эпохи Возрождения, как Тициан, Джорджоне, Пальма Веккио и другие.

Но «наилучшим в живописи» (pest in gemell) Дюрер считал не их, а Джованни Беллини, картины которого произвели на него впечатление невероятной силой и глубиной колорита. Впоследствии сам Дюрер стал известен как мастер непередаваемой интенсивности красок, превосходный колорист.

Об этом свидетельствует, например, его «Портрет молодого человека» (1521 г.)

Дюрер глубоко сочувствовал Реформации, собирался писать портрет Мартина Лютера, и считал, что Лютер гораздо доступнее излагает святое Евангелие, чем католическая церковь.

В начале 1525 года три ученика Дюрера — братья Ганс Себальд и Бартель Бехамы и Георг Пенц — были обвинены в безбожии и изгнаны из Нюрнберга. Подобная рациональность не приветствовалась церковью.

А в картинах Дюрера некоторые стали усматривать скрытый протестантизм – об этом вы тоже узнаете на лекции.

Дюрер считал, что в искусстве недостаточно полагаться только на зрительные образы и интуицию, необходимо использовать знание математики, антропометрии и законов перспективы и композиции.

Именно это и отличает работы мастера первого десятилетия XVI века, однако затем он отказывается от геометрических схем в композиции и пишет свои знаменитые работы «Меланхолия», «Рыцарь, смерть и дьявол» и «Святой Иероним» со страстью и убедительностью, присущими его раннему творчеству.

Приходите на лекцию, и узнаете великого живописца с разных, неизвестных Вам доселе сторон!!

 

Преподаватель

Историк искусства, лектор, экскурсовод, писатель, участник Musea Brugge Research School и проекта Iconclass-Russia, член Ассоциации искусствоведов, работает в Государственном музее изобразительных искусств им. А.С. Пушкина

Выпускница Российского Государственного Гуманитарного Университета (факультет истории искусств)

В 2014 году вместе с коллегами создала просветительский проект «Арт-Депо»

Итальянский Ренессанс и арс нова (северное Возрождение) привлекают меня совершенством линий и удивительной палитрой, нюансами религиозных и мифологических сюжетов и гармонией, которая отчетливо видна в Гентском алтаре братьев ван Эйк и Урбинском диптихе Пьеро делла Франческо.

В то же время искусство XIX века, особенно второй половины, тоже завораживает меня – и быстрой сменой направлений – от импрессионизма до символизма, и энергией революции, которую совершает каждый новый мастер – от Мане до Гогена и Сезанна.

Живопись и архитектура, скульптура и графика полны идей и мастерства, которые очаровывают публику и позволяют находить новые ракурсы восприятия и получать удовольствие от тонкой игры с материалом и зрителем.

подробнее

Источник: http://www.artimex.ru/lecture/lektsiya-durer-geniy-vozrozdeniya

Альбрехт Дюрер доклад

Чем прославился Дюрер, немецкий художник и какие были его основные идеи в творчестве, Вы узнаете из этого доклада.

Страна, где родился Альбрехт Дюрер – это Германия. Он появился на свет в городе Нюрнберг 21 мая 1471 году в семье ювелира. У его родителей было 18 детей, и наш герой был третьим ребенком.

  Отец будущего художника был мастером в своем деле и с раннего детства хотел привить сыну любовь к ювелирному делу. Но у мальчика проявлялись другие таланты – творческие, и отцу пришлось смириться с тем, что Альбрехт не станет ювелиром.

Родители, решив развивать талант мальчика, отдали его на обучение к местному художнику Михаэлю Вольгемуту.

Вольгемут славился не только как хороший художник, но и как мастер гравюры. Поэтому юноша освоил еще и это направление искусства. Свое обучение Дюрер закончил в 1490 году и тогда же написал первую свою картину «Портрет отца».  Последующие 4 года он провел в путешествиях по Европе с целью посмотреть, как же живут люди в других странах, но и посмотреть мир, набраться ярких впечатлений.

Читайте также:  Автопортрет с сэром эндимионом портером, антонис ван дейк

Альбрехт в 1492 году посетил Кольмару, желая встретиться с известным живописцем Мартином Шонгауэром. Но увидеться им не удалось, так как Мартин умер за год до появления юного художника в Кольмаре.

Дальше на пути его был Базель. В 1493 году он посетил Страсбург. Сюда его отец прислал письмо, в котором говорилось о том, что он женил своего сына «заочно».  Браки такого рода были распространены.

Возвратившись домой, художник Альбрехт Дюрер обвенчался 7 июля с Агнессой Фрей, дочерью славного медика. Их брак нельзя было назвать счастливым, хотя бы потому, что он был заключен против их воли. Но, несмотря на это, они прожили в браке до смерти. Дюрер в 1495 году написал портрет своей супруги «моя Агнесса». Детей у пары не было.

Настоящая слава пришла  к нему в 1494 году, когда он возвращается из Италии, где жил Альбрехт Дюрер полгода. Его гравюры разошлись по миру огромным числом копий. В 1505 году художник уезжает обратно в Италию, где его встречали с почестями. Посетив Венецию, Дюрер создал алтарный образ «Праздник четок» специально для церкви Сан-Бартоломео.

Его слава росла, работы художника узнавались и каждый хотел иметь их у себя дома. На родину Альбрехт возвращается в 1507 году. Спустя 2 года покупает себе большой дом. Кстати, его имение сохранилось и до сегодня.

Зимой 1512 года в Нюрнберг приехал Максимилиан I — император Священной Римской империи. Дюрер успел к этому времени увековечить в портрете двух его предшественников на троне. Максимилиану понравились работы автора, и он заказал художнику свой портрет.

Но расплатиться за работу император не смог, поэтому назначил ему ежегодную солидную премию из нюрнбергской казны. В 1519 году Максимилиан умирает и художнику перестали выплачивать премию. И что сделал Альбрехт Дюрер? Он поехал в 1920 году к новому императору Карлу V, чтобы восстановить ежегодные выплаты. И это ему удалось.

  На обратном пути художник заболевает малярией и 6 апреля1528 года умирает.

Альбрехт Дюрер основные идеи

Художник заложил основы нового этапа в развитии искусства Германии. В своих работах он стремился к гармоничной идеальной красоте мира,  рациональным законам природы.

Дюрер на полотнах создавал типические, глубоко национальные образы, полны внутренней силы, раздумья и волевой энергии. Его творчество поражает контрастами.

На картинах уживаются привязанность к деталям и тяга к монументальному, чувство и рассудочность.

Альбрехт Дюрер известные картины: «Апостолы Иаков и Филипп», « Автопортрет Старуха с мешочком монет», « Мученичество десяти тысяч христиан», « Ева», «Мадонна с грушей», «Автопортрет с остролистом», «Праздник венков из роз», «Портрет отца Геракл и cтимфалийские птицы»,  «Мужской портрет», «Отец художника», «Спаситель Мира», «Автопортрет в перчатках»,  «Адам», «Самоубийство Лукреции»,  «Кормящая Мадонна», « Дрезденский алтарь», «Святой Иероним».

Надеемся, что доклад на тему «Альбрехт Дюрер» помог Вам подготовиться к занятиям. А сообщение о Альбрехт Дюрер Вы можете оставить через форму комментариев ниже.

Источник: https://kratkoe.com/albreht-dyurer-doklad/

Дюрер — гений Возрождения | Журнал Neue Zeiten

Автор: Илья Дубинский

В номере: 01 (151) январь 2014

Спешите видеть! Второго февраля закрывается выставка гениального художника Возрождения Альбрехта Дюрера (Albrecht Duerer). Около 200 его работ экспонируются на двух этажах музея изобразительных искусств имени Штеделя во Франкфурте. Представлены также иллюстрированные Дюрером книги.

Обширные коллекции Штеделя дополнили экспонаты, полученные из музеев Германии – Берлина, Нюрнберга, Касселя, Кёльна и других, а также из зарубежных галерей — Парижа, Лондона, Вашингтона, Вены, Мадрида, Флоренции, Амстердама, Лиссабона… На выставке «Дюрер.

Искусство — Художник – Контекст» представлены также работы современников и предшественников немецкого гения.

Добавлю, что открыта выставка ежедневно, кроме понедельника. Часы работы: вторник, среда, суббота, воскресенье – с 10 до 19 часов; четверг, пятница с 10 до 21 часа.

Стоимость билетов – 12 евро, льготных – 10 евро. В выходные и праздничные дни соответственно 14 и 12 евро. Запись на экскурсии по телефону: 069/ 605098-20. Более подробная информация в интернете: www.

duerer-in-frankfurt.de/ausstellung/

Происхождение

Родился Альбрехт Дюрер 21мая 1471 года в Нюрнберге. Один из обозревателей выставки так характеризовал происхождение художника — «гениальный нюрнбергский сын иммигранта». Действительно, его отец приехал в Нюрнберг из Венгрии в середине XV века и звался Альбрехт Айтоши.

Но позже свою венгерскую фамилию (от слова ajto – дверь) буквально перевёл на немецкий – Türer, которая впоследствии преобразилась в Dürer. Впервые историю эту я услышал от венгра перед входом в музей художника в Нюрнберге. Немного скептически её воспринял. А теперь прочитал подтверждение в литературе.

И до сегодняшнего дня иммигрантам знакомы подобные варианты.

Прибыл Альбрехт-старший, что называется, без гроша в кармане, но благодаря способности и усердию стал прекрасным ювелиром (в те поры называлась эта профессия – золотых дел мастер), смог содержать многодетную семью.

Альбрехт-младший, будущий художник, был третьим ребёнком в семье. И он достиг немалого. А точнее, мировой славы, став величайшим художником западноевропейского Возрождения, гордостью Германии.

Для этого потребовались великий талант и незаурядное трудолюбие.

Начало пути

Художественные способности мальчика проявились рано. На выставке в Штеделе можно увидеть его автопортрет, написанный в 13-летнем возрасте! (Выполненный серебряным карандашом рисунок прибыл к нам из Вены, где он хранится в художественной галерее Альбертина).

Отец, хотя и желал бы видеть старшего сына продолжателем своего дела, не стал препятствовать развитию художественных способностей ребёнка и, когда тому исполнилось 15 лет, отдал учиться к ведущему нюрнбергскому художнику Михаэлю Вольгемуту.

У мастера молодой Дюрер познавал не только искусство живописи, но и гравирование по дереву (ксилографию) и меди.

Через четыре года базовое обучение было закончено и 19-летний юноша, по обычаям того времени, отправился в учебное путешествие. В течение четырёх лет Альбрехт посетил ряд городов Германии, Швейцарии, по некоторым предположениям, и Нидерландов, продолжая совершенствоваться в области гравюры и живописи.

Собственная мастерская

В 1494 году А. Дюрер возвращается в родной город. В том же году он женился по совету отца на Агнесе Фрей, девушке из почтенной семьи, в связи с чем стал вхож в лучшие дома города. Статус его повысился, он получил возможность открыть собственную мастерскую.

Но повременил. Через два месяца после женитьбы он едет в Италию, где знакомится с ведущими итальянскими мастерами, изучает основы искусства Ренессанса: перспективу, колорит, учение о пропорциях.

Ещё раз он побывал в Италии через 11 лет, снова посетил Венецию и Падую.

По возвращении из первой итальянской поездки художник открыл в Нюрнберге собственную мастерскую и проработал в родном городе всю жизнь.

Творчество

Дюрер обладал множеством талантов. Писал маслом, делал графические работы карандашом, углем, акварелью, гуашью, увлечённо занимался гравюрой на дереве и меди. Изучал пропорции и перспективу, строительное дело, фортификацию, математику. И практически в каждой области был новатором. Знакомясь с анализом творчества Дюрера, часто встречаешь слова «впервые», «первый».

Пейзажи

Начнём с пейзажной живописи. Так вот, он был первым художником в истории европейского искусства, который стал писать «чистые» пейзажи. Ранее ландшафт в картине играл вспомогательную роль. Например, вид из окна, у которого находился портретируемый или задний план при изображении эпизодов из жизни святых.

Впервые Дюрер написал серию пейзажей, навеянных путешествием в Италию. В дороге он сделал множество зарисовок, а затем в мастерской на их основе создавал продуманные сбалансированные картины, выполненные акварелью сгуашью. В те времена только начинали писать акварелью, и в этой технике Дюрер был первопроходцем.

Его по праву называют родоначальником акварельной живописи в Европе.

Обнажённая натура

И в этой области Дюрер был первым в Германии. Никто до него в стране не писал обнажённые тела. Дюрер же был увлечён изучением пропорций человеческой фигуры.

Потому он пишет в большом количестве этюды рук, голов, торса, делает расчёты с помощью циркуля и линейки. И, наконец, создаёт идеальные образы мужчин и женщин.

К известнейшим работам относятся большой живописный диптих «Адам и Ева» (1507, Прадо, Мадрид), а также одноимённая гравюра на меди.

Многофигурные композиции

Выполнялись они по заказам церкви или богатых меценатов тоже для церкви. Одна из самых больших (161,5х 192 см) и мажорных работ Дюрера, наиболее близкая итальянскому искусству, — это композиция «Праздник чёток», иначе называемая «Праздник венков из роз».

Выполнена она во время пребывания Дюрера в Венеции в 1506 году по заказу немецких купцов для церкви Сан-Бартоломео, располагавшейся рядом с немецким торговым домом.

Позднее (1585) император Рудольф Второй приобрёл эту работу и переправил в Прагу, где она является по сей день украшением Национальной галереи.

Большой заслугой устроителей выставки считают «воссоединение» алтаря Геллера. Триптих был написан Дюрером совместно с великим немецким современником Матиасом Грюневальдом в 1507-1509 годах.

Алтарь был заказан богатым франкфуртским купцом Якобом Геллером для церкви доминиканского монастыря города.

Отдельные части этого произведения хранятся в музеях Франкфурта и Карлсруэ, а на нынешней выставке снова соединены в первозданном виде.

Объединены и две створки знаменитого алтаря Ябаха. Одна хранится в Кёльне, а вторая – в музее Штеделя во Франкфурте.

Рисунок

Живописных работ, выполненных маслом, на выставке в Штеделе представлено 25, а рисунков – 80 и столько же гравюр. Почему такая диспропорция? Да потому что рисунки и гравюры занимают огромное, если не ведущее, место в творчестве художника. В его наследии их насчитывается до 900! Это сопоставимо только с объёмом рисовальных работ Леонардо да Винчи.

Среди рисунков — и самостоятельные сюжеты, и наброски. Эскизы и этюды он делал при разработке сложных композиций, изучении фрагментов картины. Рисунки выполнены в самой разной технике: серебряным штифтом, тростниковым пером, углем. По современной классификации, к графическому жанру относят акварель и гуашь на бумаге, которых тоже немало у Дюрера.

О твёрдости его руки ходили легенды. Например, в присутствии своего учителя Вольгемута он быстрым движением начертил окружность. Затем проверил циркулем линию: совпадение оказалось идеальным.

В зрелые годы графика стала основным видом творчества Дюрера, поскольку он полностью перешёл к гравюре и потому живопись оставил.

Гравюра

И в этой области Дюрер был новатором. Он возвёл гравюру на дереве и меди в ранг самостоятельного, более того, одного из ведущих видов искусства. Дюрер был первым немецким творцом, кто стал работать одновременно в обоих видах гравюры – на дереве и на меди. Он обогатил ксилографию, привнеся методы работы, сложившиеся в гравировке на металле.

Этим он достигал большей выразительности. Притом проявил себя предприимчивым, как сейчас говорят, бизнесменом. Не писал больше трудоёмкие картины, а делал эскизы, по которым его ученики в мастерской изготовляли гравюры. Такой метод требовал от автора меньших временных затрат и при этом приносил больше известности.

Да и с финансовой точки зрения оказался доходнее.

В 26-летнем возрасте великий мастер создал первую крупную серию гравюр на дереве. Это 15 иллюстраций к изданию Апокалипсиса, или Откровений Иоанна Богослова. Апостол предвещал Второе Пришествие Иисуса Христа и Страшный Суд. Тема была на злобу дня. Издан Апокалипсис в 1498 году.

В это время Европу охватили волнения, а с окончанием столетия и вообще ожидали наступления конца света. Гениальное произведение нашло всеобщее признание, Дюрер сразу приобрёл европейскую известность. Надо добавить, что и в этой работе проявилось новаторство автора. Впервые он изобразил библейские персонажи в одеждах своей эпохи.

Так он осовременил канонические образы и снял с них ореол отстранённости.

Экспрессия, философия, уверенное мастерство, сочетание немецкой готики и итальянского Ренессанса этого шедевра до сих пор привлекают знатоков и ценителей искусства. Кроме того, у современников большую известность получили циклы, посвящённые страстям господним — так называемые «Большие страсти» и две серии «Малых страстей».

Важное место в творческом наследии Дюрера отводят трём графическим листам, вошедшим в историю искусства под названием «Мастерские гравюры». Это «Рыцарь, смерть и дьявол», сюжет которой, как полагают, навеян трактатом Эразма Ротердамского «Руководство христианского воина».

Не менее интересны и полны морально-философского смысла «Меланхолия» и «Святой Иероним в келье».

Не только философские сюжеты использовал автор. Изображал бытовые сцены, цветы, растения, животных и т.д. Гравюры пользовались неизменным успехом. Жена Агнеса и мать Барбара продавали их в дни ярмарок в Нюрнберге, а также вывозили в Аугсбург, Лейпциг и Франкфурт-на-Майне. Многие работы выполнялись по предварительным заказам.

Графические работы Дюрера были высоко оценены уже при жизни художника.

В доказательство часто цитируют великого гуманиста Эразма Ротердамского: «Я восхваляю великое мастерство Альбрехта Дюрера – гравера, позволяющее ему без помощи красок, одними штрихами, передать всё доступное человеческому зрению и чувству.

Чего только не изображает он, даже то, что невозможно изобразить: огонь, лучи, гром, зарницы, молнии, пелену тумана, все ощущения, чувства, наконец, всю душу человека, проявляющуюся в телодвижениях… И всё это передаёт он чёрными точнейшими штрихами».

Продолжение в следующем номере.

Источник: http://neuezeiten.rusverlag.de/2014/09/02/1322-2/

Ссылка на основную публикацию