«алжирские женщины в своих покоях», эжен делакруа — описание картины

Самые дорогие картины мира

В середине ноября арт-рынок поставил очередной рекорд. Картину кисти Леонардо да Винчи продали дороже 450 миллионов долларов. Почему искусство стоит так дорого и как устроен этот рынок, рассказали порталу Москва 24 искусствоведы.

1. «Спаситель мира» — $450.300.000 

Леонардо да Винчи, «Спаситель мира». Около 1500 г.

Картину Леонардо да Винчи «Спаситель мира» продали на аукционе Christie's 15 ноября 2017 года за рекордные $450,3 миллиона (премия аукциона — $50 миллионов). В истории картины много неясного. Известно, что она была создана около 1500 года, входила в коллекцию короля Карла II, а затем перешла в собрание незаконного сына герцога Букингемского.

Далее картина на время исчезла из поля зрения коллекционеров и неожиданно объявилась вновь уже в XX столетии, когда ее выставили на торги в 1958 году. В 2005 году полотно появилось еще на одном аукционе и было изучено специалистами. Тот факт, что картина, по всей вероятности, принадлежит кисти самого Леонардо да Винчи, был установлен в 2011 году.

Искусствовед Мария Ревякина: «Мне бы хотелось развести два понятия − искусство и арт-бизнес. Арт-бизнес — явление достаточно молодое, он начал интенсивно развиваться в XX веке. По сути, произведения искусства только тогда и начали стоить так дорого. Они получили инвестиционное значение, чего раньше не было».

XX век характерен появлением ряда финансовых институтов, которые помимо традиционных объектов залога, таких как недвижимость, стали принимать предметы искусства.

2. «Алжирские женщины (Версия О») — $179.400.000 

Пабло Пикассо, «Алжирские женщины (Версия О)». 1955 г.

«Алжирские женщины» — серия из 15 картин и рисунков испанского художника Пабло Пикассо. На создание серии художника вдохновило полотно 1834 года французского живописца Эжена Делакруа «Алжирские женщины в своих покоях». Последняя и самая знаменитая картина серии Пикассо называется «Версия O». В мае 2015 года картина стала самой дорогой в мире на тот момент. Ее продали за $179,4 миллиона.

Мария Ревякина: «Искусство — это способ коммуникации, наличие и многогранность которой во многом определяет уровень развития общества. Произведение искусства отличает от посредственного продукта бизнеса его способность вступать в коммуникацию со зрителем, нести культурно-смысловую нагрузку».

Наши внутренние переживания и состояния имеют тонкие оттенки и полутона, а палитра чувств и эмоций, которую можно выразить вербально, гораздо скуднее той, что нам предлагает, например, живопись. Подобные эмоциональные послания очень хорошо читаются в произведениях абстракционистов, и необязательно быть специалистом, хорошо разбирающимся в искусстве, чтобы воспринимать их.

3. «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда» — $142.400.000 

Фрэнсис Бэкон, «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда». 1969 г.

Триптих Фрэнсиса Бэкона «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда» в ноябре 2013 года продали на торгах аукционного дома Christie's в Нью-Йорке за $142,4 миллиона. Картина была самой дорогой в мире для открытых торгов по май 2015 года.

Старший научный сотрудник Научно-исследовательской независимой экспертизы (НИНЭ) имени П. М. Третьякова Екатерина Пономаренко: «В мире арт-бизнеса оборот картин идет по разным каналам.

Во-первых, через аукционные дом, при этом Sothbey's и Christie's далеко не единственные. Они на слуху, потому что имеют свои представительства во многих крупных мегаполисах разных стран.

Но есть много других уважаемых аукционных домов, которые работают в конкретных регионах».

4. «Крик» — $119.900.000 

Эдвард Мунк, «Крик». 1893 г.

Знаменитую картину норвежского художника Эдварда Мунка «Крик» выставили на торги Sotheby's в Нью-Йорке 2 мая 2012 года. Американский финансист Леон Блюк приобрел полотно за $119,9 миллиона.

Екатерина Пономаренко: «Далеко не все продажи совершаются через аукционные дома. Кто-то не хочет публичности, а кто-то не хочет платить комиссию аукционному дому».

Процент берется за воспроизведение вещи в каталоге, за сопровождение сделки. Что касается «Спасителя мира», то аукционный дом снял про картину целый фильм.

Иногда картины продают, основываясь на личном знакомстве, через антикварные галереи, где есть сложившийся круг коллекционеров.

5. «Обнаженная, зеленые листья и бюст» — $106.400.000 

Пабло Пикассо, «Обнаженная, зеленые листья и бюст». 8 марта 1932 г.

Картину Пабло Пикассо «Обнаженная, зеленые листья и бюст» неизвестный покупатель приобрел за $106,4 миллиона. Торги Christie's прошли в Нью-Йорке в мае 2010 года. На тот момент полотно стало самым дорогим произведением искусства, когда-либо проданным с аукциона. На картине изображена возлюбленная художника — Мари-Терез Вальтер.

Екатерина Пономаренко: «В мире искусства подделывают абсолютно всех авторов, не взирая на громкость имени. Распространены подделки, когда на неподписанной картине ставится подпись известного художника. После картину выдают за ранний период творчества, который мало знаком специалистам».

Таких подделок тем больше, чем ближе к XX веку. Левитан должен был сперва стать известным, его картины должны были поступить во все музеи, и только тогда его картины начинали копировать.

В XX веке, когда появляются первые громкие выставки, тут же возникает круг художников, который работает под впечатлением в близком стиле. Это происходило с каждым известным.

И у Пикассо были подражатели, и у Мунка были те, кого он вдохновил.

6. «Авария серебристой машины (Двойная катастрофа)» — $105.400.000 

Энди Уорхол, «Авария серебристой машины (Двойная катастрофа)». 1963 г.

Картину «Авария серебристой машины (Двойная катастрофа)» известного представителя современного искусства в жанре поп-арт Энди Уорхола продали в ноябре 2013 года за $105,4 миллиона в ходе торгов на аукционе Sotheby's в Нью-Йорке.

Мария Ревякина: «Сложно говорить о стоимости так называемых вечных ценностей. Насколько мне известно, страховая стоимость «Моны Лиза» − самая большая в мире искусства.

В 1962 году страховку на картину оценили в $100 миллионов. По нынешнему курсу страховка превышает $700 миллионов.

Опираясь на эту сумму, можно лишь предположить приблизительную стоимость картины, если бы она была выставлена на торги».

7. «Мальчик с трубкой» — $104.200.000 

Пабло Пикассо, «Мальчик с трубкой». 1905 г.

Картина Пабло Пикассо «Мальчик с трубкой» ушла с молотка 4 мая 2004 года на торгах Sotheby's в Нью-Йорке за $104,2 миллиона.

Полотно побило державшийся 15 лет рекорд «Портрета доктора Гаше» кисти Ван Гога. Рекорд «Мальчика с трубкой» продержался шесть лет — до мая 2010 года.

Картина, которую 24-летний Пикассо написал в общежитии на Монмартре, относится к розовому периоду творчества художника.

Мария Ревякина: «Если мы говорим о ценообразовании в арт-бизнесе, то монетарная стоимость произведений искусства, особенно признанных мастеров, определяется авторством».

То есть первостепенное значение имеют бренды. Ими могут стать как отдельные авторы, так и целые направления в искусстве. Например, русские абстракционисты или французские импрессионисты — это тоже бренды.

8. «Дора Маар с кошкой» — $95.200.000 

Пабло Пикассо, «Дора Маар с кошкой». 1941 г.

В десятке самых дорогих картин мира − сразу три полотна Пабло Пикассо. Его картину «Дора Маар с кошкой» 3 мая 2006 года продали на аукционе Sotheby's в Нью-Йорке за $95,2 миллиона. На холсте изображена Дора Маар — еще одна возлюбленная художника.

Мария Ревякина: «Для признания авторства чрезвычайно важна прозрачная история владения картиной, подтвержденная документально.

Если произведение искусства, о котором раньше не слышали, которое считалось утраченным или работой другого автора, вдруг появляется на арт-рынке, то необходима его легитимизация. А это уже вопрос договоренностей.

Как правило, после экспертизы такую работу выставляют на престижных выставках, после чего уже продают на аукционе, что является дополнительной легитимизацией».

Большинство специалистов из мира арт-бизнеса подтвердили авторство Леонардо картины «Спаситель мира», в то время как в мире искусства продолжаются споры. Эксперт Карло Педретти, посвятивший изучению творчества да Винчи всю жизнь, отказался подтвердить его авторство.

9. «Портрет Адели Блох-Бауэр II» — $87.900.000 

Густав Климт, «Портрет Адели Блох-Бауэр II». 1912 г.

Картину австрийского художника Густава Климта «Портрет Адель Блох-Бауэр II» продали на торгах Christie's в Нью-Йорке в ноябре 2006 года за $87,9 миллиона. Покупатель сохранил инкогнито.

Мария Ревякина: «Работы не всех периодов в жизни одного и того же автора стоят одинаково. Если какая-то работа слишком отличается от преобладающего в творчестве художника стиля, у нее есть особенности, то это, скорее всего, повлияет на цену».

У Пикассо были «цветные» периоды, и произведения «розового» периода характеризует более радостное настроение. Например, краски и манера письма, характерные для раннего, так называемого голландского, периода Ван Гога, сильно отличаются от цветовой палитры и характерных мазков, присущих его последующему творчеству.

10. «Оранжевое, красное, желтое» — $86.700.000

Марк Ротко, «Оранжевое, красное, желтое». 1961 г.

На аукционе Christie's в мае 2012 года за рекордные на тот момент $86,9 миллиона продали картину «Оранжевое, красное, желтое» американского художника Марка Ротко. Сын эмигрантов, родившийся в Российской империи в 1903 году, Ротко — виднейший представитель абстрактного экспрессионизма. Он прославился картинами, состоящими из нескольких цветовых сегментов.

Екатерина Пономаренко: «О продажах в частном порядке нет точных сведений. Поэтому нельзя сказать, что какое-то полотно в частных руках «перебило» публичный рекорд. В целом порядок цен будет таким же. Может быть, чуть дешевле за счет того, что отсутствует состязательный момент торгов».

В любом случае, когда пытаются сориентироваться, сколько стоит произведение, проверяют по закрепленным за ним продажам по аукционам.

Источник: https://weekend.rambler.ru/places/38519951-samye-dorogie-kartiny-mira/

Эжен Делакруа

Эжен Делакруа – французский художник-романтик начала 19 века.

Будучи живописцем и монументалистом, он использовал экспрессивную технику кисти, изучал оптические эффекты цвета, оказывая глубокое влияние на творчество импрессионистов, а его страсть к экзотике вдохновляла художников-символистов.

Прекрасный литограф, Делакруа иллюстрировал различные произведения Уильяма Шекспира, Вальтера Скотта и Иоганна Вольфганга фон Гете. Основное собрание картин живописца сейчас находится в Лувре.

Детство и юность

Фердинан Виктор Эжен Делакруа родился 26 апреля 1798 года в пригороде Парижа – Шарантон-Сен-Морис региона Иль-де-Франс. Его мать Виктория была дочерью краснодеревщика Жана-Франсуа Робина.

У него было трое старших братьев и сестер. Карл-Анри Делакруа дослужился до генерала в наполеоновской армии. Генриетта вышла замуж за дипломата Раймонда де Вернинака Сен-Мора.

Анри был убит в битве при Фридланде 14 июня 1807-го.

Портрет Эжена Делакруа

Есть основания полагать, что отец Шарль-Франсуа Делакруа не был истинным предком будущего художника.

Шарль Талейран, министр иностранных дел Франции при Наполеоне, который был другом семьи и которого взрослый Эжен напоминал по внешнему виду и характеру, считал себя его настоящим родителем.

Шарль Делакруа умер в 1805 году, а Виктория — в 1814-м, оставив 16-летнего сына сиротой.

Азы образования мальчик получил в лицее Людовика Великого в Париже, а затем в лицее Пьера Корнеля в Руане, там он проявил склонности к литературе и живописи, получал награды в этих областях.

Министр Шарль Талейран, возможный отец Эжена Делакруа

В 1815 году, после кончины матери, Эжена взяла на воспитание небогатая семья родственников. Делакруа решил посвятить себя живописи и поступил учеником в мастерскую Пьера-Нарцисса Герена, а затем в 1816 году в Школу изящных искусств.

Ученики много писали с натуры, совершенствуя технику рисунка, посещали музеи, чаще всего Лувр. Там юный художник познакомился с Теодором Жерико, талантливым начинающим живописцем, повлиявшим на его творчество. Работы именитых мастеров восхищали Эжена, он был очарован полотнами Гойи, Рубенса и Тициана.

Живопись

Первую крупную картину Делакруа «Ладья Данте», написанную под влиянием «Плота Медузы» Жерико, общество не оценило, но при содействии Талейрана она была куплена государством для люксембургских галерей.

Картина Эжена Делакруа «Ладья Данте»

Успех пришел к художнику после демонстрации в салоне «Резни на Хиосе» в 1824 году. На картине представлена жуткая сцена гибели греческого народа в войне за независимость, поддерживаемой английским, русским и французским правительствами. Делакруа был быстро признан властями ведущим живописцем в новом романтическом стиле, а картину выкупило государство.

Его изображение страданий было спорным. Многие критики выражали сожаление по поводу отчаянного тона картины, художник Антуан-Жан Грос называл ее «резня искусства». Пафос в изображении младенца, сжимающего грудь мертвой матери, имел особенно мощный эффект, хотя критики осудили эту деталь как непригодную для искусства.

Картина Эжена Делакруа «Резня на Хиосе»

Вскоре Делакруа создал вторую картину на тему греко-турецкой войны – захвата города Миссолонги турецкими войсками. «Греция на развалинах Миссолонги» отличалась сдержанностью палитры.

Художник изобразил женщину в греческом костюме с обнаженной грудью, руки, наполовину поднятые в умоляющем жесте перед ужасной сценой: самоубийство греков, которые решили погибнуть и уничтожить свой город, но не сдаться туркам.

Картина послужила памятником народу Миссолонги и идее свободы, борьбы против тиранического правления. Художник обратился к этим событиям не только из-за его симпатий к эллинам, но и потому, что в это время в Греции умер поэт Джордж Гордон Байрон, которым Делакруа искренне восхищался.

Картина Эжена Делакруа «Греция на развалинах Миссолонги»

Поездка в Англию в 1825 году, встреча с молодыми художниками Томасом Лоуренсом и Ричардом Бонингтоном, цвет и манера письма английской живописи дали толчок для написания произведений разных жанров в духе романтизма.

Это направление в искусстве, для которого характерны изображение сильных характеров и страстей, одухотворенных личностей и целительной природы, интересовало Эжена более 30 лет. Кроме того, он выпускал литографии, иллюстрирующие Шекспира и Фауста Гете. По возвращении на родину были написаны «Поединок Гяура с Хасаном» и «Женщина с попугаем».

Картина Эжена Делакруа «Поединок Гяура с Хасаном»

В 1828 году в Салоне выставили картину Делакруа «Смерть Сарданапала». Художник изобразил осажденного короля, безучастно наблюдающего, как стражи выполняют его приказы убивать слуг, наложниц и животных. Литературным источником работы послужила пьеса Байрона. Критики назвали картину ужасной фантазией о смерти и похоти.

Особенно их поразила борьба обнаженной женщины, чье горло вот-вот будет перерезано, расположенная на переднем плане для максимального воздействия. Чувственная красота и экзотические цвета композиции сделали картину одновременно приятной и шокирующей.

Картина Эжена Делакруа «Смерть Сарданапала»

Пожалуй, самое известное произведение Делакруа появилось в 1830 году. «Свобода, ведущая народ» — полотно, ознаменовавшее переход от романтического стиля к неоклассическому.

Художник чувствовал композицию в целом, одновременно думал о каждой фигуре в толпе как о типе. Мертвые воины, лежащие на переднем плане, остро подчеркивали символическую женскую фигуру со знаменем триколора, олицетворяющего свободу, равенство и братство, торжественно освещенную, словно в свете прожекторов.

Картина Эжена Делакруа «Свобода, ведущая народ»

Вместо того чтобы прославлять фактическое событие, революцию 1830 года, Делакруа хотел передать волю и характер народа, вызвать романтический образ духа свободы. Интересен факт, что мальчик, держащий пистолет справа, иногда считается вдохновением для персонажа Гавроша в романе Виктора Гюго «Отверженные».

Хотя французское правительство купило картину, чиновники сочли ее опасной и убрали из поля зрения общественности. Тем не менее, художник по-прежнему получал много государственных заказов на фрески и потолочные росписи. После революции 1848 года, которая привела к концу правления короля Луи Филиппа, «Свобода, ведущая народ», была, наконец, выставлена на обозрение Наполеоном III в Лувре.

Фрески Эжена Делакруа

Читайте также:  Эгон шиле: биография и картины с названиями

В 1832 году Делакруа отправился в Марокко в составе дипломатической миссии. Он хотел вырваться из цивилизации Парижа в надежде увидеть более примитивную культуру. Во время поездки живописец создал более 100 картин и рисунков, сцен из жизни народов Северной Африки. Делакруа считал, что жители этого региона в своем одеянии подобны людям классического Рима и Греции:

Художнику удалось тайно нарисовать некоторых восточных женщин («Алжирские женщины в своих покоях»), но он столкнулся с трудностями в поиске мусульманских натурщиц.

Находясь в Танжере, Делакруа сделал много набросков людей и города, животных.

На их основе в конце жизни живописец создал картины «Арабские лошади, дерущиеся в конюшне», «Охота на львов в Марокко» (несколько версий, написанных между 1856 и 1861 годами), «Марокканец, седлающий коня».

Картина Эжена Делакруа «Охота на львов в Марокко»

Делакруа черпал вдохновение из многих источников: литературные произведения Уильяма Шекспира и лорда Байрона, мастерство Рубенса и Микеланджело.

Но от начала и до конца своей жизни он нуждался в музыке. От печальных зарисовок Шопена или «пасторальных» пьес Бетховена художник получал больше всего эмоций.

В какой-то момент своей жизни Делакруа подружился с Шопеном и написал портреты композитора и его избранницы, писательницы Жорж Санд.

В течение жизни живописец создал несколько картин на библейские сюжеты: «Распятие», «Кающаяся грешница», «Христос на Генисаретском озере», «Иисус на кресте».

Картина Эжена Делакруа «Кающаяся грешница»

С 1833 года художник получил заказы на оформление общественных зданий в Париже. В течение 10 лет он писал картины в библиотеке во Дворце Бурбонов и Люксембургском дворце.

В 1843-м Делакруа украсил церковь Святого Причастия большой Пьетой, а с 1848 по 1850 годы расписывал потолок в галерее Аполлона в Лувре.

С 1857-го по 1861-й он работал над фресками часовни ангелов в церкви Сен-Сюльпис в Париже.

Личная жизнь

По официальной информации, Делакруа не был женат. Однако он был страстно влюблен в Жюльетту де Лавалетт, жену Тони де Форже, родственницу императрицы Жозефины.

Жюльетта де Лавалетт

Когда началась эта связь, неизвестно, сохранилось письмо Эжена к возлюбленной, датированное 23 ноября 1833 года. В это время Жюльетта рассталась с супругом и жила с матерью в Париже. Их роман вскоре перерос в нежные дружеские отношения, длившиеся до смерти художника.

Во время работы во дворце Бурбонов Делакруа начал длительную дружбу с художницей Мари-Элизабет Блаво-Буланже, подробности их отношений – белое пятно в биографии обоих.

Мари-Элизабет Блаво-Буланже

Одной из причин безбрачия живописца исследователи считают тот факт, что он не любил детей. Для него ребенок был воплощением грязных рук, портящих холсты, шума, отвлекающего от работы.

Делакруа жил в Париже, а с 1844 года приобрел небольшой коттедж на севере Франции, где любил отдыхать в сельской местности. С 1834 года до самой смерти о нем добросовестно заботилась его домработница Жанна-Мари Ле Гийю, которая ревностно охраняла его личную жизнь.

Смерть

Утомительная работа над фресками подорвала здоровье Делакруа. Зимой 1862-1863 годов он страдал от тяжелой инфекции горла, ставшей причиной смерти.

1 июня 1863 года он обратился к своему врачу в Париже. Через 2 недели ему стало лучше, и он вернулся в свой дом за городом. Но к 15 июля состояние ухудшилось, а приглашенный доктор сказал, что больше ничего не может для него сделать. К тому времени единственной пищей, которую ел художник, были фрукты.

Могила Эжена Делакруа

Делакруа понял серьезность своего состояния и написал завещание, каждому из друзей предназначался подарок. Доверенной домработнице, Дженни Ле Гийю, он оставил достаточно денег, чтобы жить. Затем приказал продать все в своей студии. Последней волей Эжена был запрет на любое его изображение,

13 августа 1863 года художник скончался в Париже, в доме, где в настоящее время находится его музей. Могила Делакруа расположена на кладбище Пер-Лашез.

Картины

  • 1822 — «Ладья Данте»
  • 1824 – «Резня на Хиосе»
  • 1826 – «Греция на развалинах Миссолонги»
  • 1827 – «Смерть Сарданапала»
  • 1830 – «Свобода, ведущая народ» («Свобода на баррикадах»)
  • 1832 – «Автопртрет»
  • 1834 – «Алжирские женщины в своих покоях»
  • 1835 – «Поединок Гяура с Хасаном»
  • 1838 – «Портрет Фридерика Шопена»
  • 1847 – «Похищение Ребекки»
  • 1853 – «Христос на кресте»
  • 1860 – «Драка арабских лошадей в конюшне»

Фото

Источник: https://24smi.org/celebrity/69613-ezhen-delakrua.html

Эжен Делакруа Алжирские женщины: Описание произведения

В 2008 году в Лувре в одном зале собрали всех знаменитых «Алжирских женщин» в изобразительном искусстве. Всего одна картина на этой выставке принадлежала Делакруа, а весь остальной гарем принадлежал Пабло Пикассо. В течение двух лет Пикассо создал 15 вариаций этого мотива и десятки эскизов и набросков.

В одном из интервью он сказал: «Если бы Делакруа увидел мои работы, я бы ему сказал вот что: вы писали, имея в виду Рубенса, но сделали как Делакруа. А я писал, имея в виду вас, но тоже сделал нечто свое».

Когда корабль французской дипломатической миссии, в составе которой был и Делакруа, отплывал в Марокко, у художника уже определенно сформировался свой взгляд на искусство.

Но до сих пор по части цвета и контрастных сочетаний лучше Рубенса он ничего не встречал и не признавал. А в Марокко и Алжире он увидел все эти цвета и рефлексы вживую, увидел насыщенный свет и прозрачные тени, увидел ослепительный, роскошный, величественный Восток, о котором фантазировал в «Смерти Сарданапала».

В жизни Делакруа, не особо богатой на судьбоносные события, поездка на Восток оказалась не только живописным, но философским прозрением.

По сравнению с динамичными и даже надрывными композициями предыдущих полотен Делакруа, «Алжирские женщины» — само спокойствие и нега. Как будто время в этом измерении движется медленно или счет ему никто просто не ведет. Здесь нет ни сюжета, ни действия, ни истории, ни символа. Чистая живопись.

Покидая Марокко и прибывая в Алжир, Делакруа тосковал только об одном: что не смог поближе увидеть местных женщин. Оказалось, что в Алжире все немного проще. Бывший капитан алжирского флота провел Эжена прямо в свой гарем – любуйся.

В низкой, душной, пропахшей сладким кальянным дымом и чаем комнате полулежали три женщины. Они проводили здесь целые дни, они были частью этой комнаты.

Что успевал – зарисовывал акварелью, иногда акварели не хватало и он делал пометки в блокноте: «нежно-голубой, зеленый, золотисто-желтый» — это про платок, «сиреневато-фиолетовые рукава, сиреневато-фиолетовое на плечах, на груди полосы фиолетовые, нежные» — это про рубашку.

«Алжирские женщины» — алогичный, необъяснимый, волшебный магнит. Вольную копию с нее делал Огюст Ренуар (только по этой копии современники и могут судить сейчас о подлинной яркости красок у Делакруа, потому что его картина сохранилась плохо и потемнела), а потом написал по ее мотивам свою «Одалиску».

Для Синьяка эта картина стала откровением «оптического смешения наиболее удаленных компонентов». О Пикассо все и так понятно – 15 картин, эротичных и прямолинейных, повторяющих основные линии композиции первоисточника, одна из которых стала самой дорогой картиной в мире и ушла с молотка за 180 млн.

долларов.

Спустя много лет Делакруа напишет о своих восточных каникулах: «Я жил там в двадцать раз интенсивнее, чем в Париже».

Источник: https://artchive.ru/artists/232~Ezhen_Delakrua/works/12452~Alzhirskie_zhenschiny

Известные картины Эжена Делакруа

Краткая биография

Эжен Делакруа (1798, Сэн-Морис-Шарантон под Парижем – 1863, Париж) один из крупнейших художников XIX столетия. С 1815 посещал ателье Пьера Герена, а также Школу изящных искусств в Париже. На него оказали большое влияние произведения Франсиско Гойи, Питера Пауля Рубенса и Паоло Веронезе.

Позднее его увлек светлый, свежий колорит полотен Джона Констебла. Делакруа даже ездил в 1825 в Англию, чтобы ближе познакомиться с его творениями. Вторую зарубежную поездку, определившую его творческую судьбу, совершил в 1832 в Северную Африку и Южную Испанию.

Делакруа, с 1857 член Академии художеств, был основоположником живописи французского романтизма. Он отошел от «официального» классицизма к особому принципу построения композиции на основе исключительно светлых тонов.

Его утверждение, что «цвет должен прежде всего передавать свет, а тень — это его цветное отражение», имело особое значение для импрессионистов.

Картины

Резня на Хиосе, 1824. Холст, масло, 417*354 см. Лувр, Париж.
Во время греческого освободительного восстания в 1822 турками были зверски вырезаны тысячи жителей острова. На переднем плане картины пленные греки прощаются друг с другом перед смертью, вдали видны горы трупов. Делакруа зримо передает образы жизни и смерти, широко используя контрасты.

Произведение, написанное для академической выставки, было встречено критиками в штыки и названо «резней живописи». После знакомства с работами Джона Констебла художник переписал эту картину в светлых тонах и более живой манере. Сидящая натурщица, около 1822. Холст, масло, 81*65 см Лувр, Париж.

Портрет одной из любимых натурщиц художника свидетельствует о предпочтении, отдаваемом Делакруа классическому искусству, которое наложило неизгладимый отпечаток на ранние и некоторые зрелые произведения художника.

Строгая композиция, пластичное изображение обнаженной фигуры, а также колорит напоминают стиль Жака Луи Давида, с которым Делакруа познакомил ученик мэтра Пьер Герен. Резня на Хиосе, 1824. Холст, масло, 417*354 см. Лувр, Париж.
Во время греческого освободительного восстания в 1822 турками были зверски вырезаны тысячи жителей острова.

На переднем плане картины пленные греки прощаются друг с другом перед смертью, вдали видны горы трупов. Делакруа зримо передает образы жизни и смерти, широко используя контрасты. Произведение, написанное для академической выставки, было встречено критиками в штыки и названо «резней живописи».

После знакомства с работами Джона Констебла художник переписал эту картину в светлых тонах и более живой манере. Портрет Фридерика Шопена, 1838. Холст, масло, 45*38 см Лувр, Париж
На известнейшем портрете Делакруа изображен польский пианист и композитор Фридерик Шопен (1810– 1849).

Первоначально был создан двойной портрет — Шопена и его спутницы жизни, писательницы Жорж Санд (1804-1876), но в 1873 он был разделен. Вторая половина находится в Копенгагене. Делакруа создал множество набросков, документально свидетельствующих о постепенной кристаллизации уточнении характерных черт друзей — служителей муз. Автопортрет, около 1832.

Холст, масло, 66*54 см Уффици, Флоренция.
Делакруа изобразил себя в позе, полной достоинства. Но выражение лица выдает несоответствие внутреннего Я художника его творческим изысканиям. В завещании он написал, что картина далека от завершения.

Однако нервозность и неуверенность образа обусловлены отнюдь не этим; они характерны для творчества Делакруа в то время и обнаруживают его душевное волнение. Долгое время шли споры о датировке картины. В итоге искусствоведы сошлись на том, что художник создал ее в 1832, изобразив себя несколько более молодым, чем он выглядел в свои 34 года.

Смерть Сарданапала, 1827. Холст, масло, 395*495 см. Лувр, Париж.
Согласно легенде, когда город Ниневию осадили враги, последний ассирийский царь Сарданапал сжег себя вместе со своими женами и сокровищами. Возможно, художника вдохновила на создание этого произведения одноименная трагедия английского поэта Джорджа Гордона Байрона (1788–1824). Это первая картина художника с диагональной композицией. Что касается колорита, то он схож с колоритом английских акварелей того времени.

Битва при Тейебуре, 1834–1835. Холст, масло, 53*66,5 см. Лувр, Париж.
Это эскиз картины, которая была написана в 1837 для нового Исторического музея в Версале.

Выставленные в нем полотна должны были прославлять величайшие страницы французской истории.

Делакруа посвятил красочное полотно победе короля Людовика IX (1226–1270), окруженного преданными ему воинами, у моста близ Тейебура в 1246.

Алжирские женщины в своих покоях, 1834. Холст, масло, 180*229 см. Лувр, Париж.
Во время путешествия по Северной Африке Делакруа сделал множество набросков. Его покорили экзотические красоты этой земли, ее природа и достопримечательности. Крупноформатная картина с мирным бытовым сюжетом — редкость для Делакруа.

Он пристально вглядывается в жизнь и быт женщин Востока. Блестяще одаренный колорист, Делакруа нашел золотую середину между натурализмом колорита и требованиями декоративной гармонии.

Чередуя теплые и холодные, яркие и приглушенные тона, художник раскрывает характер местных женщин, передает экзотические подробности их быта.

Источник: https://artrue.ru/style/romanticism/izvestnye-kartiny-ezhena-delakrua.html

Алжирские Женщины Делакруа

Картина «Алжирские женщины» (часто «Алжирские женщины в своих покоях») была написана Эженом Делакруа в 1834 году и позднее послужила источником вдохновения для Пикассо, Матисса и Ренуара.

Описание картины Эжена Делакруа «Алжирские женщины»

Неистовым романтиком Делакруа делает ориентализм. Восток – это Делакруа. И хоть «настоящие» женщины не такие как те, что изображены на полотне их жизнь самая обычная и не наполнена тем романизмом, что можно заметить на картине.

Читайте также:  Скульптура "родина-мать" в волгограде

Этот современный человек, полный идей, мучается собственной неугомонностью и чувством бессилия в каждом случае он достигает пределов своих возможностей в попытках стать на один уровень с мастерами прошлого.

Бывают ещё случаи, когда кураторы слишком любят (по-старомодному любят) то, что намереваются выставить.

Его отец – крупный бюрократ, хотя ходили упорные слухи, что на самом деле отцом был знаменитый дипломат, гениальный хитрец и опытный предатель Шарль Морис де Талейран, министр иностранных при трёх режимах, соблазнитель и острослов.

Здесь шла своим чередом привычная (даже немного сонная) жизнь, а наложницы в цветистых арабских нарядах, представлявшиеся художнику необыкновенно романтическими персонажами, выглядели самыми обыкновенными женщинами. Идеальные, статуарные, чётко обрисованные фигуры и буйство животных, людей, красок. Адские волны колеблют лодку.

Решающими событиями в жизни Делакруа были: учёба у Жака-Луи Давида, ученичество у Теодора Жерико, чтение Байрона, первый Парижский салон 1822 года, где он выставил написанную в подражание «Плоту Медузы» «Ладью Данте», первая актуальная политическая картина «Резня на Хиосе» (1824), вторая – самая знаменитая – актуальная политическая картина «Свобода на баррикадах» (1830), путешествие в Северную Африку в составе дипломатической миссии в 1832 году, вот, кажется и всё. Это многое говорит о характере патентованного романтизма Делакруа, а также о масштабе его художественных притязаний. Когда они были завершены их оказалось пятнадцать. В 1864-м устроили распродажу работ покойного. То есть не артефакты влекут за собой логику, а наоборот. Концептуально невыверенная.

«Алжирские женщины в своих покоях», Эжен Делакруа — описание картины

Оттого в молодости Делакруа пришлось рисовать страшную резню в далёкой Греции и только революция 1830 года дала возможность сделать что-то Большое на домашнем материале, «Свободу на баррикадах». (см.

Тут интереснее иное противостояние, нежели «классицизм versus романтизм» в литературе определим его как «Академия versus Богема», в искусстве – «академизм versus всё остальное». Это были элегии в честь друга. Но это взгляд довольно старомодный – на что указывает хотя бы употребление слова «прекрасный». Под сходнями плещутся наяды.

Эта картина появилась после посещения художником Алжира, пока путешествовал и наслаждался культурой Северной Африки, где он смог увидеть настоящий гарем, поразивший его до глубины души.

Это были элегии в честь друга. Ранее, когда Делакруа учился при Пьере Герене, он стал друзьями с таким же студентом, Анри Дюпоншэлем, который недавно стал директором по сценическому дизайну в Парижской Опере (и позже станет ее исполнительным директором).

Когда они были завершены их оказалось пятнадцать. Энгр был главным – в глазах тогдашней публики – соперником Делакруа, более того, они вообще считаются антиподами.

Он родился при Директории, детство, отрочество и юность провёл при Первой империи, молодость – при вернувшихся к власти Бурбонах (Людовике XVIII и Карле X), в зрелый возраст вступил после их свержения, пик его славы пришелся на правление Луи-Филиппа Орлеанского, здоровье художника стало сдавать при Второй республике, пока болезни не свели его в могилу при Второй империи. Шарль Бодлер сказал что романтизм – это прежде всего эмоциональный строй. Таким образом у него не было удачи в Марокко. Матисс известен изображениями томных, чувственных женщин, одалисок (французское слово для обозначения женщин из гарема турецкого султана).

Эффект в целом получается почти музыкальный». Это общество уже настоящей прессы и раннего арт-рынка, но буржуазный вкус ещё не стал мейнстримом, что произойдёт в конце XIX века, в эпоху импрессионизма. Собственно, «восход современного искусства» представляется кураторами как восход преимущественно французского художественного модернизма последней трети XIX – начала XX века.

Оно стало вехой в истории изобразительного искусства от «Алжирских женщин», в частности, были в восторге Ренуар, Пикассо и Матисс. Классицист и Романтик. Грешники цепляются за барку, она вот-вот опрокинется.

Описание картины «Алжирские женщины»

Этого, конечно, не скажешь о работах Эжена Делакруа. Делакруа этого гашишного красноречия решительно не одобрял, а когда были опубликованы непристойные бодлеровские «Цветы зла», с поэтом почти раззнакомился, заметив в разговоре с приятелем, что Бодлер действует ему на нервы.

Кажется, что (на его картинах – К. К. ) цвет отвечает сам за себя независимо от деталей одежды. Матисс известен изображениями томных, чувственных женщин, одалисок (французское слово для обозначения женщин из гарема турецкого султана).

Мы живем в мире, который возник как раз в те времена, когда немолодой Делакруа стал уже художником почти официозным, когда Маркс сочинял «18 брюмера Луи Бонапарта», Флобер – «Госпожу Бовари», а Бодлер – «Цветы зла».

В декабре 1954 года Пикассо начал создавать серию свободных вариаций на картину Делакруа Алжирские женщины в своих покоях.

Эжен Делакруа умер в 1863 году. По общему мнению именно в «Алжирских женщинах» Делакруа, опираясь на работы Шеврёля, начал свои эксперименты с цветом. Любопытна одна деталь.

Иногда стоит называть вещи своими именами. Делакруа вроде бы фигура очень подходящая – он долгие годы вёл «Дневник», где записывал разного рода размышления по поводу природы искусства.

Она лишь пробует главные свои конструкции и инструменты.

Ну и студенты разного рода арт-колледжей, даже школ. Тем не менее Делакруа – это Восток. Здесь всё ясно.

Таким образом, «восточный» мотив этой серии имеет не менее тесные ассоциации с творчеством Матисса, чем с Делакруа. Это были одалиски, которых так любил Матисс.

Делакруа дружил с Теофилем Готье, Фредериком Шопеном, Жорж Санд и десятками других знаменитостей, его работы часто покупало государство (хотя не всегда), ему давали обильные заказы на роспись разного рода официальных учреждений, после смерти он стал предметом культа у нового поколения художников, точнее – сразу у двух. Печально, но это так. Да потому, что – в отличие от коллег по жанру – Делакруа всё-таки рисует «другого» как «своего».

Однако концепция кураторов не сработала. Готье, Мериме и даже Нерваль рассудочны, несмотря на все полыхания страстей, которыми обуреваемы их герои. Влияние Делакруа на модернизм в искусстве (и культуре вообще) огромно, но искать его следует не совсем там, где это кажется Нуну и Риопеллю.

Тогда они придумывают концепцию для отвода глаз, ведь сегодня нельзя же без этого. На самом же деле Энгр тот ещё (используя тыняновскую терминологию) «архаист», а Делакруа не только романтик.

Для этого не подходят ни парижские буржуа, ни пикардийские крестьяне и их лошади и коровы, ни даже солдаты и офицеры довольно мирной эпохи между 1815-м и 1854-м (Жерико успел воспользоваться в этих целях наполеоновскими войнами, но он был старше).

«Алжирские женщины» в творчестве Делакруа и Пикассо

Лодка приближается к пятому кругу ада, его освещает зарево адского города Дит. Непродуманная. Но всё это на первый взгляд. Первых назвали импрессионистами, вторых – уже позже – постимпрессионистами.

Нет, неверно. Хотя у Энгра вроде бы можно найти примеры этого жанра (например, знаменитая «Турецкая баня», ей посвящены лучшие страницы упомянутой книги Калассо), но, конечно же, вершиной его считается Делакруа.

Не будь трёх французских революций в течение шестидесяти лет, не было бы не только «Свободы на баррикадах», не было бы вообще того странного, сильно перемешанного французского общества из которое формировалась публика Делакруа.

Это общество уже буржуазное, но в нем ещё играют важную роль аристократия и дворянство.

История одного шедевра: «Алжирские женщины» Пикассо

Нет, пожалуй, не «скверная» и не «плохая», а неумная, что ли. Пикассо создал вариации от «А» до «О». Да и вообще, что такое «французский романтизм». Одежды наложниц разнообразны, но самый элегантный наряд у лежащей слева.

И ещё он видел в Делакруа настоящего «современного художника» (напомню, что понятием «современность» мы тоже почти полностью обязаны Бодлеру, как и многим, очень многим другим), принимая за «современность» вот такое качество: «Делакруа художник, лучше всех экипированный для того, чтобы изображать современную женщину в её героической манифестации, неважно, в каком смысле мы используем слово героический – в божественном или инфернальном.

Из этого можно сделать вывод, что данная особа является любимой наложницей султана. И это очень странно.

Делакруа ведь не просто любил Рубенса и других старых мастеров, в его голове была Идея Высокого (читай Великого) искусства, однако буржуазная французская жизнь материал для этого предоставляла скудно.

Некоторые фрагменты полотна написаны двумя контрастными дополнительными цветами (зеленым и красным).

Изнутри гарем оказался совсем не таким загадочным, каким изображал его Делакруа на своих ранних «восточных» картинах.

Сам он писал, что арабы напоминают ему древних греков и древних римлян разом: «В дверях у меня греки и римляне – это завёрнутые в белые покрывала арабы, которые похожи на Катона или Брута».

Чернокожая девушка, как бы уходит с картины, сообщая что-то другим прекрасным особам. Интеллигенты немолодого возраста.

А в Марокко и Алжире он увидел все эти цвета и рефлексы вживую, увидел насыщенный свет и прозрачные тени, увидел ослепительный, роскошный, величественный Восток, о котором фантазировал в «Смерти Сарданапала».

Эстетическое есть социальное и политическое, никакого автономного «прекрасного» нет, объяснить всё это должна концепция, точнее, даже не объяснить, а провести зрителя по залам так, чтобы он не только глазами, но и ногами эту концепцию воспринял, чтобы она в нём как бы физически поселилась. Делакруа отвергал данное ему звание романтика.

Основные тона дополнены зеленым и красным цветом. Также там содержались пожелания молодым художникам и даже призывы к ним, некоторые из которых в эти дни украсили стены Национальной галереи. На полотне, прежде всего, можно увидеть уютную, тихую, безмятежную, расслабленную и даже сонливую атмосферу с неясной грустью.

И, конечно, политика. Или страсть. Введёт она их в действие сразу после смерти Делакруа. А вот жители Марокко и Алжира для такого вполне сгодятся. Выставка «Delacroix and the Rise of Modern Art» в Национальной галерее Лондона – скверная.

Всех их интересовали артефакты, а не умствования. Чтобы сделать это, совместили Делакруа с «восходом современного искусства».

Об этом соперничестве написано много из последнего – оно составляет один из главных сюжетов книги Роберто Калассо «La Folier Baudelaire».

Таким образом, «восточный» мотив этой серии имеет не менее тесные ассоциации с творчеством Матисса, чем с Делакруа. То есть и в этом тоже, но проблема шире и немного о другом.

Случай «Delacroix and the Rise of Modern Art» из такого разряда Патрик Нун и Кристофер Риопелль очень хотели показать работы любимого художника в окружении других прекрасных любимых работ.

Собственно, выставка в Национальной галерее об этом – в залах, разбитых в основном по жанрам (от первого под названием «Всех нас можно обнаружить в Делакруа» до последнего, шестого, – «Цвет, музыка и утопия»), вещи Делакруа висят в окружении работ восторженных обожателей и учеников: Сезанна, Ренуара, Одилона Редона, Теодора Шассерио, Дега, Гогена, а в самом финале мы видим уже явление Матисса и Кандинского. Если так, то Энгр с Делакруа чаще находятся по одну сторону фронта, чем по разные. Пикассо создал вариации от «А» до «О».

«Алжирские женщины» Пабло Пикассо

Живущие в Лондоне французы и итальянцы – тоже уже покинувшие беззаботные лужайки юности. Лица оставшихся барышень отражают покой, женственность, по их позам можно сказать, что девушки полностью расслаблены.

Как известно, появление современных городских женщин на картинах Бодлер считал чуть ли не первейшим признаком «современности» художника, а сама modernit пахла для него парфюмом и обитала где-то в парижских борделях.

Много почтенных джентльменов и леди. На ее берегах боги дают свою самую священную клятву. Это эпоха, когда «модерность» ещё не началась как таковая. Пикассо шутил по этому поводу: «Когда Матисс умер, он оставил своих одалисок мне в наследство».

Композиционно алжирские женщины разделены на три части. Пикассо шутил по этому поводу: «Когда Матисс умер, он оставил своих одалисок мне в наследство». На нем изображены четыре алжирские женщины.

Четкую грань между классицизмом и романтизмом провести трудно. Делакруа прожил 65 лет.

Получилось странно – и это несмотря на то, что их герой – действительно ключевая фигура эпохи «восхода» современности, формирования modernit в середине XIX века. Это были одалиски, которых так любил Матисс.

Читайте также:  «кресты», фриденсрайх хундертвассер — описание картины

Источник: http://aquareller.com/wdr/201807/alzhirskie-zhenshiny-delakrua/

«Алжирские женщины» в творчестве Делакруа и Пикассо

Искусство и развлечения 25 марта 2016

В июле 1830 года Франция завоевала, колонизировала Алжир. Эта экзотическая африканская страна сразу же вызвала интерес и деятелей искусства, и обывателей.

В 1832 году туда направляется Эжен Делакруа, и его внимание привлекает самое тайное, что можно себе представить, – гарем.

Делакруа через два года выставит в Салоне свою новую картину «Алжирские женщины в своих покоях».

Гарем Делакруа

На полотне, прежде всего, можно увидеть уютную, тихую, безмятежную, расслабленную и даже сонливую атмосферу с неясной грустью. На нем изображены четыре алжирские женщины. Три из них – обитательницы, а может быть, и пленницы гарема, которые скучают в своем заточении.

Кроме них имеется чернокожая служанка, которая собирается куда-то пойти, так как она не лишена свободы передвижения. Композиционно алжирские женщины разделены на три части.

Одна из них неподвижно сидит слева, затем две центральные фигуры, томно склонившиеся друг к другу, и последняя, более динамичная, – это служанка.

Особое очарование

Загадочна фигура женщины, которая сидит отдельно от двух других. Она скучает, меланхолически мечтая. Ее миндалевидные огромные глаза, погруженные в тень, смотрят в космос. С этим можно не согласиться, но она явно мысленно отсутствует. В этой комнате только ее прекрасное физическое тело, которое опирается на диванную подушку, смело выписанную новыми красочными приемами.

Видео по теме

Две подруги

В безмятежной тишине гарема две алжирские женщины курили кальян, но он им надоел. Рука одной из них безвольно опустилась и только чуть придерживает его трубку, глаза почти закрылись, головка склоняется к плечу. Другая же, сидящая, скрестив босые ноги, с усталой нежностью смотрит на задремывающую подругу, преисполненную сладкой истомы.

Внимание трех женщин ни на чем не сосредоточено. Делакруа стремится передать в том числе свои ощущения томительно-тягучего времени, ароматов, цвета.

Колорит и свет

Золотисто-бордовые тона этого идеального колорита, которые подчеркивают богатство шелковых тканей, пестроту ковров и золота, работают на создание пространства волшебства и неги, которое вызовет восторг у зрителя. Основные тона дополнены зеленым и красным цветом.

Переливы оттенков – это новое, что начал в данной работе художник, экспериментируя с цветом. Горячие солнечные лучи, падающие из окна справа, ослепляют, освещая три неподвижные фигуры, и создают глубокие тени внутри комнаты, углубляя перспективу.

Алжирские женщины Делакруа – это предчувствие появления импрессионизма и вдохновение для А. Матисса, О. Ренуара, М. Врубеля и П. Пикассо.

Сто двадцать лет спустя

Когда скончался друг-соперник Пикассо Анри Матисс, то через шесть недель после его смерти великий испанец принялся работать над циклом картин-вариаций. Это были элегии в честь друга. Когда они были завершены, их оказалось пятнадцать.

Это были одалиски, которых так любил Матисс. Ведь Анри Матисс рассматривается как последователь Делакруа и с точки зрения колорита, и по части выбора тематики. Но главным образом именно восточные образы Делакруа вдохновили художника взять тему – алжирские женщины.

Пикассо создал вариации от «А» до «О».

Вторая жена Пикассо, Жаклин Рок, была похожа на одну из женщин на картине Делакруа, особенно в профиль. Но она прекрасно совпадает с их образами и в анфас. Ее в виде одалиски любил изображать Пикассо.

В декабре 1954 году начинается большая работа художника над алжирскими женщинами. Непрерывно думая о них в 1955 году, мэтр приобретает виллу в Каннах. В этом уютном белоснежном особняке продолжается и в феврале 1955 года заканчивается работа над серией вариаций.

Именно в это время, как отмечает один из британских искусствоведов, Пикассо поднимается к тем творческим вершинам, которыми были отмечены его предыдущие годы.

«Алжирские женщины» Пикассо. Версия «О»

Это заключительная и наиболее законченная работа из всего цикла. Она по-новому свежа в подходе к перспективе и сюжету. В этой величественной работе Пабло Пикассо оглянулся на мастера 19-го века, которым был очарован всю свою жизнь, и создал новый стиль живописи. Эта картина «Алжирские женщины» – блестящий синтез того, над чем работал художник все прошлые годы.

Компактная композиция, игра кубизма и перспективы явились важным продолжением творчества зрелого мастера, его шедевром, который можно сравнить с «Авиньонскими девицами» (1907 год) и «Герникой» (1937 год), например.

Но эта одна самых главных картин всегда оставалась в частных руках. И по сей день она находится в частном собрании бывшего премьер-министра Катара, сменив первоначального хозяина.

Она была приобретена на аукционе Кристи в Нью-Йорке почти за 180 миллионов долларов в 2015 году.

Заключение

Любопытна одна деталь. Когда речь идет о работах Пабло Пикассо, то все статьи на французском, английском, испанском и русском языках ведут речь не о художественной значимости его картин, а о чисто материальной ценности, выраженной в долларах.

Со скрупулезной точностью указывается количество проведенных аукционов и постепенное изменение, вернее, повышение цен. Создается впечатление, что его произведения нужны исключительно для вкладывания средств состоятельными людьми. Этого, конечно, не скажешь о работах Эжена Делакруа.

Они близки и понятны, их композиции и тематика совершенны, и они не требуют подтверждения того, что стоят они недешево.

Источник: fb.ru

Query failed: connection to localhost:9312 failed (errno=111, msg=Connection refused).

Источник: http://monateka.com/article/123191/

Читать «Всеобщая история искусств в шести томах. Том 5 (с илл.)»

Пятый том «Всеобщей истории искусств» посвящен искусству 19 века.

Авторами глав пятого тома являются:

Введение — Ю. Д. Колпинский.

Искусство Франции от Великой французской буржуазной революции до Парижской коммуны (1789—1871) — Н. В. Яворская.

Искусство Франции от Парижской коммуны до 1890-х годов — Ю. Д. Колпинский.

Искусство Испании — Т. П. Каптерева.

Искусство Англии — М. А. Орлова.

Искусство России с конца 18 века до 60-х годов 19 века. Архитектура и скульптура— И. М. Шмидт; живопись — М. М. Ракова.

Искусство России с 60-х до 90-х годов 19 века. Живопись — Т. Н. Горина; скульптура и архитектура — И. М. Шмидт.

Искусство Украины, Белоруссии, Литвы, Латвии, Эстонии, Грузии, Армении и Азербайджана — Е. М. Костина.

Искусство Германии — Т. М. Кузьмина (первая половина 19 века) и А. Н. Тихомиров (введение и вторая половина 19 века).

Искусство Бельгии — Л. С. Алешина.

Искусство Голландии — В. А. Сидорова.

Искусство Скандинавских стран — А. Н. Тихомиров.

Искусство Италии — А. Н. Тихомиров.

Искусство Австрии — А. Н. Тихомиров.

Искусство Венгрии — Л. С. Алешина.

Искусство Чехословакии — Ю. Д. Колпинский.

Искусство Полыни — Л. И. Тананаева.

Искусство Югославии — М. Т. Кузьмина.

Искусство Румынии—М. Т. Кузьмина.

Искусство Болгарии — М. Цоичева.

Искусство Соединенных Штатов Америки — А. Д. Чегодаев.

Искусство Японии — В. Е. Бродский.

В главе «Искусство Чехословакии» использованы авторские материалы М. Вароша по словацкому искусству. В редактировании глав и подготовке текста тома к печати принимала участие Л. С. Алешина. Глава «Искусство Соединенных Штагов Америки» отредактирована М. Т. Кузьминой. В подготовке и редактировании главы «Искусство Болгарии» принимали участие М. Т. Кузьмина и Е. П. Львова.

Подбор иллюстративного материала осуществлен Л. С. Алешиной при участии Ю. Д. Колпинского, О. С. Прокофьева и П. В. Яворской. Макет альбома иллюстраций выполнен Р. Б. Климовым при участии редакторов тома и консультации

A. Д. Чегодаева, список иллюстраций подготовлен Л. С. Алешиной. Указатель составлен Т. П. Капгеревой. Библиография подготовлена по материалам, представленным авторами соответствующих глав.

Рисунки в тексте выполнены художником В. А. Лапиным; подготовка иллюстративного материала для репродуцирования осуществлена фотографами Е. А. Никитиным и Н. А. Крацкиным. Помимо этого использованы фотоматериалы А. А. Александрова, II. А. Беляева, С. Г. Белякова, М. А. Величко, С. Г. Гасилова, С. Г. Щиманского.

За помощь в работе при подготовке настоящей книги — консультации, рецензии, предоставление иллюстративного материала — авторский коллектив приносит благодарность Государственному Эрмитажу, Государственному музею изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Государственной Третьяковской галлерее, Государственному Русскому музею, Государственной библиотеке им. В. И.

Ленина, Государственной библиотеке иностранной литературы, Научно-исследовательскому музею архитектуры им. А. В. Щусева, Научно-исследовательскому музею Академии художеств СССР и персонально — Э- Н. Ацаркиной, Е. Б. Георгиевской, А. Л. Кагановичу, B. И. Касияну, И. Коталику (Чехословакия), С. Козакевичу (Польша), У. Кухирту (ГДР), И. М. Левиной, К. М. Малицкой, Г. Опреску (Румынии), Г.

Погань (Венгрия), Ф. С. Рогинской.

Ю. Колпинский

Искусство эпохи капитализма есть искусство последнего, завершающего Этапа истории классового эксплуататорского общества. Капиталистический способ производства утвердился в Европе после промышленного переворота в Англии и французской буржуазной революции 1789 г. В течение 19 в.

капитализм стал господствующей силой не только в Европе, но и на всем земном шаре.

Одни страны, как, например, Япония, сами становились на путь капиталистического развития, другие, отстававшие в экономическом развитии, вовлекались в орбиту капиталистического хозяйства путем колонизации и беспощадной эксплуатации.

Прогрессивная художественная культура 19 в. явилась новой всемирно-исторической ступенью в развитии реализма в широком смысле этого слова.

При Этом следует различать понятие реализма нового времени как определенную, программно утверждаемую художественную систему, как эстетически осознанный метод от стихийного проявления той реалистической основы или той жизненной правдивости, которые присущи самой природе искусства как особой форме общественного сознания.

Реализм в искусстве 19 в. представляет собой качественно новую ступень в истории развития реалистического метода.

И хотя он обладает своими специфическими художественно-идейными границами и исторически обусловленной эстетической ограниченностью, он являет более развитую и более программно-последовательную фазу утверждения этого метода. Именно для 19 в.

характерно утверждение реалистического искусства, непосредственно отображающего основные социальные противоречия эпохи, обращающегося к изображению конкретных проявлений этих противоречий.

При этом сам уклад социального быта, социальные условия жизни народа служат тем непосредственным жизненным материалом, на котором и создаются типические обобщенные образы. Чтобы уяснить себе своеобразие тех противоречий, которые свойственны развитию искусства в эту Эпоху, необходимо остановиться на некоторых чертах, присущих капиталистическому обществу и его культуре.

В целом капитализм с его промышленной технической революцией и огромным подъемом экономики, науки представлял собой новую, более высокую, чем феодализм, ступень развития общества, его производительных сил, его материальной и духовной культуры.

Вместе с тем капиталистический способ производства вызвал к жизни неразрешимые в его рамках противоречия между общественным характером массового индустриального производства и частной формой присвоения его плодов, обнажил до предела все пороки и уродства, присущие Этой стадии общественного развития человечества. Он породил эксплуатируемый класс нового типа, формально «свободный», а на деле — полностью «освобожденный» от какой-либо собственности на орудия труда — пролетариат. Впервые возник класс, который по своему положению в обществе был заинтересован в ликвидации любой формы частной собственности на средства труда.

Характер новых условий жизни, обострение борьбы экономических интересов и социальных противоречий, сознательное участие масс в общественной политической борьбе и обусловливают то, что отображение конкретных социальных условий жизни, общественная оценка, «приговор» отображаемым событиям становятся одной из основных задач передового реалистического искусства эпохи капитализма.

В это же время происходит особенно резкое размежевание в каждой нации двух культур: культуры демократической и культуры реакционной, эксплуататорской.

Реакционная, враждебная реализму линия в искусстве до победы буржуазной революции была связана с идеологией старого, феодально-крепостнического строя.

После победы капитализма главной социальной силой, заинтересованной в ограничении, а затем и в подавлении реалистических и последовательно демократических тенденций искусства, становится достигшая господства крупная буржуазия.

Демократическая линия в искусстве, стремящаяся раскрыть роль народа как движущей силы истории и утвердить этические и эстетические ценности народно-демократической культуры своей нации, проходит через два этапа своего развития.

В первый период она формировалась в борьбе с пережитками дворянской крепостнической идеологии, по мере же развития капитализма — во все большей степени в борьбе с лицемерно-ханжеской культурой, насаждаемой господствующими классами капиталистического общества.

Во второй период характерной чертой прогрессивной художественной культуры становится решительная эстетическая и социальная критика уродливости, лицемерности и социальной несправедливости, свойственных буржуазно-капиталистическому обществу в целом. Постепенно к концу 19 — началу 20 в.

критика капитализма начинает вестись в искусстве (особенно в русском) уже не только и не столько с позиций буржуазной или крестьянской демократии, как это было раньше, а с позиций зарождающегося и крепнущего мировоззрения революционного пролетариата.

Источник: http://litlife.club/br/?b=204605&p=18

Ссылка на основную публикацию