«благовещение», хуан пантоха де ла крус — описание картины

Испанский художник Эстебан Мурильо: картины, биография

Автопортрет, 1670

Бартоломе Эстебан Мурильо (исп. Bartolomé Esteban Murillo; 1617-18 — 1682) — знаменитый испанский живописец «золотого века», глава севильской школы.

В картинах Мурильо религиозные сцены представлены как события из народной жизни. С 1650-х гг. Мурильо насыщает свои работы золотистой светотенью, переходя к более живописной манере (особенно в пейзажных фонах). Мурильо создаёт религиозные композиции, в том числе сцены из жизни богоматери , с проникновенным лиризмом передающие национальный тип испанской женщины.

Биография Мурильо

Испанский живописец XVII века Мурильо был художни­ком лирического плана. Моделями для его картин, в том числе и религиозных, служили народные типы. Он широ­ко вводил жанровые мотивы в композиции.

Бартоломе Эстебен Мурильо родился в Севилье в семье цирюльника четырнадцатым ребенком. Он рано потерял отца и воспитывался у сестры, которая дала ему хорошее об­разование. Живописи Мурильо учился у Хуана де Кастильо — поклонника романистов XVI века.

К середине 40-х годов XVII века Мурильо был уже вполне сложившимся художником. Его ранние работы отличались простотой и правдивостью («Диего де Алькала, раздающий милостыню», около 1645 г.; «Святое семейство», 1645— 1650).

Вскоре Мурильо создал ряд полотен, прославивших его имя («Сон Иакова», «Исаак, благословляющий Иакова», «Рождество богоматери»). Капитул собора постановлением от 8 марта 1656 года признал его лучшим живописцем Се­вильи и заказал ему картину «Видение св. Антония» для капеллы этого святого в соборе.

Картина имела большой успех. На Мурильо со всех сторон посыпались заказы.

В 1660 году Мурильо вместе с художниками Хуаном Вальдес Леаль, Себастьяном де Льявос, Игнасио Ириарте и другими основывает в Севилье Академию художеств и из­бирается ее первым президентом. Академия содержалась на средства, собираемые среди ее членов. Она ставила пе­ред собой цель — направить молодежь на путь тщательно­го изучения натуры.

В 60-х—70-х годах Мурильо создает ряд циклов картин для церквей и монастырей в Севилье: двадцать картин для августинского монастыря и одиннадцать картин для капел­лы а Каридад (среди них «Св. Фома Вильянуэва, раздающий милостыню», «Антоний Падуанский с младенцем Христом», «Мадонна с салфеткой», «Непорочное зачатие» и др.).

Моделями для изображения мадонн Мурильо служили местные красавицы. Художник мастерски передавал жен­ственность, нежность, национальный облик испанок.

Больших успехов достиг Мурильо в изображении пейза­жа, который обычно служил: фоном в его картинах. Особенно интересны пейзажи Мурильо в картинах из цик­ла «Жизнь Иакова», написанных между 1660—1670 года­ми. Они отличаются богатством светотени, гармоничным со­четанием красочных тонов, тонкостью в передаче воздуш­ного пространства.

Реалистические тенденции творчества Мурильо ярко про­явились в бытовом жанре. Художника влекло к изображе­нию простой, обыденной жизни народа.

Его лирический та­лант полнее всего раскрылся в серии картин, изображающих жизнь уличных детей Севильи («Игра в кости», «За едой паштета», «Маленькие торговки», «Мальчик с собакой», «Продавщица фруктов» и др.).

Можно предположить, что моделями для Мурильо служили дети, жившие на той же улице, что и художник, так как одна и та же модель встречается в разных его картинах. Эти же дети служили прообразами ангелов и юных святых Мурильо.

Жанровые картины Мурильо, изображающие уличных де­тей, представляли собой новый этап развития испанской бы­товой живописи. Однако и здесь на творчество Мурильо на­ложило свой отпечаток официальное испанское искусство второй половины XVII века. Отдавая дань времени, худож­ник снижал жизненную силу образов в своих жанровых картинах некоторой долей сентиментальности.

Мурильо был хорошим портретистом. Портреты его рабо­ты, исполненные в мягкой живописной манере, изобража­ют преимущественно севильских идальго. Сохранились два автопортрета Мурильо.

Мурильо имел много учеников, и ему часто приходилось прибегать к их помощи. В этом отношении многочисленные произведения Мурильо еще не изучены должным образом: при их тщательной атрибуции, вероятно, некоторые придет­ся отнести на долю его помощников.

На основе статьи в книге «Художественный календарь «Сто памятных дат».

Галерея картин Мурильо

Источник: http://www.artcontext.info/pictures-of-great-artists/55-2010-12-14-08-01-06/769-murillo.html

ЛитВек — Скачать бесплатно без регистрации — Самиздат — Книги читать онлайн

Дерево, масло. 107,5×83,3

Антонис Мор — нидерландский художник, ученик Яна ван Скорела. Прежде всего, он известен как придворный портретист, работавший у кардинала де Гранвелла и короля Филиппа II.

Данное изображение правителя Испании и Нидерландов имеет все свойственные работам Мора черты: абстрактный однотонный фон, далекий от передачи пространственной среды, трехчетвертной разворот устойчивой, неподвижной фигуры, скупое использование цветов, находящихся преимущественно в одной гамме, скрупулезно выписанные детали роскошного костюма. Эти качества в совокупности со сдержанным выражением лиц героев способствуют созданию внушительного эффекта от созерцания портретов людей, занимавших важное место в обществе.

Филипп II интересовался искусством подвластных ему Нидерландов. Некоторые элементы архитектуры и обустройства садов и парков были заимствованы им для последующего использования в Испании.

Кроме того, король имел личную коллекцию нидерландской живописи, в которой помимо прочего находились 40 работ Иеронима Босха.

В настоящее время многие картины разошлись по музеям мира, однако часть собрания Филиппа II до сих пор можно увидеть в расположенном недалеко от Мадрида дворце Эскориале, принадлежавшем ему.

Луис де Моралес, известный как Божественный (около 1520–1868) Пьета. Около 1568. Дерево, масло. 72×50

Прозвище Божественный один из ярчайших представителей маньеризма в Испании Луи де Моралес получил от современников за мастерство и приверженность к религиозной теме. Испытавший влияние живописцев Высокого Возрождения, Рафаэля и Леонардо да Винчи, художник специализировался в основном на картинах, изображающих Мадонну и сюжеты Страстей.

«Пьета» показывает, насколько сильной выразительности Моралес достигал, используя минимальные средства. В лаконичной композиции — лишь полуфигура Марии, держащей на руках своего погибшего Сына. Глубокая скорбь читается на ее лице, оттенок кожи, как Христа, так и его матери, отражает мертвенную бледность.

Общая холодная и приглушенная цветовая гамма противоположна желто-коричневому стволу креста, резко выступающему из окружающей тьмы, будто напоминая зрителю о том, что произошло с Сыном Божьим.

Абстрагирование от каких-либо элементов привычной среды и пространства и концентрация лишь на самом переживании Богоматери наделяют работу особой трагической спиритуальностью.

Мартин де Вос (1532–1603) Похищение Европы 1590. Дерево, масло. 133,7×174,5

Мартин де Вос — ученик Франса Флориса, фламандский художник, работавший в различных жанрах. В его произведениях прослеживается влияние итальянской живописи и, в частности, венецианской школы, чему могла поспособствовать работа в студии Тинторетто.

В картине «Похищение Европы», написанной на мифологический сюжет, очевидно стремление подражать другому венецианцу — Тициану. Де Вос практически так же выстраивает сцену.

На первом плане — плывущий к Криту белый бык, в которого превратился Зевс, чтобы похитить понравившуюся ему дочь финикийского царя, на заднем — покинутый героями остров, где остались подруги Европы, а в небе парят путти, сопровождаемые Гермесом.

Однако если полотно Тициана экспрессивно передает всю силу драматических переживаний, то в работе де Воса ситуация насильственного похищения представлена опосредованно: Европа ничуть не напугана, ее лицо спокойно, а поза репрезентативна и статична, что совершенно отделяет девушку от фактически происходящего с ней.

Драпировка кажется закрепленной в воздухе. Художник придает ей декоративную роль, даже не пытаясь создать правдоподобные формы. Это справедливо и для всей картины. Мастера абсолютно не интересует соответствие его формальных качеств сюжетной основе.

Он сконцентрирован лишь на точности передачи фактур и акцентировании их различий; его волнуют мелкие детали и сложные цветовые переходы. Идеальная картина, которую де Вос пытается создать, не допускает сильных эмоциональных проявлений; она должна быть совершенна в возвышенном величии.

Эль Греко (Доменикос Теотокопулос) (1541–1614) Благовещение. Около 1596–1600. Холст, масло. 113,8×65,4

Эль Греко по праву считается наиболее экспрессивным художником своего времени. Он выработал уникальную по выразительности живописную технику и столь же исключительную трактовку сюжетов Священного Писания. Стремление мастера к передаче не только внешнего, но и внутреннего, иррационального света отражается в трансцендентном, мистическом эффекте, присущем его полотнам.

Эль Греко лишает «Благовещение» каких-либо черт земного, изображая вместо традиционного дома Марии сложное для восприятия динамичное пространство чистого божественного откровения.

Явившегося будущей Богоматери с благой вестью архангела Гавриила художник сопровождает сонмом музицирующих ангелов и маленьких ангелочков, чьи головы теряются в облаках, как это было у Рафаэля в «Сикстинской Мадонне». Окруженный божественным сиянием, с небес нисходит Святой Дух в виде голубя.

Ощущение нездешности, полнейшей сверхъестественности происходящего усиливается благодаря особому колориту, характерному для всего творчества мастера. Любые оттенки на его полотнах, в том числе и обыкновенно теплые красный и желтый, воспринимаются исключительно как холодные.

Даже цветы лилии, являющиеся одним из наиболее часто изображаемых атрибутов в сцене «Благовещения» и символизирующие непорочность Марии, у Эль Греко больше похожи на дрожащие языки загадочного мистического пламени.

Читайте также:  После куликовской битвы, серов

Искусство XVII века

Хуан Пантоха де ла Крус. Портрет принца Филиппа Эммануила Савойского. Около 1604

Педро де Орренте (1580–1645) Жертвоприношение Исаака. Около 1616. Холст, масло. 133,5×167

Педро де Орренте — испанский живописец, в чьем творчестве сильны элементы влияния итальянских художников Бассано и Веронезе, а также присутствуют караваджистские мотивы, которые особенно заметны в «Жертвоприношении Исаака».

Ветхозаветный сюжет, повествующий о покорности Авраама воле Бога, приказавшего ему принести в жертву собственного сына, трактуется мастером путем резкого противопоставления освещенных и темных частей и созданием напряженной композиции.

От обреченного на смерть юноши взгляд зрителя переходит к его отцу, не смеющему ослушаться Господа и готовящемуся вонзить острый нож в обнаженное тело Исаака, и вдруг обнаруживает возникающего из тьмы ангела, явившегося сообщить, что не отрекшийся от веры Авраам вместо своего сына может предать закланию овна.

Одной рукой ангел удерживает руку старца, другой же указывает на жертву, пришедшую взамен Исааку. Животное таким образом замыкает композицию, делая ее целостной и связывая все элементы между собой.

Отмеченный караваджистский подход к освещению и драматической составляющей происходящего сочетается у Педро де Орренте с желанием соответствовать колористическим принципам Веронезе.

В частности, в ночном пейзаже и одеянии Авраама использован насыщенный, напоминающий о блеске драгоценных камней темно-зеленый цвет, который был настолько характерен для работ знаменитого венецианца, что впоследствии его назвали «зеленым Веронезе».

Хуан Рибальта (около 1596/1597-1628) Поклонение пастухов. Около 1620. Медь, масло. 15×29,5

Особенности живописной манеры испанского художника Хуана Рибальты сформировались под воздействием творчества его отца Франсиско Рибальты и испанского мастера Педро де Орренте.

«Поклонение пастухов» — пример использования в малом формате приема «тенебросо», главными признаками которого являются темные тона, резкие светотеневые контрасты и пластическое отношение к передаче формы. Рибальта

Источник: https://litvek.com/br/350416?p=3

Книга «Эрмитаж. 250 лет — 250 шедевров»

Прекрасный альбом, достойнейшее издание к юбилею Государственного Эрмитажа. Наслаждение для знатоков искусства и ценителей качественной полиграфии, увлекательный путеводитель для тех, кто делает первые шаги в историю живописи. Конкретная книга посвящена лишь одному направлению из огромного музейного собрания — западноевропейской живописи.

Это своеобразный поклон через века той коллекции, с которой начался нынешний Эрмитаж. Альбом предваряет интересная и достаточно подробная статья об истории картинной галереи Эрмитажа, от первых её дней по настоящее время. Иллюстрациями к ней служат не только фотографии, но и вызывающие восхищение своей техникой и достоверностью акварели К. Ухтомского, И. Шарлеманя, Э.

Гау (последние практически нереально отличить от фотографий).

Далее следуют разделы, посвящённые различным художественным школам Европы от Средневековья до начала двадцатого века. Каждый из разделов открывается красиво оформленным полноформатным разворотом — всего их десять, для каждого выбран свой цвет — вот два из них:

Приятная деталь: цвет каждого из разворотов в более светлом тоне повторён в «маркерах», обозначающих номера иллюстраций, вверху каждой страницы (так проще найти нужную):

Каждая же репродукция сопровождается небольшим, но ёмким и интересным текстом.

Иногда в нём рассказывается о направлении живописи, примером которого служит картина, иногда — о жизни художника, создавшего её, иногда — о сюжете картины (а это часто необходимо: многие ли из нас сразу без запинки ответят, что происходит на какой-либо картине на религиозный или мифологический сюжет?). Где-то авторы текстов О.

Неверов, Д. Алексинский, А. Шестаков обратят наше внимание на любопытные детали, где-то — на зашифрованное послание. Эти строки не грешат искусствоведческими заумностями, они написаны просто, понятно, легко, иногда не без юмора, а иногда и поэтично:

Речь идёт об итальянской фреске начала XV века «Мадонна с Младенцем и святыми Домиником и Фомой Аквинским» фра Анджелико (Гвидо ди Пьетро).

Можно читать эту книгу как учебник или разглядывать как коллекцию репродукций. Но когда смотришь, читаешь, снова смотришь — возникает ощущение, что ты на экскурсии в сопровождении не только энциклопедически образованного, но и крайне благожелательного, внимательного экскурсовода. Невозможно обойтись без картин, вы же понимаете…

Чима да Конельяно (Джованни Баттиста Чима). «Благовещение», 1495

Трудно поверить, что эта картина написана больше пятисот лет назад, правда? Как падает свет, как рельефно прорисованы складки одежды, как необычно сочетаются перспективы комнаты и пейзажа за её окном…

Тинторетто (Якопо Робусти). «Святой Георгий», 1543-1544

«Он почти кинематографически «строит кадр»…» — восхищается автор текста, и на следующей странице, о другой картине художника, «Рождение Иоанна Крестителя»: «Тинторетто присуще острое чувство хаоса…» Прекрасное выражение.

Произвёл впечатление «Автопортрет» Аннибале Карраччи (1590-е гг.) Скромная на первый взгляд картина необычна (это «портрет портрета») и служит поводом рассказать о печальной судьбе её создателя.
А вот Робер Кампен (Флемальский мастер).

Его работы удивили сочетанием явной архаичной иконописности и совершенно бытовыми жизненными деталями.

В результате картины производят впечатление контррельефов, в которых сочетаются двухмерное и трёхмерное изображения, без всякого напряжения перетекающие друг в друга… пользуясь тем, что внимание зрителя отвлечено необычной цветовой гаммой 🙂

Лукас ван Лейден. «Исцеление иерихонского слепца». Триптих. 1531

Если уж говорить о цветовой гамме, то нельзя пройти мимо ван Лейдена. Посмотрите: это почти карнавал! Очень театрально всё, особенно боковые фигуры триптиха — так и кажется, что это актёры, которые сейчас расскажут нам, что было дальше…

Да, кстати, вот о чём хочу сказать. В названии книги есть слово «шедевры». Из-за него кажется, что альбом предстанет собранием общеизвестных полотен, разве что в более качественных, чем прежде, репродукциях. Ничуть не бывало: наверняка многие из них вы увидите впервые.

Поворчу уж кстати: много оказалось Матисса и Сезанна — по 7-9 работ, — а моего любимого Энгра — всего одна картина. Вот, например, Паулюс Поттер, «Ферма» (1649).

Ручаюсь, в музее вы скользнули бы по ней рассеянным взглядом: ну, ферма… животные, люди… дерево какое-то посредине, дом позади него… А здесь вы узнаете, что эта невинная на первый взгляд картина

или, через несколько страниц, о том, что смятая атласная скатерть в голландских натюрмортах, оказывается, символизирует отринутую добродетель 🙂 Никогда бы не подумала.
Отставить шутки. Я с нежностью разглядывала тёплые и объёмные до шершавости нормандские пейзажи Теодора Руссо.

Заинтересовал меня Андре Дерен, в начале ХХ века стилизовавший свои пейзажи под старые итальянские полотна: он странным образом сворачивает пространство, и это вольное с ним обращение — не следование канонам, а свобода нового века живописи.

А в его «Неизвестного» (или «Шевалье Х», как его назвал Аполлинер) я просто влюбилась, тронутая до глубины души сочетанием опустошённого лица, огромных испуганных глаз и бледных рук, безвольно опустивших газету — видимо, с трагическими новостями.

Питер Янсенс Элинга (1623-1682). «Комната в голландском доме»

И вот эта картина меня поразила. Середина XVII века?! Не может быть! Эта фигура, повернувшаяся спиной к зрителю, этот чистый красный цвет, этот неровный солнечный блик, дважды отражённый от плоскостей комнаты, геометрия плиток пола, холодное золото заоконного пейзажа — полное впечатление, что картина написана на триста лет позже. Открытие, честное слово.

Хуан Пантоха де ла Крус. Портрет Диего де Вильямайора. 1605

А с этим «товарищем» я, наоборот, дааавно знакома. Причём, что забавно, впервые наша «встреча» произошла в книге Валентина Тублина «Золотые яблоки Гесперид» , где этот портрет явственно вписан и в текст, и в одну из иллюстраций:

По-мальчишески эмоционально, да. Зато в память как врезается.

Ну, всё-таки и без синих занавесок в книге об эрмитажных сокровищах не обошлось.

Анри Матисс. «Разговор». 1909-1912

Из сопроводительного текста:

Ну боже ты мой, неужели всё так сложно? Почему бы в этом не увидеть просто мгновенно выхваченную из жизни сцену? Разговор у действующих лиц не из простых. Мужчина, наверное, полночи не спал: недаром он в пижаме. Но нелёгкое решение им уже принято — он стоит перед женщиной прямо, спокойно, чуть обречённо.

Женщина полностью одета; наверное, она поднялась ни свет ни заря. Несмотря на то, что она сидит, её поза говорит о том, что она готова к отпору, возможно, будет нападать вместо того, чтобы обороняться.

Во всяком случае, она тоже приняла решение — другое… А может, и это тоже «синие занавески», и вы увидите в этой простой, как детский рисунок, картине, что-то совсем иное.

Читайте также:  Ливийская сивилла, микеланджело буонаротти, 1512

И напоследок: вереница из 250 шедевров Эрмитажа открывается Крестом с изображением Распятия Уголино ди Тедиче (примерно 1270 г.), а заканчивается… ну да, «Чёрным квадратом» Малевича, который выглядит здесь скорее как в конце журнальной страницы: статья закончена, переходите к следующей.

Резюме: великолепно.

Источник: https://www.livelib.ru/book/1000908363/quotes-ermitazh-250-let-250-shedevrov

Читать

Города и музеи мира

ГОРОДА И МУЗЕИ МИРА

На суперобложке:

Площадь Сокодовер и Алькасар.

На высоком плато с крутыми обрывами по краям расположен Толедо — старая столица Испании, когда-то называемая «Корона Испании и свет всего мира». В середине XVI века она уступает первенство Мадриду — новой столице королевства.

И постепенно Толедо погружается как бы в волшебный сон, сохраняя почти нетронутым своеобразный облик. Город окружен остатками старых городских стен с башнями и увенчан диадемой церковных колоколен, напоминающих арабские минареты.

Его благородный, четко обрисованный силуэт встает перед зрителем на фоне ярко- голубого неба, зеленоватых долин Веги и серо-фиолетовых гор на горизонте.

Колорит пейзажа составляет гармоническое целое с золотисто-сероватыми тонами городских построек в стилях романском, готическом, Ренессанс и барокко. Но отпечаток мавританской художественной мысли с ее любовью к богатству орнаментики сливает их в стройный архитектурный ансамбль.

С трех сторон скалистого подножия плато по гранитному ложу струятся желтовато-зеленые, быстро текущие воды реки Тахо, замедляя бег в равнинах Веги. Реку пересекают старинные живописные мосты. Через мост Алькантара [1] лежит путь к главным воротам города — воротам Солнца. Построенные арабами в XII веке, они выделяются массивностью водоупорных столбов, соединенных подковообразными арками.

Многовековое владычество в Испании мавров сильно сказалось на всем облике Толедо. По узким улицам города громоздятся, прижавшись тесно друг к другу, дома. Они снаружи по- мавритански строго молчаливы, с редкими прорезами окон, затянутыми решетками, и массивными деревянными дверями с тяжелыми металлическими скрепами.

Зато внутри дома поражают изяществом архитектуры своих двориков, окруженных галереями, богатством и красочностью цветущих в них растений, журчанием вод фонтана. Среди узких улиц выделяется сравнительно небольшая площадь, называемая Сокодовер, или площадь Ратуши.

Здесь происходили частые в Толедо поэтические состязания, но здесь же горели и костры инквизиции.

Чтобы увидеть Толедо целиком, лучше всего подняться к Эрмита де ла Вирхен дель Валье, откуда город виден как на ладони. Сказочно прекрасен Толедо в светлые лунные ночи, когда струящийся голубоватый свет придает фантастические очертания силуэтам возвышающихся над городом зданий.

О редком городе рассказывается так много романтических легенд, как о Толедо.

С Толедо связывается распространенная легенда о последнем вестготском короле Родриго, о его любви к прекрасной Флоринде, дочери толедского графа Юлиана, якобы призвавшего мавров в Испанию, чтобы отомстить за бесчестие дочери, а также о трагической смерти Родриго после его бегства с поля сражения при Херес де ла Фронтера, когда наголову было разбито вестготское войско полчищами мавров. Трагедия короля, так бесславно потерявшего свое королевство, ярко воспроизведена в драме Лопе де Вега «Последний гот Испании». До сих пор в Толедо показывается туристам часть берега у реки Тахо под навесом скалы, называемая Баньо де ла Кава (Купанье Кавы), где будто бы купалась Флоринда. На скале возвышается массивная башня, называемая башней Родриго, — по преданию, из ее окон король впервые увидел дочь графа Юлиана.

Многочисленны варианты в литературе Испании и других стран рассказа, связанного также с Толедо, а именно о безумной любви кастильского короля Альфонса VII к красавице Эрмосе, дочери казначея короля Уеюды Ибн Эзры. Роскошные сады толедского дворца служили местом встречи Альфонса и Эрмосы.

Об этом романтическом эпизоде упоминает уже король Альфонс X Мудрый в своей знаменитой «Всеобщей хронике» (XIII в.). Позднее Лоренсо Супельведа (XVI в.), взяв из хроники этот эпизод, поэтически его обработал в духе старинных испанских романсов.

Все перипетии этой трагической любви жизненно и красочно воспроизведены в драме Лопе де Вега «Еврейка из Толедо».

Вид Толедо со стороны церкви Вирхен дель Валье

Не прошли мимо этой любовной драмы и романтики XIX века. Широко известна пьеса Грильпарцера под тем же названием, что и у Лопе де Вега. Дань этому сюжету отдал и современный немецкий писатель Лион Фейхтвангер в своем романе «Испанская баллада».

Источник: https://www.litmir.me/br/?b=208037&p=22

Благовещение в мировой живописи: картины известных художников

Кто из великих художников запечатлел лик Богородицы на своих холстах.

7 апреля православные христиане отмечают один из самых больших православных праздников — Благовещение Пресвятой Богородицы. В этот день архангел Гавриил сообщил деве Марии о том, что она станет матерью Иисуса Христа. 

Библейские образы  — одна из основ мирового искусства, а праздник Богодицы и сам ее образ — один из самых распространенных сюжетов. Многие великие художники посвятили свое творчество этой теме. А Боттичелли, например, даже называют «рыцарем Богоматери».

Кисти каких еще художников принадлежат картины, изображающие таинство благовещения Пресвятой Богородицы.

Леонардо да Винчи «Благовещение/Annunciazione»

  • 1472-1475 г.
  • доска, масло. 98 × 217 см

Картина принадлежит кисти еще молодого Леонардо, когда он работал в рамках мастерской своего учителя Верроккьо

Композиция произведения проста и традиционна: на переднем плане изображен коленопреклоненный архангел Гавриил с белой лилией — символом непорочности Девы Марии — в левой руке. Правой же рукой он благословляет сидящую у своего дома Марию. Деву Марию художник, согласно традиции, изображает с библией, которая помещена на мраморную подставку.

На заднем плане размещены резные силуэты деревьев, уходящая вдаль река с виднеющимися мачтами кораблей, башни и стены портового города, окутанные бледно-голубой дымкой вершины гор.

С 1867 года и по настоящее время произведение хранится в музее Уффици.

«Благовещение» Леонардо да Винчи

Данте Габриэль Россетти «Благовещение/Ecce Ancilla Domini»

  • 1850 г.
  • холст, масло. 73 × 41,9 см

Картина была создана в 1850 году и в нем же была представлена на выставке Королевской Академии художеств. Картина была задумана как диптих, но вторая ее часть так и не увидела свет. 

На картине изображена известная евангельская сцена Благовещения Пресвятой Богородицы.

Любопытно, что картинка подверглась нападкам из-за того, что Россетти сильно отступил от христианского канона. Богородица выглядит испуганной и будто отшатывается от ангела с белой лилией в руках (символ девства Марии). также мастер использовал нетрадиционную цветовую гамму: на картине доминирует белый, в то время как цветом Богородицы принято считать голубой.

«Благовещение» Данте Габриэль Россетти.

Тициан «Благовещение/Annunciazione»

  • 1565 г.
  • холст, масло. 410 × 240 см

Картина написана Тицианом как алтарный образ для капеллы святого Августина церкви Сан-Сальвадор в Венеции. 

На произведении архангел Гавриил сообщает Марии благую весть о том, что ей предстоит непорочно зачать Иисуса Христа. Гавриил слегка касается ногами земли, одно крыло поднято, руки перекрещены как знак покорности Богу.

«Благовещение» Тициан.

Гвидо ди Пьетро (Фра Беато Анжелико) «Благовещение/Annunciazione»

  • 1426 г.
  • дерево, темпера. 194 × 194 см

Картина была написана для церкви Санто Доминго де Фьезоле, вблизи Флоренции. «Благовещение» представляет собой алтарный образ в резной позолоченной раме в рост человека. Написана была темперой на деревянной доске. Центральная часть картины изображает собственную сцену Благовещения Пресвятой Богородице архангелом Гавриилом, а нижняя содержит пять небольших сопутствующих сюжетов из ее жизни.

В настоящее время картина находится в экспозиции Прадо.

«Благовещение» Фра Беато Анжелико.

Эль Греко «Благовещение»

  • 1596-1600 гг.
  • холст, масло, 114 x 66 см

Картина испанского живописца Эль Греко «Благовещение», была написана в 1596-1600 годах. Сейчас картина находится в Музее изящных искусств в Бильбао.

Читайте также:  Музеи королевского дворца, стокгольм, швеция
«Благовещение» Эль Греко.

Сандро Боттичелли «Благовещение»

Боттичелли написал несколько произведений на тему «благовещения» в разные годы.

В картине «Благовещение» 1485 года из музея Метрополитен сильное впечатление производит ощущение глубины композиции, которого достиг мастер.

Дева Мария и Ангел, в практически зеркальном отображении, разделены рядом колонн в центре сцены, но их объединяют лучи божественного света, льющегося вдоль крыльев склоненного ангела к Марии.

В этом произведении уже видна рука зрелого мастера — и в сложности композиции, и в его лиричном настрое, и в прозрачности красок.

«Благовещение» Сандро Боттичелли.

Более поздняя картина «Благовещение», ее также называют «Благовещение Кестелло», написана в 1489 году. Ее заказал художнику Франческо Гуарди для церкви флорентийского женского монастыря Кестелло.

В этот раз художник вносит в сцену непривычную смятенность: ангел врывается в комнату и стремительно падает на колени, и за его спиной, как струи воздуха, рассекаемого при полете, вздымаются его прозрачное, как стекло, едва видимое покрывало.

В центре композиции — две кисти, протянутые друг другу, как олицетворение передачи и принятия, идею которого мастерски выразил Боттичелли. 

Сейчас картина находится в флорентийской галерее Уффици.

«Благовещение Кестелло» Сандро Боттичелли.

Василий Суриков «Благовещение»

Эта картина стала последней большой работой живописца. Она не так известна, как другие его произведения.

«Благовещение» была представлена на XII выставке Союза русских художников в 1914–1915 году. Однако картина не оправдала ожиданий коллег и критиков, от именитого художника надеялись получить гораздо большего. Сейчас картина находится в художественном музее им. В. И. Сурикова в Красноярске.

«Благовещение» Василий Суриков.

Владимир Боровиковский «Благовещение»

Художник чаще воспринимается как мастер портрета. Однако, создав галерею блистательных светских портретов, к концу жизни художник работал лишь над духовными сюжетами. Он учился иконописи у отца, участвовал в росписи Казанского собора и Троицкой церкви Петербурга.

«Благовещение» Владимир Боровиковский.

В своей картине «Благовещение» автор тонко чувствует форму, стремится передать прекрасный, внутренне чистый мир персонажей. Трепетный образ Девы Марии, изображенный Владимиром Боровиковским, вдохновил поэта Владимира Бенедиктова на строки: «Кто сия? / Покров лилейный / Осеняет ясный лик, / Долу взор благоговейный / Под ресницами поник…»

Источник: https://kp.ua/life/572360-blahoveschenye-v-myrovoi-zhyvopysy-kartyny-yzvestnykh-khudozhnykov

Эль Греко – биография и картины художника в жанре Маньеризм – Art Challenge

Эль Греко (El Greco; собственно Доменико Теотокопули, Theotocopuli), великий испанский живописец, архитектор и скульптор. Грек с острова Крит, Эль Греко учился, видимо, у местных иконописцев, после 1560 приехал в Венецию, где, возможно, обучался у Тициана; с 1570 работал в Риме, испытал воздействие маньеризма, Микеланджело, Бассано, Пальма Веккьо, Тинторетто.

В Венеции и Риме Эль Греко овладел приемами масляной живописи, передачей пространства и перспективы, обобщенным широким мазком; особенностями венецианского колоризма.

Произведения, среди которых лишь немногие признаны достоверно принадлежащими кисти Эль Греко, отмечены разнохарактерностью исканий (“Изгнание торгующих из храма”, 1570, Национальная галерея, Вашингтон; “Исцеление слепого”, 1567-1570, Картинная галерея, Дрезден; портрет миниатюриста Джулио Кловио, 1570, Музей Каподимонте; портрет рыцаря Мальтийского ордена Виченцо Анастаджи, 1576, собрание Фрик, Нью-Йорк). Расцвет таланта Эль Греко наступил в Испании, куда он переехал около 1577 и где, не получив признания при королевском дворе в Мадриде, поселился в Толедо. В зрелом творчестве живописца Эль Греко, родственном поэзии испанских мистиков XVI века (Хуан де ла Крус и др.), в иллюзорно-беспредельном пространстве стираются грани между землёй и небом, реальные образы получают утонченно-духовную интерпретацию (торжественно-величавая композиция “Погребение графа Оргаса”, 1586-1588, церковь Санто-Томе, Толедо; “Святое Семейство”, около 1590-1595, Музей искусства, Кливленд).

Резкие ракурсы и неестественно вытянутые пропорции в картинах художника порой создают эффект стремительного изменения масштаба фигур и предметов, то внезапно вырастающих, то исчезающих в глубине картинного пространства (“Мученичество святого Маврикия”, 1580-1582, Эскориал). Одну из главных ролей в этих произведениях Эль Греко играет колорит, основанный на обилии холодных рефлексов, беспокойной игре контрастных цветов, ярко вспыхивающих или приглушенных.

Острая эмоциональность образного строя характерна и для портретов Эль Греко, отмеченных тонкой психологической проницательностью (“Главный инквизитор Ниньо де Гевара”, 1601, Метрополитен-музей) или проникновенным драматизмом (“Портрет неизвестного рыцаря”, 1578-1580, Музей Прадо, Мадрид).

Черты ирреальности, мистического визионёрства нарастают в поздних картинах Эль Греко (“Снятие Пятой печати”, Метрополитен-музей; “Лаокоон”, Национальная галерея искусства, Вашингтон, — обе 1610-1614), острым трагическим чувством пронизана его пейзажная композиция “Вид Толедо” (1610-1614, Метрополитен-музей).

Повышенная одухотворенность образов, мистическая экзальтация сближают искусство Эль Греко с маньеризмом и выражают кризисное состояние художественной культуры Позднего Возрождения. Отмеченное напряженным стремлением к выражению возвышенно-драматических порывов человеческого духа, творчество Эль Греко в XVII-XIX веках было забыто и заново открыто только в начале XX века.

Источник: http://artchallenge.ru/gallery/ru/34.html

Благовещение картина Леонардо да Винчи. Описание


«Благовещение» картина Леонардо да Винчи. Фото и описание картины.

Одна из ранних работ двадцатилетнего мастера, выполненная маслом на доске, Благовещение — еще не та работа, которая может охарактеризовать стиль Леонардо. На картине изображены: архангел Гавриил на левой стороне, Дева Мария справа, и аналой между ними. Все изображается в архитектурной обстановке, на фоне пейзажа.

Коленопреклоненный архангел изображен молодым, прекрасным юношей, с высоким лбом, стилизованными крыльями, в богатой одежде, с лилией в руке. Читающая и удивленная Дева Мария поднимает руку в жесте удивления. Она изображена с тонкими чертами лица, которое некоторые считают холодным.

Ее поза, ноги, равномерно покрытые широкой и мягкой драпировкой, придают ей сильный монументальный характер.

Когда картина Благовещение была привезена из монастыря Сан-Бартоломео, близ Флоренции в Галерею Уффици в 1867 году, она сначала была отнесена к работам художника Доменико Гирландайо, который был, как и Леонардо да Винчи, учеником в мастерской Андреа дель Верроккьо.

В 1869 Карл Эдуард фон Липгарт, центральная фигура немецкой художественной колонии экспатриантов во Флоренции, признал Благовещение ранней работой Леонардо да Винчи, одной из первых сохранившихся.

С тех пор предварительный рисунок для рукава ангела был признан и приписан Леонардо.

Многие специалисты утверждают, что Благовещение во многом обязано своим появлением учителю да Винчи, Андреа дель Верроккьо. Однако эта картина считается первой крупной работой да Винчи (ее размер 98 см. х 217 см.). Эта большая картина выполнена его рукой, но, возможно, с помощь мастеров Верроккьо. Дебаты об авторстве разных частей картины продолжаются на протяжении длительного времени.

В течение нескольких лет картина считалась работой Доменико Гирландайо или Лоренцо ди Креди. Креди был подмастерьем в мастерской Верроккьо в то же время, как и Леонардо. Эксперты также не остаются единодушными относительно других элементов картины: крылья ангела, которые были перекрашены, мраморный аналой, возможно скопированный у мастера Андреа дель Верроккьо.

Из всего вышеперечисленного следует, что эта работа может являться коллаборацией нескольких художников, включая да Винчи. Верроккьо использовал краски на основе свинца и тяжелые мазки, Леонардо же рисовал более мелкими мазками, красками без свинца. Когда Благовещение подвергли рентгену, участие в работе Верроккьо стало казаться очевидным.

Также очевидно и то, что архангела Гавриила и фон нарисовал именно Леонардо да Винчи.

Индивидуальность Леонардо выражена на картине в достаточной мере, ведь он один из первых художников, которые стали выделять пейзажи в отдельный жанр. Также он уделял много времени эскизам драпировок. Фоном для картины Благовещение служит замечательный тосканский пейзаж, драпировки на одеждах прорисованы прекрасно.

Изучение драпировки одежды для сидящей фигуры. Леонардо да Винчи.

Даже если Благовещение является результатом совместных усилий, эта картина, тем не менее, является достижением и доказательством врожденного изобразительного таланта Леонардо да Винчи.

Все в этой работе высокого поэтического и стилистического качества: обработка фигур и их атрибутов, пространственная конструкция далеких деревьев и водотока, свидетельствующая о непреходящей любви художника к природе.

После написания этой картины, в его живописи и жизни произошло много изменений, которые сделали Леонардо да Винчи неутомимым новатором. И даже этой картины будет достаточно, чтобы оценить его умения.

Рекомендуем к прочтению:

Картины Леонардо да Винчи. Фото с названиями.

Тайна Леонардо да Винчи. Тайны картин. Секреты Тайной вечери…

Поклонение волхвов картина Леонардо да Винчи. Сюжет картины, описание и фото.

Источник: http://new-original-style.com.ua/pages/article2/Annunciation/Leonardo.htm

Ссылка на основную публикацию