Выставка «нас будет трое…» в третьяковской галерее » музеи мира и картины известных художников

Самые дорогие картины из коллекций российских олигархов

13.12.16

В очередном рейтинге «Forbes» представляет 10 самых дорогих картин из коллекций российских олигархов. Самый «тяжёлый» арт-актив находится в коллекции Дмитрия Рыболовлева — $135 млн., а самой дешёвой картиной из самых дорогих владеет Борис Минц — £ 750 тыс…
01
Густав Климт «Водяные змеи II»Владелец: Дмитрий Рыболовлев
Полотна Климта числятся в десятке наиболее дорогих картин мира, будь то аукционные или закрытые сделки. В 2006 году Рональд Лаудер прибрел «Портрет Адели Блох-Бауэр I» для своей Neue Galerie за $135 млн. «Водяные змеи II» (1907) относятся к тому же «золотому периоду» в творчестве Климта. что и названный портрет, и это полотно тоже никогда не выставлялось на торги. В 2012 году арт-дилер Ив Бувье, подбиравший картины для Дмитрия Рыболовлева, уговорил наследников живописца продать «Змей». Цена сделки, как и других покупок Рыболовлева, раскрылась три года спустя в ходе судебной тяжбы: миллиардер обвинил арт-дилера в завышении вознаграждения за посредничество (о злоключениях Бувье написал Vanity Fair). Представитель Рыболовлева не подтверждает цифру, ссылаясь на то, что разбирательство продолжается и информация по делу конфиденциальная.

02

Фрэнсис Бэкон «Триптих»

Владелец: Роман Абрамович

Бывший акционер «Сибнефти», а на тот момент губернатор Чукотки, купил «Триптих» в мае 2008 года на Sotheby's в Нью-Йорке. Картина-аллегория, созданная мастером фигуративной живописи в 1976 году, впервые оказалась на аукционе. Более 30 лет она хранилась в семье Муэкс, владеющей знаменитой винодельней Chateau Fetrus.

За произведение из трех частей, каждая размером два на полтора метра («знаковое для художественного канона XX века»), торговались три участника, делая ставки по телефону.

Цена, уплаченная Абрамовичем, оставалась рекордной для работ Бэкона, пока в 2013 году «Три наброска Люсьена Фрейда» не были куплены на Christie's за $142,4 млн.

Покупатель, по данным американской прессы, — совладелица сети отелей и кази- но Wynn Resorts Элейн Винн.

03

Клод Моне «Пруд с кувшинками»Владелец: Андрей МельниченкоМоне создал в 1919 году четыре варианта «Пруда с кувшинками». Эту серию эксперты относят к числу его лучших работ позднего периода. Одна из картин была разрезана покупателем на две части, проданные по отдельности. Другой вариант последний раз продавался на Christie's в 1992 году за $12,1 млн. Третий хранится в музее Метрополитен.

В июне 2008 года на Christie's выставлялся четвертый — из коллекции американского промышленника Джозефа Миллера. За этот «Пруд» торговались шесть биддеров, победитель предложил цену $81 млн., на 70% выше эстимейта — абсолютный рекорд для работ Моне. Позднее Forbes выяснил, что полотно оказалось в собрании основателя «Еврохима».

04

Герхард Рихтер «Абстрактный образ 745-2»Владелец: Константин ГригоришинБизнесмен, инвестирующий в энергетические, промышленные и транспортные активы, начал коллекционировать живопись в 1993 году: русская классика, авангард, затем западное искусство. Точно не известно, когда он купил «Абстрактный образ 745-2» (на аукционах картина не выставлялась), но в 2012 году эта работа уже была в собрании владельца «Энергетического стандарта». В том же году две картины самого известного современного художника Германии продались на Sotheby's: «Абстрактный образ 712» за $17,4 млн и «Абстрактный образ 809-4» за $34,2 млн. Даже с инвестиционной точки зрения Григоришин сделал хорошее вложение. Герхард Рихтер — неизменно дорогой художник. Так, в феврале 2015 года «Абстрактный образ 599» ушел на Sotheby's за $46,3 млн.

05

Марк Шагал «Видение. Автопортрет с музой»

Владелец: Вячеслав Кантор

Владелец группы «Акрон» приобрел «Видение» Шагала в начале 2000-х. Возможности включить картину в свою коллекцию он ждал семь лет. «Наследник перед смертью дал поручение продать работу именно мне по определенной цене», — рассказывал Кантор в интервью Forbes. На тот момент самым дорогим полотном Шагала считался «Юбилей» 1923 года, проданный на Sotheby's в 1990 году за $14,9 млн.

За прошедшее время шедевры авангардистов выросли в цене более чем вдвое, так что Кантор мог заплатить за «Видение» до $30 млн. Картины Шагала нередко появляются на аукционах, но в основном это поздние работы. «Видение» же уникально: оно создано в 1917-1918 годах в Витебске, куда Шагал с семьей вернулся из Петрограда, и отражает воспоминания художника о парижской жизни.


06

Василий Кандинский «Эскиз к импровизации No8»

Владелец: Петр Авен

«Импровизации» Кандинского, созданные в 1909-1910 годах, называют поворотными в его творчестве: от фигуративной живописи он переходит к абстракции. «Эскиз No8» с 1960 года принадлежал благотворительному трасту Volkart Foundation и на ноябрьском аукционе Christie's 2012 года в Нью-Йорке сменил собственника.

Картину купил банкир Петр Авен, чья коллекция русского искусства считается лучшей среди частных. Ни одна работа Кандинского до сих пор не продавалась дороже ($23 млн). В то же время нельзя сказать, что Авен переплатил. «Эскиз к импровизации No3», ушедший в 2008 году с молотка за $16,9 млн, спустя пять лет был продан за $21,2 млн.

07

Казимир Малевич «Прямоугольник и круг»

Владелец: Александр Смузиков

«Прямоугольник и круг» выставлялся на Sotheby's в 2003 году с эстимейтом $5-7 млн, но не нашел покупателя. Картина написана в 1915 году, тогда же, когда манифест «От кубизма к супрематизму» и знаменитый «Черный квадрат». Малевич привез ее на персональную выставку в Берлин в 1927 году, потом она хранилась у директора Провинциал-Музеума в Ганновере (ныне Музей Нижней Саксонии), затем в Бостоне и лии_ь в 1999 году была передана наследникам художника.

Осенью 2012 году в Третьяковской галерее прошла выставка супрематических картин «Нас будет трое…» из коллекции Александра Смузикова, среди них был «Прямоугольник и круг». Бизнесмен, вероятно, приобрел картину во второй половине 2000-х, когда авангард сильно поднялся в цене, и мог заплатить за нее около $10 млн.

08

Пьер Огюст Ренуар «Площадь перед церковью Святой Троицы»

Владелец: Виктор Вексельберг

Живопись не главная тема Музея Фаберже, созданного владельцем группы «Ренова». Основа экспозиции — коллекция ювелирных изделий, купленная за $100 млн (в том числе девять императорских пасхальных яиц). Для украшения залов Шуваловского дворца в Санкт-Петербурге, где разместился музей, подбирались полотна именитых русских и европейских художников.

Ренуар четырежды рисовал площадь перед церковью Святой Троицы — одно его из любимых мест в Париже. Вариант 1893 года считается лучшим. В 2001 году картина была продана на аукционе Christie's в Нью- Иорке за $2,8 млн. Вексельберг купил ее в 2009 году. Если учесть темп роста цен на импрессионистов, можно предположить, что за Ренуара он отдал не менее $5 млн.

09

Георгий Нисский «Над снегами»Владелец: Алексей Ананьев
Торги за знаковую работу выдающегося советского художника стали сенсацией лондонского аукциона Sotheby's в июне 2014 года. «Над снегами» полвека хранилась в запасниках Союза художников СССР, а затем Международной конфедерации союзов художников. Ставки делали пять участников аукциона. Цена продажи($3 млн.) почти втрое превысила эстимейт. Картина досталась совладельцу холдинга «Промсвязькапитал» Алексею Ананьеву. В финале с ним бился другой крупный российский бизнесмен — коллекционер живописи XX века. Ананьев купил «Над снегами» для своего музея — Института русского реалистического искусства. «Цель приобрести эту работу стояла изначально, — объяснял он Forbes. — Важно, что она оказалась именно у нас, а не за рубежом и не в частной коллекции без возможности экспонирования».

10

Борис Кустодиев «Венеция»

Владелец: Борис Минц

Когда глава инвестиционной 01 Group рассказывал Forbes о своей коллекции, то признался, что еще не покупал картин дороже $1 млн: «Но в принципе миллион за хорошую работу мне не жалко». Буквально через месяц рубеж был перейден. В ноябре 2013 года на лондонском аукционе MacDougall's выставлялась «Венеция» Бориса Кустодиева: необычный для автора сюжет, нетипичная манера письма.

Прекрасный провенанс — картина из старой советской коллекции, выставлялась в музее Академии художеств СССР, последние десятилетия находилась в частном собрании в Европе. Теперь «Венеция», какой ее увидел Кустодиев в 1913 году, доступна для обо- зрения в Музее русского импрессионизма, открытом Минцем в Москве — £ 750 тыс.     Источник:  «Forbes».

Источник: http://rupo.ru/m/4912/

: Графика: технологический детектив — ПОЛИТ.РУ

«Основы графики» в ГТГ на Лаврушинском обращают наше внимание не на сюжет, а на выбор материала великими русскими художниками.

Скульптуры Огюста Родена на выставке в Царицыно в окружении офортов на тему «Круги Ада» показывают мастера погруженным в мир загробных теней.

«…нас будет трое…» ГТГ на Крымском валу показывает супрематизм как школу и судьбу двух учеников Малевича в произведениях из коллекции Sepherot Foundation.

Одну из лучших выставок в Москве «Основы графики: бумага и дерево, шелк и стекло. Из цикла «Материалы и техники рисунка» в Третьяковской галерее в Лаврушинском переулке продлили до 11 ноября, и нужно обязательно успеть посмотреть ее, если еще не видели.

Сама постановка вопроса радикально современна – традиционное изобразительное искусство вовлекает нас в переживание иллюзии пространства, мы смотрим преимущественно на сюжет, искусство 20-го века разрушает иллюзии и часто делает материал — сюжетом.

Здесь кураторы берут вещи классиков и говорят зрителю – смотрите на то, как это сделано. Провоцируют на то, чтобы мы выявляли намерения художника, изучая выбранный им материал, восстанавливали цели и обстоятельства. Своего рода технологический детектив.

Начинается выставка с «лайтбоксов», где выставлены пустые листы бумаги – но на просвет становятся видны тайные послания бумаги – «водяные знаки». А сетчатые формы для отливки знаков похожи на работы современных художников, например, на «Тайную вечерю» группы RECYCLE.

Бумага не бесхарактерна, и чтобы не вступать с ней в бесплодное противоборство, художнику нужно понять, какие у него с бумагой общие цели. Гладкая поверхность позволяет художнику отрисовать мельчайшие детали, не натыкаясь карандашом или кистью на бугры (как пример даны чертежи Воронихина).

Если даже художник успешно преодолел шероховатости в процессе, они будут видны при показе работы, напоминая зрителю, что это всего лишь изображение – поэтому неотличимые от реальности «обманки» Толстого или портреты Брюллова и Соколова сделаны на гладкой бумаге.

Они должны поражать иллюзорностью: веточка смородины – как настоящая, а заказчики – даже лучше оригинала, поэтому бумага должна быть скромной, чтобы про нее забыли.

Еще такая бумага необходима тем, кто стремится к поиску совершенства и хотел бы избежать любых случайностей – таков Александр Иванов с его эскизами к «Пришествию мессии».

Шероховатая бумага – для тех, кто верит случайности, обожает ее как дар природы – для ее изображения часто и используют волю случая, только предполагая, как краска ляжет.

И «Заросший пруд» Левитана (1880), и «Купальщицы» Сомова (1904) – используют непрокрашенные углубления, чтобы передать блики на воде и прорывающиеся сквозь листву солнечные зайчики, Бенуа в эскизе к декорациям для «Трактирщицы» Гольдони наоборот, только касается кистью с темной краской неровностей бумаги, чтобы изобразить трещины на старинных стенах. Плотная и зернистая акварельная бумага нужна и затем, чтобы добиться глубины цвета, на ней можно писать «а ля прима», за один раз набирая цвет в полную силу и больше не прикасаясь к нему – лессировками или «штрихуя» сухой кистью на гладкой бумаге такой свежести не достичь.

Константин Сомов, «Купальщицы», 1904. Бумага, акварель, итальянский карандаш. 28,8 x 38.  Третьяковская галерея

Для художника, который добивается от портрета не точности проработки деталей, а точности внутреннего сходства, «крупное зерно» не помеха.

Портрет певицы Любатович в роли Кармен работы Врубеля – черные кудри, мрачный фон, и молочная светящаяся кожа крупными заливками, два главных удара и нельзя иначе – тщательная выкраска противоречила бы испанским страстям.

На фактурной бумаге сделан и портрет дамы на фоне гобелена Борисова-Мусатова, она будто становится частью старинного ковра, призраком из прекрасного прошлого. Но это уже пастель – для нее нужна поверхность неровная.

На выставке показано, как менялась технология работы с пастелью: от пергамента как основы 18-19 веков, на которой максимально можно было гладко растереть полутона, создать мягкие переходы – до смыслообразующей грубости и неряшливости на наждачке у Ларионова.

Читайте также:  Красные крыши. деревенский уголок зимой, 1877, писсарро

Малявин рисует портрет юной Боткиной на мягком картоне, раздирая его и скатывая местами в крупные цветные комочки: девочка-«лисичка» в розовом платье с пышной юбкой материализуется из тьмы старинного семейного особняка, выходит к нам «на эту сторону плоскости» объемом, но заодно заставляет и осознать плоскость картины.

Рерих делает эскиз для постановки «Князя Игоря» с шатрами половецких воинов – в палатках воинов он сглаживат грубость основы, но закатное небо с дымами от костров оставляет растресканным, тяжелым, объемным.

Небо здесь не фон, но один из главных героев языческого мира, властитель с тяжелым характером.

Глаз скользит по стану кочевников, так же как они скользят по земле в своих странствиях и набегах, и упирается в богатую подробностями незыблемую небесную твердь.

Еще одна примечательная работа Рериха – эскизы на библейские сюжеты, сделанные на черной бумаге. Тут есть отсылка к иконописной технике, когда от темной подкладки идут к самому светлому тону, тем самым отражая процесс просветления души.

Тонированной или цветной бумагой часто пользовались в графике для эскизов к большим сюжетным картинам, для пейзажных этюдов с натуры — надо думать, отчасти из-за экономии времени: куда как легче отметить светлые и темные акценты, а за средние тона ответит бумага. Но в то же время цветная бумага несет и смысловую нагрузку.

В ряде работ на античные и библейские темы в духе Возрождения она изображает «старину». Еще в ее использовании есть особая философия творческого акта: на белой бумаге получается, что свет – результат недеяния, основа, которая осталась нетронутой после окончания труда художника.

На тонированном фоне появление светлейшего тона – воля автора, и в «Хождении по водам» Александра Иванова светлые контуры Христа, протягивающего руку утопающему — укрощение стихии цветных пятен, изображающих бурю, ориентир во мгле фона темной бумаги.

Александр Иванов «Хождение по водам». Из серии «Мифы о жизни Христа и аналогичные мифы из Библии и древней мифологии (Библейские эскизы)». Конец 1840-х – 1857. Бумага коричневая, акварель, белила. 26,7 x 39,2.  Третьяковская галерея. Василий  Кандинский «Абстрактная композиция». 1915-1917, Бумага, акварель, тушь, кисть. 30,9 x 21; 72 x 57.  Третьяковская галерея

Есть на выставке и работы на ткани: веер работы Врубеля с девой у озера, на котором переливающаяся разными оттенками шелковая основа отвечает за «перемену погоды»: станешь правее — и «облака набегают», озеро темнеет, станешь левее – «проясняется». Офорты на шелке Шишкина, в котором мерцающее сияние ткани воплощает солнечный свет.

Представлена подборка работ разных авторов на бумаге papier-pelle, на которой можно сначала дать тон или цвет, а потом, снимая верхний слой, процарапывать светлые штрихи, как на гравюре — papier-pelle сначала была уделом любителей. 

Как мы узнаем здесь, некоторые знаменитые рисунки Саврасова были сделаны с помощью этой техники. Ей пользовался и Айвазовский и Воробьев. Было бы сложно заштриховать небо вокруг снежинок, кору дерева вокруг трещинок на ней, и глубину морскую вокруг белой пены – а с papier-pelle это получается легко и эффектно.

Пена морская на выставке в ассортименте: как испытание веры у Иванова, романтическая у Айвазовского… Но только Ларионов доверяет процесс изображения воды самой воде, материал у него становится равен сюжету.

Он берет светлую бежево-серую бумагу — это будет мелкий песок на берегу в солнечный день, размешивает жидко белила с водой и позволяет им растекаться по бумаге и высыхать причудливыми разводами.

Фигурка бегущей девочки, как будто нарисованная ребенком, дает нам понять, что эта белая краска – прибой, а бумага – песчаный берег. Ларионов решил перестать контролировать материал, доверять ему – и материал помогал.

Осенний лес Ларионов рисует слишком жидко для выбранной им тонкой бумаги — бумага морщится вокруг прикосновений кисти, и ее складки передают дрожание веток на ветру. Изобразить траектории трепетных листьев вручную нельзя– будет комикс, а тут это получается «само собой», от природы.

Эта выставка – отличное учебное пособие для школьников и студентов, которые получают художественное образование, интересна она и взрослым – как современный подход к классике.

Новый взгляд на то, что нам, казалось бы, хорошо знакомо – и на выставке «Огюст Роден» в Царицыно (до 4 ноября). Причем тут тоже акцент на графике — офортах из серии «Круги Ада», раскрывающих идеи мастера.

Больше всего впечатляют не знаменитые бронзовые «Мыслитель» и «Граждане Кале», составленные в довольно комичную группу вместе с памятником Бальзаку у главного входа в Большой дворец, как будто в парке мало места и нельзя было экспонировать каждую отдельно, с достоинством, а не устраивать склад.

На первый план выходят совсем другие вещи и сюжеты. Критики упрекали его за салонный натурализм, обвиняли Родена в том, что его «Бронзовый век», для которого позировал 27-летний бельгийский солдат – не скульптура, а слепок, снятый с человека, возможно даже с мертвеца.

И в чем-то они были правы, каждый живой – потенциальный мертвец, и неотвратимость смерти, предстоящее мучительное расставание с телом, терзало мастера.

Огюст Роден. Скульптура «Старое дерево», создание гипсовой формы – 1896, Франция, Отливка– 1998, литейный дом Airaindor, Франция. Офорт «Стикс» из серии «Круги Ада». Выставка работ Родена из коллекции Карпентье и Гольдберга в Царицыно.

В руке у солдата изначально было копье, но Роден вынул его – мы безоружны перед смертью. Без копья солдат потерял устойчивость — он будто бы падает, как подстреленный. Критики не понимали, что натурализм необходим, чтобы говорить о бренности плоти, гармония и идеализация здесь неуместны.

Бурдель, ученик Родена, и Майоль, испытавший его влияние, возрождавшие античный идеал красоты, просто не чувствовали, что Роден тоже в античности, только мысли его – по другую сторону Стикса, с тенями, которые он так часто изображал в офортах «Круги Ада».

Тени клубятся мышцами, скручиваются в невозможные позы, но им не удается сохранить свою телесную цельность – они растворяются в пятнах плотного мрака.

И скульптуры реалистичны лишь фрагментарно: они то теряют части тела в непроработанной массе материала («Старое дерево»), иногда остается лишь одна рука, подающая знаки из небытия («Левая рука. Пьер де Виссан»), то предстает лишь пустая оболочка («Тень. Торс»).

Огюст Роден. Скульптура «Вечный идол», создание гипсовой формы – 1893, Франция, Отливка– 1998, литейный дом Gantz, США. Офорты из серии «Круги Ада». Выставка работ Родена из коллекции Карпентье и Гольдберга в Царицыно.

«Ирида, вестница богов» (1895) — без головы, взяла ногу в руку и демонстрирует гениталии, несет весть телесную. И даже в одной из работ, которые можно причислить к салонным, в «Вечном идоле» бросается в глаза то, что у юноши, целующего обнаженную девушку, руки заломлены за спину, как у пленника – он тоже в плену у материальной оболочки.

На выставке есть эскиз к «Вратам Ада» — идея для ворот одного из парижских музеев, которые в 1880 году заказало Родену французское правительство, но тему выбрал сам Роден. Его работа вновь подверглась нападкам – ее назвали «гигантским мусорником», и снова не поняли мысли Родена – после смерти мы возвращаемся в прах.

Можно предположить, что Роден не верил в загробную жизнь души – поэтому так цеплялся за телесность.

Недаром же он объяснял: «Мой «Мыслитель» думает не только мозгом, с нахмуренными бровями, расширяющимися ноздрями и сжатыми губами, но каждым мускулом своих рук, спины и ног, со сжатым кулаком и сжатыми пальцами ног» — стало быть, мышление погибает вместе с телом.

Огюст Роден. Скульптуры «Нижинский», создание гипсовой формы – 1912, Франция, и «Женщина, сидящая на корточках», создание гипсовой формы – 1881, Франция. Отливка– 1998, литейный дом Gantz, США. Офорты «Меркурий» и «Вожделение» из серии «Круги Ада». Выставка работ Родена из коллекции Карпентье и Гольдберга в Царицыно.

Вообще, графика ошибочно воспринимается как нечто второстепенное и малозначительное. Наброски, эскизы — редкая возможность проникнуть в тайны творческого процесса.

При беглом взгляде на историю искусства 20 века супрематизм всегда как бы равняется Казимиру Малевичу — на выставке «…нас будет трое…» в Третьяковской галерее на Крымском валу (до 25 ноября) мы узнаем, что супрематизм рождался и развивался в сотрудничестве с двумя учениками Малевича, Ильей Чашником и Николаем Суетиным. Остальные его единомышленники по Уновису (Утвердители нового искусства) восстали против безусловной верности жестким рамкам учителя и требования анонимности, и пошли по собственному пути.

Малевич нуждался в поддержке, ему нужно было показать, что это школа и направление — в одиночку это было бы невозможно. Он удерживал Суетина и Чашника при себе до конца жизни, поручая им заниматься прикладным супрематизмом и оставляя свободу станкового творчества за собой.

Все работы на выставке – из коллекции Sepherot Foundation (Лихтенштейн), и можно было бы объяснить приоритет графики тем, что все ключевые живописные произведения уже давно в музеях, и частному коллекционеру достается уже только графика.

Но избранная куратором выставки Татьяной Горячевой тема «учителя и учеников» раскрывает набор представленных произведений, в основном эскизы и проекты, а не завершенные произведения — как судьбу художников, последовавших за гением.

Казимир Малевич «Изольда», эскиз для упаковки продукции парфюмерной фабрики Брокара, нач. 1910-х. Из коллекции Sepherot Foundation. Куратор выставки «…нас будет трое…» Татьяна Горячева.  Казимир Малевич «Супрематизм. Прямоугольник и круг», 1915. Из коллекции Sepherot Foundation.

На Суетина и Чашника учитель возложил перевод супрематизма в объемные формы, архитектоны, архитектурную концепцию будущего – эти модели изготовлялись из гипса, и сохранить их было нелегко. На выставке есть один архитектон и несколько карандашных размышлений.

Им же было поручено заниматься супрематическим фарфором – чтобы «отбросить отвратительные намеки на неспособность левого искусства включиться в жизнь». Несмотря на успехи в этой области, Малевич препятствовал массовому производству.

«Пусть останутся униками», «мне они нужны были только для эксперимента и дальнейшей работы, а когда вернусь, и Вы поставите в хорошие условия меня, тогда уже начнем дело во всемирном масштабе» — писал он Пунину по поводу работы на ГФЗ.

То есть и фарфор Суетина и Чашника мы увидим в эскизах. Они тратили почти все свое время на осуществление инициатив учителя, но и в том, что сделано, мы видим их собственные эксперименты. У Малевича фигуры парят в белой пустоте, у Чашника – свет прорывается сквозь тьму.

Возможно, это следствие занятий с объемными архитектонами, но у Чашника изображен не иной мир – в его геометрии угадывается глубина и пространство. Какие-то из его орнаментов похожи на предвидение будущих мегаполисов: огни машин, движущихся по шоссе, вид на взлетную полосу аэропорта, пересеченную стальной рамой остекления зала ожидания, пиктограммы и логотипы.

А может быть, современные мегаполисы отчасти обязаны своей эстетикой экспериментам супрематистов?

Илья Чашник, «Супрематическая композиция», 1922. Из коллекции Sepherot Foundation.

Но на выставке показано и противоречие между двумя учениками, может быть, обусловленное тем, что Чашник умер, не успев проникнуться обращением Малевича к новой предметности. Чашник утверждал, что «суть человеческого существования – беспредметное начало», избранные куратором слова Суетина говорят о другом направлении – «Я хочу мощи человеческой у живописца».

В некоторых его композициях видится теплота народного орнамента. Овал (ракурс круга, движущегося в пространстве) он берет из опытов Малевича 1916-1917 годов в свои композиции. Сам Малевич в постсупрематизме использует его для обозначения лица-лика, и у Суетина он фигурирует в декоративных орнаментах, а в одном из рисунков овалы предстают как лик богоматери и младенца.

Суетин чувствует, что беспредметность чужда человеку.

Николай Суетин, «Супрематическая композиция с шестью овалами», 1927, «Богоматерь с Младенцем», 1927. Из коллекции Sepherot Foundation.

Источник: http://xn-www-idd.ruthenia.ru/article/2012/11/02/grafika/

В третьяковке выставили малевича — мк

Супрематизм — дело темное

06.09.2012 в 20:57, просмотров: 6776

В двух залах Третьяковской галереи на Крымском Валу открылась выставка «…Нас будет трое…», где представлены работы супрематистов Казимира Малевича и его ближайших учеников — Николая Суетина и Ильи Чашника. В общей сложности здесь больше ста работ художников, большинство из которых выставлены впервые.

Читайте также:  Маурицхёйс - гаага: описание музея, расположение на карте

Все работы из собрания некоего фонда Sepherot Foun­dation, зарегистрированного в Лихтенштейне. Представитель фонда не называет имя (или имена) владельца, но есть все основания полагать, что за фондом, который все чаще фигурирует в российской арт-сцене, стоит олигарх Александр Смузиков.

А приобрел фонд коллекцию у Гари Татинцяна, который до сих пор судится с Львом Нусбергом за поддельного Малевича и его учеников.

Супрематизм, несомненно, знаковое явление в истории искусства ХХ века. Однако в отличие от произведений ХIХ века подлинность абстрактных работ ХХ века определить намного сложнее. То, что графика, представленная в экспозиции «…Нас будет трое…

», происходит из коллекции Гари Татинцяна, на открытии вслух не озвучивали, однако об этом говорится в каталоге выставки.

Более того, если сравнить фотографии работ, которые выставлялись в галерее Гарри Татинцяна в 2006 году, и работы с выставки в ГТГ, не сложно увидеть, что речь идет об одних и тех же вещах.

С этим Малевичем история очень запутанная. Графика происходит из коллекции Льва Нусберга, считавшегося крупнейшим собирателем супрематизма. Тот в 2009 году подал иск к Татинцяну, причиной спора оказались работы Малевича.

По утверждению Нусберга, он передал Татинцяну 11 работ Малевича для продажи, однако взамен так и не получил денег, работ он также не увидел.

Как утверждает Нусберг, впоследствии в результате шантажа он вынужден был продать Татинцяну еще 98 работ за 2,6 млн долларов, хотя их реальная стоимость — больше пяти миллионов долларов. Судебные разбирательства тянулись несколько лет.

А в этом году в деле появился новый поворот — теперь сам Татинцян подал встречный иск к Нусбергу на сумму 60 млн долларов! Галерист утверждает, что Нусберг продал ему поддельного Малевича. Дело разбирается в нью-йоркском суде. Сам коллекционер утверждает, что приобрел их у Анны Лепорской, которая унаследовала коллекцию в 1935 году после смерти Малевича.

В доказательство подлинности работ Нусберг привел показания эксперта по русскому авангарду Александры Шатских, которая не сомневалась в подлинности графики. Однако двумя годами раньше г-жа Шатских пришла совсем к иным выводам. Она установила, что 30 работ — фальшивки.

Понять это ей помогла буквенно-численная система кодировки, которую разработал Малевич для идентификации своих работ.

Ведущий специалист Третьяковской галереи по творчеству Малевича и куратор выставки «…Нас было трое…» Татьяна Горячева, похоже, в подлинности выставляемых работ не сомневается.

Сам факт, что коллекция фонда Sepherot Foun­dation выставляется в одном из ведущих национальных музеев страны, должен стать лучшим подтверждением авторства.

Конечно, поверить, что лучшие специалисты ГТГ и ее директор Ирина Лебедева, которая открывала выставку, могли пойти на такой риск, как выставить подделки, кажется немыслимым.

Итак, в Третьяковке устроена шумная выставка. Она во многом проливает свет на эволюцию супрематизма в творчестве основателя направления и его учеников. Однако запутанная во многих аспектах история коллекции заставляет специалистов и знатоков сомневаться — а подлинного ли Малевича со учениками наблюдают зрители?

Мария Москвичева

Опубликован в газете «Московский комсомолец» №26035 от 7 сентября 2012<\p>

Новая возлюбленная ДиКаприо оказалась приемной дочерью Аль ПачиноУмер Николай Караченцов: звездные образы актера в фотоЗудина, Мединский, Машков на церемонии открытия бюст Табакову в МХТКерчь, фото погибших в колледже: галерея памятиПогибла КВНщица Марина Поплавская: роли и образы харизматичной юмористкиСамая сексуальная мотогонщица Москвы погибла в ДТП: последние фото Ольги ПетровойУбийство в Керчи: фото погибшихКерчь простилась с жертвами бойни в колледже: скорбные кадрыПоявились новые фото из взорванного колледжа в Керчи

Популярно в соцсетях

Николай Караченцов исполняет знаменитую арию из рок-оперы «Юнона и Авось»Жуткое наводнение практически смыло Туапсе: кадры апокалипсисаИркутский педофил после преступления скрывался от полиции в лесуСК опубликовал шокирующие кадры из колледжа в КерчиПосле взрыва в Керчи к колледжу стянули военную техникуРаненых вывозят из взорванного колледжа в Керчи: видеоВ Керчи прогремел взрыв в колледже, 10 погибших: кадры с места«Владислав Росляков массово вешал котов»: рассказ соседки из КерчиМосквичи цветами и свечами почтили память жертв бойни в КерчиВедущие «России 1» объяснили интервью погибшей в Керчи студентки Светлана КовалеваБолтон рассказал, чем Россия взбесила США: «Терпеть это невозможно» Дмитрий МузалевскийНазвана главная мишень «керченского стрелка» Артем КошеленкоКто стоит за «керченским стрелком» Герман Пятов, хирург , координатор проекта помощи сиротам Мурзик.руЖене Гогена Солнцева грозит паралич лица и потеря речи Артем Кошеленко«Нас спасла шутка с портфелем»: новые детали керченской бойни Ирина БоброваЖизнь в СИЗО Мамаева и Кокорина: моют отхожие места по очереди Ева МеркачеваСтрашнее диагноза «рак»: Рыбина и Сенчукову одолел вирус нелюбви Татьяна ФедоткинаВ Москве задержан высокопоставленный сотрудник МВД: воровал ради жены Станислав ЮрьевБабушка керченского стрелка: приходил с другом в синей форме Дмитрий МузалевскийКураев объяснил, почему россияне, вопреки Путину, не попадут в рай Екатерина СажневаНовый премьер-министр ДНР ликвидирует преступный синдикат Захарченко Артур Аваков, Дмитрий Трофименко«Дьявол, больше ничего»: отец керченского стрелка рассказал о сыне Лиза ДубровскаяВрач, выдавший Рослякову справку об оружии, объяснил мотивы Светлана Самоделова«Решила зайти в морг и опознала сына»: жертвы керченской бойни Екатерина СвешниковаМосква отказалась пропустить корабли НАТО в Азовское море Егор ГавриловЭксперт рассказал об оружии «керченского стрелка» Рослякова: одноразовое турецкое ружье Дмитрий ПоповВ колледже Керчи погибли учительница математики и ее дочь Ирина БоброваПоявилось фото подозреваемого, устроившего теракт в Керчи MK.RUОсобенного сына Эвелины Бледанс госпитализировали в Москве Артем КошеленкоТеракт и взрыв в колледже Керчи: онлайн MK.RUЖенившийся на 50-летней россиянке нигерийский принц скончался MK.RUЖена Гогена Солнцева бросила его после пластики Артем КошеленкоМуж загрызенной заводчицы бордоских догов заступился за собак Дмитрий ПогореловБлог Лидии Сычевой: Год Антарктиды и «восьмой флот»Блог Ерлана Журабаева: Ящик, похожий на гроб с шарманкойРостов-на-Дону Пропавшую Маргариту из ЖК «Суворовский» нашли мертвой в РостовеУфа Криминальный авторитет Галим попался на вымогательстве в уфимском ресторане «Морошка»Уфа Назначение Хабирова главой Башкирии стало сюрпризом для кремлевских кураторов ХамитоваЧелябинск Школьник, убивший сестру в Челябинске и изуродовавший ей лицо, был фанатом рэпера ОксимиронаЕкатеринбург Кризис доверия в Алапаевске: городская дума отправляет главу Сергея Беспалова в отставкуКрым Керчь прощается….

Источник: https://www.mk.ru/culture/2012/09/06/745538-v-tretyakovke-vyistavili-malevicha.html

«НАС БУДЕТ ТРОЕ». К.Малевич, Н.Суетин, И.Чашник — выставка авангарда в Третьяковской галерее

halloart_ruchernov_vlad

     Выставка «…НАС БУДЕТ ТРОЕ… Казимир Малевич. Николай Суетин. Илья Чашник.

Живопись и графика из коллекции Sepherot Foundation» доступна для зрителей в Государственной Третьяковской галерее по 25 ноября 2012 года.

Прочтение пресс-релиза выставки не оставляет и малейших сомнений, кого же следует считать главной звездой авангардной троицы.

     Трудно опровергнуть гениальность Казимира Малевича, открывшего ящик Пандоры и выпустившего на белый свет явление, позже получившее название Contemporary Art.

Посредственный живописец и рисовальщик, не имевший возможности конкурировать с лучшими художниками начала ХХ века на традиционном холсте, Малевич сумел перенести художественное действие за пределы картины.

Но вот что удивительно, одновременно с увлечение русским авангардом растёт мастерство живописца, словно «Черный квадрат» послужил художественным катализатором или допингом. Сравните раннего Малевича и Малевича-супрематиста 1920-х и 1930-х годов — как будто творили художники, разные по силе.

     Я не сомневаюсь, что приверженцы творчества Малевича, которых немало, выступят с опровержениями эпитета: посредственный живописец и рисовальщик. Спорить в таком случае обычно бессмысленно, ибо Черный Квадрат уже давно стал арт-религией, в которой Казимир Малевич выступает в роли пророка или мессии. Можно пошутить, что не столь давно в России принят закон об уголовной ответственности за оскорбление чувств верующих. Потому придётся умерить свой критический пыл и не ввязываться в бесплодные склоки. Тем более, что в изобразительном искусстве как нельзя лучше применима народная мудрость: «Лучше один раз увидеть, чем сто раз услышать». Поэтому предлагаю взглянуть на раннего Малевича, когда тот без особого успеха пытался рисовать в стиле импрессионизма. Мне кажется, эти картины свидетельствуют гораздо авторитетнее, нежели сотни критиков.
     В реальности эти картины ещё более блеклые и скучные. Формальные признаки стиля налицо, но на плоском холсте не найти буйства цвета, краски ровным слоем распределены по всей площади полотна. На фотографии я попытался показать импрессионистские опыты Малевича как бы при естественном солнечном освещении, при котором они смотрятся более ярко и выигрышно, нежели в полутьме выставки. Конечно, если в данном случае возможно использовать эпитеты «ярко и выигрышно». И нельзя сказать, что молодой Малевич только учился рисовать, ведь в 1906 году художнику исполнилось 27 лет, вполне зрелый возраст. Но зато в 1910-х годах на смену закомплексованному великовозрастному ученику приходит смелый творец-новатор.     К импрессионизму Малевич возвращается в конце 1920-х — 1930-е годы. К тому времени, ценою долгих занятий живописью, этот стиль даётся художнику значительно лучше. Известно, что многие картины периода 1930-х Казимир Малевич подписывает фальсифицированной датой, как будто нарисовал в самом начале ХХ века. Этот обман впоследствии был выявлен исследователями творчества автора «Черного квадрата». Следовательно, художник уделял импрессионизму не меньшее внимание, нежели авангарду, и стремился оставить о себе память как о талантливом художнике-импрессионисте. Иначе к чему бы мухлевать с датами? Впрочем, точно так же обнаружились десятки, если не сотни, авангардистских работ Малевича, датированные 1910-ми годами, а на самом деле написанные в конце 1920-х – начале 1930-х. Глядя из начала XXI века почти на столетие назад, обижаться на Мастера за приём-мистификацию, ставших привычными в мире Contemporary Art, не приходится. Картины ведь были отличные!

     Ничто лучше не демонстрирует мастерство художника, нежели рисунок. Предлагаю вашему вниманию несколько ранних, доквадратных рисунков Казимира Малевича, которые также можно увидеть на выставке.

     Не получив желаемую славу в традиционном изобразительном искусстве, Казимир Малевич поступает более чем гениально.

Оставив талантливым художникам привычное для них поле боя, Малевич переносит искусство за рамки картин и рисунков. Малевич открывает мир актуально-современного искусства.

Теперь становится важно не то, что нарисовано на холсте, а как, с кем, и в каком контексте.

     Следует признать, что сам Казимир Малевич и другие русские художники испытывали увлечение новым искусством довольно непродолжительный срок. Период русского авангарда продлился с предреволюционного времени и завершился по мере угасания революционной свободы, граничащей со вседозволенностью. За период в 10-15 лет Малевич со товарищами успели нарисовать тысячи черных (и не только черных) квадратов, квадратиков, прямоугольников и треугольников, кругов и самых разнообразных геометрических фигур… Всё это художественно-геометрическое множество вы сможете увидеть на выставке. Открыв новую художественную тему, Малевич успешно развил её и закрыл, казалось бы, навсегда, оставив своим последователям лишь возможности стать эпигонами и графоманами.     После Второй мировой войны Европа в лице арт-лидера Франции естественным образом теряют статус главного законодателя художественных мод, и на первые роли выходит арт-рынок США. Американские арт-инженеры вспоминают великое открытие гениального русского, и, пользуясь тем неоспоримым преимуществом, что за изобретение Contemporary Art не нужно платить денег, отряхивают пыль с творчества Малевича и окончательно заменяют изобразительное искусство искусством рекламы и маркетинга. Народные массы требуют массового искусства, и предложение следует за спросом. Квадраты и треугольники легко производить, технологично тиражировать и можно успешно продавать, если предварительно вложить миллион–другой в раскрутку имени художника. В таком искусстве становится достаточно одного имени, сам художник, его личность и талант переходят на вторые-третьи роли. Отныне арт-шедевры производят никому неизвестные рабочие, механики, электрики, используя своеобразную арт-франшизу. Имя художника превращается в виртуальный бренд, за которым стоят интересы арт-корпораций и групп влияния.     Неудивительно, что насмотревшись на выставке сотни геометрических фигур, нарисованных за короткий период Казимиром Малевичем, Николаем Суетиным, Ильёй Чашником, вдумчивого зрителя тошнит от квадратов, которые в миллионный раз эксплуатируют современные деятели актуально современного искусства. Словно не замечая, что с тех пор прошло столетие.

     Начав с критики Малевича-художника и естественным образом отклонившись к критике актуально-современного искусства, я прихожу к парадоксальному выводу. Казимир Малевич — гениальный художник, если судить по тому влиянию, какое он оказал на искусство ХХ века.

На фоне основной массы контемпорари-авторов творчество Малевича смотрится более ярким и, не побоюсь использовать нелогичное сравнение, более свежим. Актуально-современное искусство в начале XXI века постигло банкротство. Точнее, инфляции и банкротству подверглась самая значимая часть из этого словосочетания, означающая изобразительное искусство.

В то время как многие работы Казимира Малевича, выполненные в 1920-е годы в стиле авангарда, способны увлечь даже самого скептически настроенного любителя искусства. Невольно вспоминается отличные картины Малевича, которые можно было увидеть в июле-августе 2012 года на выставке «ХХ ВЕК: ИЗБРАННОЕ. Из коллекции Московского музея современного искусства».

Вот только жаль, что ничего и близко подобного по качеству не было показано на выставке в Третьяковской галерее.

Читайте также:  Описание картины «золотая осень» — исаак ильич левитан

Ссылка по теме: Подробнее о выставке «…НАС БУДЕТ ТРОЕ… Казимир Малевич. Николай Суетин. Илья Чашник» в Третьяковской галерее смотри и участвуй в обсуждении на сайте Нового форума изобразительного искусства halloART.ru 

Источник: https://halloart-ru.livejournal.com/8311.html

Цена вкуса. Рейтинг самых дорогих картин в коллекциях российских бизнесменов

Густав Климт, Фрэнсис Бэкон, Герхард Рихтер — полотна каких художников выбирают миллиардеры

Густав Климт «Водяные змеи II»

Владелец: Дмитрий Рыболовлев

Полотна Климта числятся в десятке наиболее дорогих картин мира, будь то аукционные или закрытые сделки. В 2006 году Рональд Лаудер прибрел «Портрет Адели Блох-Бауэр I» для своей Neue Galerie за $135 млн.

«Водяные змеи II» (1907) относятся к тому же «золотому периоду» в творчестве Климта, что и названный портрет, и это полотно тоже никогда не выставлялось на торги.

В 2012 году арт-дилер Ив Бувье, подбиравший картины для Дмитрия Рыболовлева, уговорил наследников живописца продать «Змей».

Цена сделки, как и других покупок Рыболовлева, раскрылась три года спустя в ходе судебной тяжбы: миллиардер обвинил арт-дилера в завышении вознаграждения за посредничество (о злоключениях Бувье написал Vanity Fair). Представитель Рыболовлева не подтверждает цифру, ссылаясь на то, что разбирательство продолжается и информация по делу конфиденциальная.

Фрэнсис Бэкон «Триптих»

Владелец: Роман Абрамович

Бывший акционер «Сибнефти», а на тот момент губернатор Чукотки, купил «Триптих» в мае 2008 года на Sotheby’s в Нью-Йорке. Картина-аллегория, созданная мастером фигуративной живописи в 1976 году, впервые оказалась на аукционе. Более 30 лет она хранилась в семье Муэкс, владеющей знаменитой винодельней Chateau Petrus.

За произведение из трех частей, каждая размером два на полтора метра («знаковое для художественного канона XX века»), торговались три участника, делая ставки по телефону. Цена, уплаченная Абрамовичем, оставалась рекордной для работ Бэкона, пока в 2013 году «Три наброска Люсьена Фрейда» не были куплены на Christie’s за $142,4 млн.

Покупатель, по данным американской прессы, — совладелица сети отелей и кази- но Wynn Resorts Элейн Винн.

Клод Моне «Пруд с кувшинками»

Владелец: Андрей Мельниченко

Моне создал в 1919 году четыре варианта «Пруда с кувшинками». Эту серию эксперты относят
к числу его лучших работ позднего периода. Одна из картин была разрезана покупателем на две части, проданные по отдельности. Другой вариант последний раз продавался на Christie’s в 1992 году за $12,1 млн.

Третий хранится в музее Метрополитен. В июне 2008 года на Christie’s выставлялся четвертый — из коллекции американского промышленника Джозефа Миллера. За этот «Пруд» торговались шесть биддеров, победитель предложил цену на 70% выше эстимейта — абсолютный рекорд для работ Моне.

Позднее Forbes выяснил, что полотно оказалось в собрании основателя «Еврохима».

Герхард Рихтер «Абстрактный образ 745-2»

Владелец: Константин Григоришин

Бизнесмен, инвестирующий в энергетические, промышленные и транспортные активы, начал коллекционировать живопись в 1993 году: русская классика, авангард, затем западное искусство. Точно не известно, когда он купил «Абстрактный образ 745-2» (на аукционах картина не выставлялась), но в 2012 году эта работа уже была в собрании владельца «Энергетического стандарта».

В том же году две картины самого известного современного художника Германии продались на Sotheby’s: «Абстрактный образ 712» за $17,4 млн и «Абстрактный образ 809-4» за $34,2 млн. Даже с инве- стиционной точки зрения Григоришин сделал хорошее вложение. Герхард Рихтер — неизменно дорогой художник.

Так, в феврале 2015 года «Абстрактный образ 599» ушел на Sotheby’s за $46,3 млн.

Посмотреть на работы Герхарда Рихтера можно на выставке «Абстракция и образ».

Марк Шагал «Видение. Автопортрет с музой»

Владелец: Вячеслав Кантор

Владелец группы «Акрон» приобрел «Видение» Шагала в начале 2000-х. Возможности включить картину в свою коллекцию он ждал семь лет. «Наследник перед смертью дал поручение продать работу именно мне по определенной цене», — рассказывал Кантор в интервью Forbes.

На тот момент самым дорогим полотном Шагала считался «Юбилей» 1923 года, проданный на Sotheby’s в 1990 году за $14,9 млн. За прошедшее время шедевры авангардистов выросли в цене более чем вдвое, так что Кантор мог заплатить за «Видение» до $30 млн. Картины Шагала нередко появляются на аукционах, но в основном это поздние работы.

«Видение» же уникально: оно создано в 1917–1918 годах в Витебске, куда Шагал с семьей вернулся из Петрограда, и отражает воспоминания художника о парижской жизни.

Василий Кандинский «Эскиз к импровизации No8»

Владелец: Петр Авен

«Импровизации» Кандинского, созданные в 1909–1910 годах, называют пово- ротными в его творчестве: от фигуративной живописи он переходит к абстракции. «Эскиз No8» с 1960 года принадлежал благотворительному трасту Volkart Foundation и на ноябрьском аукционе Christie’s 2012 года в Нью-Йорке сменил собственника.

Картину купил банкир Петр Авен, чья коллекция русского искусства считается луч- шей среди частных. Ни одна работа Кандинского до сих пор не продавалась дороже. В то же время нельзя сказать, что Авен переплатил.

«Эскиз к импровизации No3», ушедший в 2008 году с молотка за $16,9 млн, спустя пять лет был продан за $21,2 млн.

Казимир Малевич «Прямоугольник и круг»

Владелец: Александр Смузиков

«Прямоугольник и круг» выставлялся на Sotheby’s в 2003 году с эстимейтом $5–7 млн, но не нашел покупателя. Картина написана в 1915 году, тогда же, когда манифест «От кубизма к супрематизму» и знаменитый «Черный квадрат».

Малевич привез ее на персональную выставку в Берлин в 1927 году, потом она хранилась у директора Провинциал-Музеума в Ганновере (ныне Музей Нижней Саксонии), затем в Бостоне и лишь в 1999 году была передана наследникам художника.

Осенью 2012 году в Третьяковской галерее прошла выставка супрематических картин «Нас будет трое…» из коллекции Александра Смузикова, среди них был «Прямоугольник и круг». Бизнесмен, вероятно, приобрел картину во второй половине 2000-х, когда авангард сильно поднялся в цене, и мог заплатить за нее около $10 млн.

Пьер Огюст Ренуар «Площадь перед церковью Святой Троицы»

Владелец: Виктор Вексельберг

Живопись не главная тема Музея Фаберже, созданного владельцем группы «Ренова». Основа экспозиции — коллекция ювелирных изделий, купленная за $100 млн (в том числе девять императорских пасхальных яиц). Для украшения залов Шуваловского дворца
в Санкт-Петербурге, где разместился музей, подбирались полотна именитых русских и европейских художников.

Ренуар четырежды рисо- вал площадь перед церковью Святой Троицы — одно его из любимых мест в Париже. Вариант 1893 года считается лучшим. В 2001 году картина была продана на аукционе Christie’s в Нью- Йорке за $2,8 млн. Вексельберг купил ее в 2009 году.

Если учесть темп роста цен на им- прессионистов, можно предположить, что за Ренуара он отдал не менее $5 млн.

Георгий Нисский «Над снегами»

Владелец: Алексей Ананьев

Торги за знаковую работу выдающегося советского художника стали сенсацией лондонского аукциона Sotheby’s в июне 2014 года. «Над снегами» полвека хранилась в запасниках Союза художников СССР, а затем Международной конфедерации союзов художников. Ставки делали пять участников аукциона. Цена продажи почти втрое превысила эстимейт.

Картина досталась совладельцу холдинга «Промсвязькапитал» Алексею Ананьеву. В финале с ним бился другой крупный российский бизнесмен — коллекционер живописи ХХ века. Ананьев купил «Над снегами» для своего музея — Института русского реалистического искусства. «Цель приобрести эту работу стояла изначально, — объяснял он Forbes.

— Важно, что она оказалась именно у нас, а не за рубежом и не в частной коллекции без возможности экспонирования».

Борис Кустодиев «Венеция»

Владелец: Борис Минц

Когда глава инвестиционной О1 Group рассказывал Forbes о своей коллекции, то признался, что еще не покупал картин дороже $1 млн: «Но в принципе миллион за хорошую работу мне не жалко». Буквально через месяц рубеж был перейден.

В ноябре 2013 года на лондонском аукционе MacDougall’s выставлялась «Венеция» Бориса Кустодиева: необычный для автора сюжет, нетипичная манера письма. Прекрасный провенанс — картина из старой советской коллекции, выставлялась в музее Акаде- мии художеств СССР, последние десятилетия находилась в частном собрании в Европе.

Теперь «Венеция», какой ее увидел Кустодиев в 1913 году, доступна для обо- зрения в Музее русского импрессионизма, открытом Минцем в Москве.

Понравился наш сайт? Присоединяйтесь или подпишитесь (на почту будут приходить уведомления о новых темах) на наш канал в МирТесен!

Источник: https://art.mirtesen.ru/blog/43396549304/next

«…нас будет трое…» Казимир Малевич. Николай Суетин. Илья Чашник

«…нас будет трое…» – писал Малевич в письме Суетину об узком круге супрематистов-новаторов. Н. Суетин и И. Чашник были ближайшими соратниками К.Малевича, втроем они действительно ощущали себя тесным творческим сообществом. Третьяковская галерея представляет произведения основателя супрематизма и его учеников.

Многие из них впервые экспонируются в России и неизвестны широкой публике. Коллекция произведений К. Малевича в Sepherot Foundation охватывает почти все периоды его творчества. Самые ранние примеры – два импрессионистических этюда, написанные в Курске, где Малевич провел юность и где начал художественную карьеру.

Графическая манера Малевича конца 1900-х годов развивалась в стилистике модерна и символизма. Рисунок «Общество» (1908) примыкает к так называемой «Серии белых» работ на тему городской жизни и светского общества. В «Зимнем пейзаже» (нач.1910-х) чувствуется увлечение эстетикой «Бубнового валета». Здесь К.

Малевич использовал арсенал приемов неопримитивизма: нарочитую грубость и экспрессивную манеру рисунка, предельное упрощение. Коллекционировать К. Малевича, И. Чашника, Н. Суетина непросто.

Большинство холстов и рисунков уже давно находятся в крупнейших музеях мира; надежд на новые открытия, появление ранее неизвестных или считавшихся утраченными произведений практически не осталось.

Тем ценнее те немногочисленные работы, которые попадают в поле зрения частных собирателей, складываясь в качественные и содержательные коллекции; их освоение в современной выставочной и научной практике представляется необычайно важным для изучения наследия авангарда.

Фонд Sepherot предоставил для экспонирования в Третьяковской галерее 14 произведений К. Малевича (4 живописных и 10 рисунков), 55 работ И. Чашника (графика и гипсовый рельеф) и 35 – Н. Суетина (из них 1 живопись). К выставке подготовлен каталог, в котором собраны статьи, посвященные художникам и их творческому союзу, биографические материалы и фотографии. Куратор выставки и автор каталога – Татьяна Горячева (Третьяковская галерея).

Все трое познакомились после революции в Витебске, где Суетин и Чашник учились у Марка Шагала. Когда в училище приехал Малевич, большинство студентов ушло к нему.

 В те годы Витебск достиг невероятной плотности мэтров на квадратный метр. В 1918-м здесь открылось народное художественное училище.

Директором стал Мстислав Добужинский, уехавший затем в эмиграцию – как и Иван Пуни, руководивший в Витебске мастерской плаката, и его жена Ксения Богуславская (вела декоративно-прикладную мастерскую).

Работал здесь и Эль Лисицкий, с которым автор «Черного квадрата» разделит славу создателя архитектонов.

 Малевич и созданный им УНОВИС (объединение «Утвердители нового искусства») определяли жизнь города.

Жена Алексея Толстого вспоминала: «Я попала в Витебск после Октябрьских торжеств, но город еще горел от оформления Малевича — кругов, квадратов, точек, линий разных цветов и шагаловских летающих людей.

Мне казалось, что я попала в завороженный город, но в то время было всё возможно и чудесно, и витебляне на тот период времени заделались супрематистами. По существу же горожане, наверное, думали о каком-нибудь новом набеге, непонятном и интересном, который надо было пережить».

 В итоге город не выдержал интеллектуального удара: Малевича выжили. В Петрограде он возглавил Институт художественной культуры, закрывшийся после обсуждения эпохального труда директора – «Введения в теорию прибавочного элемента в живописи».

Суетин и Чашник оставались его единомышленниками, хотя тот же Чашник беспрерывно полемизировал с учителем.

Но, кажется, Малевич больше всех горевал о смерти Чашника – ушел самый важный, наверное, собеседник в его жизни, самый последовательный из супрематистов. Возможно, даже более последовательный, чем сам Малевич.

В отличие от многих, он понимал, что супрематизм – это не просто занятие беспредметным, но философская концепция.

«…нас будет трое…» Казимир Малевич. Николай Суетин. Илья Чашник 2012 в месте: Новая Третьяковка — в Москве — описание и программа мероприятия, дата, место и время проведения — цены на билеты, отзывы.

Источник: https://www.2do2go.ru/events/3599/nas-budet-troe-kazimir-malevich-nikolay-suetin-ilya-chashnik

Ссылка на основную публикацию