Авиньонские девицы, пабло пикассо, 1907

Авиньонские девицы

Авиньонские девицыart_shmartOctober 2nd, 2008Помнится здесь уже заходил разговор о Пабло Пикассо, если не изменяет память о «Гернике».

Ну что ж, полагаю было бы не разумно обойти вниманием ещё один из многочисленных шедевров великого испанского художника, «Авиньонских девиц», тем паче, что с неё-то и начался кубизм, как принято считать в современном искусствознании.Пабло ПикассоАвиньонские девицы (Les Demoiselle d'Avignon) — 1907 г.Холст, масло.

243,9 233,7Музей современного искусства, Нью-Йорк.«Авиньонские девицы» — первая картина кубического периода Пикассо, написана в 1907 году. Вдохновением для данной картины, возможно послужила картина Поля Сезанна «Купальщицы», а также выставка иберийской скульптуры, прошедшая в Париже в 1906 году.

Первоначальное название картины — «Философский бордель», окончательное название «Авиньонские девицы» дал писатель Андре Салмон, друг художника.Картина навеяна борделем в квартале Калле д’Авиньон Барселоны. на картине изображено пять обнажённых женщин, написанных в разной манере.

Две правые фигуры с лицами напоминающими маски — начало нового течения в живописи, кубизма. Женщины написаны в розового-охристых тонах, фон в голубых тонах, прослеживается влияние «розовых» и «голубых» периодов творчества Пикассо.Картина наделала много шуму среди парижских художников.

Под впечатлением от картины Жорж Брак написал свою «Обнажённую», также влияния данного полотна просматривается в творчестве Андре Дерена и Робера Делоне.В 1920 году картину приобрёл коллекционер Жак Дусе, до этого картина не выставлялась. Впервые полотно попало на выставку в 1937 году.

Благодарю доблестного борца с невежеством http://ru.wikipedia.org/

Авиньонские девицы.В 1905 г. Пикассо создает свою знаменитую серию «Акробаты», «Девочка на шаре», «Семья акробатов» и другие композиции «розового» периода, исполненные мягкого лиризма, еще более детализированные, близкие к натуре, чем предыдущие работы. Они не предвещают того перелома в творчестве художника, который наступает внезапно и со всей резкостью проявляется впервые в большой композиции «Авиньонские девицы». Эта картина была начата в 1906 г. в манере, довольно близкой предыдущим: портрет Гертруды Стайн, «Две обнаженные женщины» (обе картины написаны в 1906 г.). Но когда она была закончена, в 1907 г., в ней не осталось ничего, что напоминало бы прежнего Пикассо «розового» периода. Пять обнаженных женских фигур, изображенных в разных ракурсах, заполняющих почти всю поверхность холста, как бы грубо вытесаны из твердого дерева или камня. Тела предельно обобщены, лица лишены выражения. Складки драпировок, составляющих фон картины, создают ощущение распада и дисгармонии.

Авиньонские девушки. П. Пикассо. 1907 год.

Картина Авиньонские девицы (Нью-Йорк, Музей современного искусства), которую Пикассо решился выставить лишь много лет спустя после ее создания, является одним из самых революционных произведений начала 20 в. На первый взгляд, это всего лишь вариация традиционного сюжета — купальщицы на фоне пейзажа. Однако нарочитые смещения форм создают эффект, автономного пространства.

Холст более не рассматривается как окно в иллюзорное пространство. Картина теперь не считается подражанием природе и вообще чему бы то ни было; отныне она самоценный, независимый объект.

В картине Авиньонские девицы изображение состоит из нескольких фрагментов живописных плоскостей, которые оказываются не жестко скрепленными, а находящимися в свободном движении друг относительно друга. Если зритель смотрит на верхний правый угол картины, он с большим трудом может обнаружить плоскости, разграничивающие объемы предметов и пустое пространство.

Такого разделения — одного из основополагающих понятий для всей предшествующей западноевропейской живописи — в этой работе не существует. Искаженные формы со срезанными углами и совмещением фрагментов разных пространственных планов передают ощущение необработанности первичной материи.

В поисках первобытной энергии и мощи Пикассо, как уже отмечалось, обращался к мотивам иберийской скульптуры и африканских резных деревянных масок — формам примитивного искусства, которые в начале века вызывали огромный интерес у парижских художников и любителей искусства.

Замысел и композиция картины Авиньонские девицы соответствуют эстетике кубизма — направления в искусстве, которое создали ок. 1909 Пикассо и Брак. Первая фаза развития этого течения (1909—1912) получила название «аналитический кубизм»: предметы, все еще узнаваемые, как бы разложены на составляющие их абстрактные геометрические формы.

Направление развития кубизма на ранней стадии можно последовательно проиллюстрировать картинами Пикассо: Сидящая женщина (1909, Лондон, коллекция Пенроуз), Портрет Канвайлера (1910, Нью-Йорк, частное собрание) и Моя красавица (1911, Нью-Йорк, Музей современного искусства).

Постепенно сюжет теряет свое значение; различие между предметами и свободным пространством исчезает, композиция становится все более дробной. Вопреки расхожему мнению, в цели Пикассо и Брака не входило изображение предмета одновременно с разных точек зрения.

Скорее они стремились использовать предметы как средство исследования новых пространственных отношений, которые могли существовать только внутри самой картины и не были связаны со зрительным восприятием реального мира.Картина произвела глубоко удручающее впечатление на друзей художника. Одни сочли ее мистификацией, другие заговорили о душевной болезни автора. Ж.

Брак, увидевший «Авиньонских девиц» одним из первых, возмущенно заявил, что Пикассо хочет заставить его «есть паклю и пить керосин». По свидетельству Гертруды Стайн, известный русский коллекционер С. И.

Щукин, большой поклонник живописи Пикассо, будучи у нее после посещения мастерской художника, чуть ли не со слезами на глазах воскликнул: «Какая потеря для французской живописи!» Маршаны, до того скупавшие все работы Пикассо, отказались приобрести эту картину, значение которой в 1907 г. поняли, кажется, только два человека – Гийом Аполлинер и Даниель Анри Канвейлер.

Именно эта картина, так и оставшаяся непризнанной, знаменует начало нового, «негритянского» периода в творчестве Пикассо и нового направления в мировом искусстве – кубизма.«Картина «Авиньонские девицы» не является в собственном смысле кубистской картиной, – пишет крупнейший английский исследователь Джон Голдинг. – Кубизм реалистичен… в некотором смысле это – искусство классическое.

«Девицы» же производят впечатление крайней напряженности… Вместе с тем этот холст, бесспорно, отмечает перелом в творчестве Пикассо и, более того, начало новой эры в истории искусства. Он является логической отправной точкой в истории кубизма.

Анализ картины отчетливо показывает, что большинство проблем, над которыми позднее будут совместно работать в процессе создания стиля Брак и Пикассо, здесь уже поставлены, может быть, еще неумело, но впервые достаточно ясно».По свидетельству Г. Стайн (портрет которой осенью 1906 г.

заканчивал Пикассо), именно в период работы над «Авиньонскими девицами» художник благодаря Матиссу познакомился с африканской скульптурой. М. Жорж-Мишель в книге «Живописцы и скульпторы, которых я знал» вспоминает о посещении Пикассо вместе с Аполлинером экспозиции негритянского искусства в Музее этнографии Трокадеро.

По словам Жорж-Мишеля, Пикассо «вначале легкомысленно развлекался, но затем страстно увлекся безыскусственными варварскими формами». Можно добавить, что в 1906 г. Пикассо познакомился с Дереном, который находился тогда под сильным впечатлением от африканской скульптуры, открытой им в Британском музее.

Поэт и критик Андре Сальмон, всемерно поддерживавший новое направление в искусстве, был первым указавшим на связь между созданием знаменитой картины и африканской скульптурой. Сальмон пишет, что в 1906 г. Пикассо переживает значительный кризис. «День и ночь он тайно трудится над картиной, пытаясь воплотить в ней свои новые идеи.

К этому времени художник уже увлекся искусством негров, считая его более совершенным, чем египетское. Причем особенно он ценил его конструктивность, считая, что дагомейские или полинезийские образы предельно лаконично передают пластическую сущность предмета».

По свидетельству Сезанна, Пикассо явно отдавал себе отчет в том, что в африканской скульптуре его привлекает безыскусственная пластичность, непосредственность. В связи с этим следует упомянуть также замечание русского критика Тугендхольда в статье о коллекции С. И. Щукина. «Когда я был в мастерской Пикассо, – писал Тугендхольд, – я увидел там черных идолов Конго, я вспомнил слова А.

Н. Бенуа о… предостерегающей аналогии между искусством Пикассо и религиозным искусством африканских дикарей и спросил художника, интересует ли его мистическая сторона этих скульптур… Нисколько, ответил он мне, меня занимает их геометрическая простота».Геометрическая простота фигур – именно то, что прежде всего бросается в глаза в «Авиньонских девицах».

Причем лица двух правых фигур прямо ассоциируются с африканскими ритуальными масками. По рисунку и цвету эти головы резко отличаются от остальных, и композиция в целом производит впечатление незаконченности.

Рентгенограмма картины показала, что обе эти фигуры, самые новаторские и в то же время самые «негритянские», были написаны вначале в той же манере, что и остальные, но вскоре переписаны заново. Предполагают, что они были переработаны после посещения художником этнографического музея, когда он «страстно увлекся» африканской скульптурой.«Я сделал половину картины, – объяснял Пикассо, – я чувствовал, что это не то! Я сделал иначе. Я спросил себя: должен ли я переделать все целиком. Потом сказал: нет, поймут, что я хотел сказать».1906 г. был определяющим для дальнейшей направленности его творчества, именно в это время Пикассо переходит от реализма сентиментального к реализму пластическому. Пикассо больше не удовлетворяют его предыдущие достижения. «Все это от чувства!» – заявил он в 1906 г. другу по поводу своих предыдущих работ. Уяснение этого момента (отрицание чувства, переживаний как основы творческого импульса) очень важно для правильного понимания тех задач, которые были поставлены пионерами кубизма.В этом смысле весьма характерны известные афоризмы Ж. Брака – одного из основателей этого направления: «Я люблю правило, которое корректирует переживание», «Чувства деформируют, рассудок – формирует», «Эмоция не должна передаваться взволнованным трепетом. Она не усиливается и не имитируется. Она есть завязь, произведение – распустившийся цветок». Однако эти формулировки появились позднее, когда Брак в тесном сотрудничестве с Пикассо уже далеко ушел по новому пути. Вначале шокированный больше других «Авиньонскими девицами», он вскоре оказался первым признанным представителем направления, которое именно его работам обязано своим названием.

Автор реферата не известен, а адрес текста http://www.kultreferat.popal.ru/printout2035.html

По ссылке находится статья Е. Ракчеевой о рассматриваемом полотне.

Источник: https://art-shmart.livejournal.com/7181.html

«Авиньонские девицы».Пабло Пикассо Эта картина, написанная Пабло пикассо в 1907 году и ставшая значительным этапом на личном творческом пути художн..

«Авиньонские девицы».Пабло Пикассо

Эта картина, написанная Пабло пикассо в 1907 году и ставшая значительным этапом на личном творческом пути художника, во многом определила судьбу изобразительного искусства вообще. Не смотря на то, что полотно впервые увидело свет лишь тридцать лет спустя после написания, оно явилось миру открытой дверью в авангард.

Ведь первыми зрителями «Девиц» стали художники — современники Пикассо: Ж. Брак, А. Дерен, А. Матисс… Последний высказывался крайне критически о полотне, и в этом «суждении» усматривается глубоко личный мотив.

Представляется небезосновательным предположить, что избалованный признанием публики, честолюбивый француз, просто-напросто приревновал к картине, увидев именно в «Девицах», а не в своем «Танце» ключ к дальнейшему развитию живописи.

Парижская богема разделилась на два «лагеря», в одном из которых были «за» «Девиц», в другом — «против». Вот Жорж Брак, например, принадлежал к «правым».

Ставший одним из «учредителей» кубизма, в паре с Пикассо он прошел «аналитическую» стадию. Свою обнаженную Брак написал, вдохновившись «Девицами». Но и у знаменитого испанца был свой творческий «наставник».

Поль Сезанн во многом предвосхитил аналитический подход Пикассо, привнеся в живопись геометрический принцип трактовки формы.

Говоря об «Авиньонских девицах» Пикассо, нельзя не вспомнить о «Купальщицах» Сезанна. И это не единственная предпосылка. Канон иберийской пластики — популярного в то время среди художников ответвления архаического искусства, — легший в основу «Африканского периода» Пикассо, нашел свое воплощение и в этой картине.

Завершая вышеозначенный творческий этап художника, «Авиньонские девицы» «провозглашают» следующий. Отодвигающая занавес рука на заднем плане имеет двойное значение: раскрывая перед зрителем пространство Кубизма, она свидетельствует о театральности происходящего на полотне.

Живопись и театр — два увлечения Пикассо — встречаются в этой картине.

Начиная «Девиц», Пикассо предполагал «разыграть сцену» из жизни барселонского публичного дома в квартале Калле Де. Авиньон, и рабочее название полотна было — «Философский бордель».

О какой же философии шла речь?
На время создания этой картины приходится кризис в отношениях Пикассо со своей первой спутницей, француженкой Фернандой Оливье. Пикассо заводит отношения на стороне.

В свете событий личной жизни художника, задуманная им картина представляется некоторой квинтэссенцией его внутреннего состояния на тот период жизни, а в названии, данном творению, усматривается ирония. Спустя девять лет совместной жизни, художник начинает сомневаться в чувстве, проверяя его силу в альтернативных связях.

И создаваемая им в то время картина вполне могла называться «философский разврат». Тем не менее аналитический гений Пикассо уносит его все дальше от реализма, с каждым эскизом «сюжетность» пропадает, и картина наполняется совсем иным, мистическим, «зазеркальным» смыслом.

«Демонизм в творчестве Пикассо»: именно эта картина подсказала искусствоведению столь соблазнительную тему.
Меняется и название полотна. Близкий друг Пикассо, поэт Анре Сальмон, увидев картину в мастерской художника, предложил «переименовать» полотно в «Авиньонские девицы». Пикассо принял это предложение.

Источник: http://www.inpearls.ru/792203

Авиньонские девицы — 1907 Пабло Пикассо

Ноябрь 28, 2012

„Одно дело видеть и совсем другое — писать ” Пикассо

Читайте также:  Хождение по водам, айвазовский, описание картины

Авиньонские девицы

1907; 243,9х233,7 см
Музей современного искусства, Нью-Йорк

Как же это название действует мне на нервы! — признался Пикассо одному из своих приятелей, когда разговор зашел об «Авиньонских девицах». — Это Сальмон придумал. Ведь вы же знаете, что изначально картина называлась «Бордель в Авиньоне».

Почему? Потому что когда-то я жил в двух шагах от Carrer d'Avingo (квартал публичных домов в Барселоне) Там я, как ни странно, нашел единственную лавку по продаже бумаги и акварели по низкой цене. (…) Сначала я планировал написать и мужчин — клиентов этих заведений.

Вы видели эскизы: студент, держащий череп в руке; моряк; а женщины что-то ели — отсюда и корзина с фруктами. Но потом я все изменил”.

Создавая образы циркачей «розового» периода, Пикассо находился под влиянием творчества Эдуарда Мане. На сей раз источниками вдохновения для него послужили цикл «купальщиц» Сезанна, «Радость бытия» Матисса и, конечно, «Турецкая баня» Энгра, копии которой авторства Пикассо исчисляются десятками. Дерен и Матисс «заразили» Пикассо африканскими масками.

Как выразилась Гертруда Стайн, «они чувствовали в них побуждение к какому-то действию, но не могли понять, к какому». Пикассо оказался более сообразительным.

Необычайные вытянутые линии, искаженные пропорции, заключенный в них ритм, пульс жизни, зажигательные мелодии — все это подвигло художника на создание «Авиньонских девиц», с которыми в искусство пришло новое направление, получившее название «кубизм».

В представленной здесь картине задекларированы все стилистические нормы этого направления. Лица пяти обнаженных женщин напоминают те самые африканские маски, кажутся разбитыми на отдельные фрагменты, пропорции тел искажены. Полотно совершенно лишено общепринятой классической перспективы и считает первым образцом «современного» искусства…

Пикассо умел дружить и делиться со своими друзьями творческими находками. В 1907 году Аполлинер привел художника Жоржа Брака в мастерскую Пикассо. Брак был потрясен «Девицами».

Впоследствии между ним и Пикассо завязалась дружба, они стали сотрудничать и настолько тонко и точно чувствовали творческие порывы друг друга, что зачастую их работы почти ничем не различались.

Художники часто смеялись, обнаружив удивительное сходство своих работ и даже ставили на полотнах одинаковые подписи.

Творчество Пикассо

Поделиться ссылкой в социальных сетях

«Философия Жизни» — это познавательный онлайн-журнал. В нем собраны интересные статьи из разных областей жизни: культура и искусство, наука и религия, история и приключения, география и астрономия, рассказы о знаменитых людях.

«ФЖ» является своеобразным путеводителем по интеллектуальной и культурной жизни. Тематический архив статей поможет легко ориентироваться в выборе интересующего материала. Сетевой журнал «Философия Жизни» может быть интересен широкому кругу читателей.

Добавляйте знания
и делитесь ими!

Знаете ли вы …
…откуда мансарды?

Первым перекрытие, позволяющее устраивать жилую комнату под двухскатной крышей, придумал французский архитектор Франсуа Мансар. Отсюда и название. Кроме как этим изобретением, Мансар почти ничем не знаменит.

Источник: http://www.filoli.ru/artists/091-picasso/devici.php

Картина «Авиньонские девицы»

Дата создания: 1907 год. Тип: Масло на холсте. Габариты: 244*234 см.

Месторасположение: Нью-Йоркский музей современного искусства.

Создание картины

В 1907 году Пабло Пикассо подарил миру одну из самых известных своих картин — «Авиньонские девицы». Данное полотно создавалось в публичном месте, где его автор проводил много времени, пытаясь забыть о несчастной любви. Девушки, работающие в борделе, с радостью и охотой позировали Пикассо для этой картины.

Данные героини лишены какого-либо стеснения, поэтому с легкостью принимали любые, предложенные художником, позы. В руках художника привлекательные округлые женские формы превращались в острые геометрические фигуры, становясь безжизненными.

Тела девушек разделялись на неровные части, которые не могли соединиться вместе, их лица становились угрюмыми и устрашающими, что отражало всю их бездушность.

Пабло Пикассо не единственный художник, который использовал проституток в качестве натурщиц. Густав Климт и Караваджо также давали поводы для общественных скандалов, изображая девушек легкого поведения.

Авиньонские девицы

Пару десятков лет Пабло не показывал данную работу публике. В то время такое полотно было слишком вызывающим и разожгло бы большой скандал. Картину видели только близкие друзья художника, мнения которых были самыми разнообразными: кто-то был восхищен, а кто-то наоборот — ненавидел ее всей душой.

За плечами художника уже большой творческий путь, проходящий через множество стилей и направлений в поисках своего «того самого» пути.

Написание данной картины стало колоссальным прорывом в области изобразительного искусства, выдвинув Пикассо на первый план и сделав его одним из самых популярных живописцев всех времен.

Данная картина стала началом новой эпохи живописи, которую назвали кубизм.

Художник писал данную картину в два подхода, в каждом из которых имеются свои тонкости. Первый этап был самым продуктивным. Во время этого периода Пабло Пикассо нарисовал трех центральных героинь картины, кроме головы той, что находится слева.

Данная картина была своеобразным знаком художника, коим он выразил протест всем издавна установленным художественным правилам, заложенным еще в эпоху ренессанса. Он намеренно делает плавные в реальности черты девушек угловатыми и агрессивными, отягощая зрителю восприятие.

Также большой акцент сделан на острые и злобные черты лица героинь.

Картина «Авиньонские девицы» обновлено: Октябрь 23, 2017 автором: Валентина

Источник: https://artrue.ru/style/abstract/cubism/picasso/avinonskie-devicy.html

Картина Пабло Пикассо «Авиньонские девицы»: описание и история создания

Пабло Пикассо – гений своего времени. Он подарил миру множество шедевров, которые и сегодня вызывают у человечества огромное восхищение. Не стала исключением и картина «Авиньонские девицы», именно о ней пойдет речь в этой статье.

Далее можно будет узнать, как художник создавал это великолепное произведение, где черпал вдохновение и чем было навеяно такое весьма неординарное решение в написании картины. Также будет представлено детальное описание данного полотна.

История создания произведения

Картина Пабло Пикассо «Авиньонские девицы» — это первый опыт художника в написании полотен в направлении кубизма. Автор работал над данным произведением в течение одного года (в период с 1906 по 1907 год).

Изначально Пабло Пикассо хотел назвать свое произведение «Философский бордель», но когда картину увидел друг художника Андре Сальном, то он предложил другое название — «Авиньонские девицы». Оно и стало окончательным для этого шедевра.

Парижская богема и друзья Пикассо приняли его работу неоднозначно. К примеру, Матисс изначально подчеркивал, что «Авиньонские девицы» являются новым ключом к развитию живописи.

Но спустя некоторое время он начал яростно опротестовывать работу и указывать на то, что картине не место в изобразительном искусстве. А вот Жоржу Браку картина настолько понравилась, что, вдохновившись ею, он создал знаменитое произведение под названием «Обнаженная».

Неравнодушными к этой картине остались так же Робер Делоне и Андре Дерена. Влияние «Авиньонских девиц» четко прослеживается в творчестве этих художников.

Спустя 13 лет после написания картины Пикассо продал ее коллекционеру Жаку Дусе, а впервые работа была представлена широкой публике только на выставке в 1937 году.

Что вдохновило Пабло Пикассо на создание этой картины?

Существует предположение, что вдохновение для создания картины «Авиньонские девицы» пришло к Пикассо после того, как ему довелось побывать на выставке иберийской скульптуры, которая проходила в 1906 году в Париже. Но искусствоведы предполагают, что вдохновением могла послужить и картина Поля Сезанна под названием «Купальщицы».

Сюжет картины

Сюжетом для картины «Авиньонские девицы» послужили воспоминания Пикассо о публичном доме, который располагался в квартале Авиньон в Барселоне. Первые эскизы были совсем непохожи на конечный вариант произведения – на них художник изображал сцену соблазнения в борделе. Однако во время написания картины Пикассо решил изобразить лишь 5 обнаженных силуэтов девушек и натюрморт.

Описание картины «Авиньонские девицы»

Пабло Пикассо представил всему человечеству неких чудищ, которые имеют вместо человеческих лиц маски, а в их фигурах едва обозначена какая-либо половая принадлежность. В природе этих дев одновременно отражен агрессивный посыл и возбуждающая экспрессия. Образы, написанные художником, выполнены весьма странно и отличаются друг от друга.

Силуэты, изображенные в левой части картины, схожи с египетскими и ассирийскими мотивами. Женщины в центре явно напоминают росписи романских храмов в Каталонии и отличаются мистической лиричностью. А вот лица девушек, написанных в правой части произведения, ассоциируются с африканским мистицизмом и, кажется, что они вот-вот совершат свой устрашающий магический ритуал.

Стоит отметить, что присутствующие на картине женские силуэты в африканских масках напрямую связаны с выставкой, которую посетил Пикассо в Париже в 1907 году (она была посвящена быту и национальной культуре африканских народов).

На своей картине он отобразил всю таинственность женских фигур, которые одновременно настораживают и притягивают к себе зрителей. Как отмечают многие критики и искусствоведы, такой способ передачи информации через изобразительное искусство и является отличительной чертой Пабло Пикассо.

«Авиньонские девицы» — роль картины в живописи

Художник в момент работы над картиной ставил перед собой задачу – объединить на полотне гротеск, экспрессивную деформацию фигур, а также нарисовать объемную композицию таким образом, чтобы она была разделена на геометрические составляющие. В целом можно сказать, что с этой задачей мастер справился очень хорошо, но помимо этого ему удалось также насытить изображенные фигуры агрессией и мощью.

Пабло Пикассо изобразил «Авиньонских девиц» в охристо-розовых оттенках, которые находятся на синеватом фоне. Можно сделать вывод, что в этом произведении художник объединил опыт своих предыдущих периодов в творчестве (так называемого «голубого» и «розового»).

Несомненно, данное произведение имеет традиционную манеру исполнения Пикассо, но при этом ярко обозначено и новаторство, которое художник внес в изобразительное искусство. Переплетение двух данных квинтэссенций несет аллегоричность и какой-то шифр в сюжете картины.

Сегодня хранится произведение Пабло Пикассо «Авиньонские девицы» в нью-йоркском музее современного искусства и радует зрителей своей необычностью.

Источник: http://fb.ru/article/351836/kartina-pablo-pikasso-avinonskie-devitsyi-opisanie-i-istoriya-sozdaniya

«Работа безумца»: «Авиньонские девицы» Пабло Пикассо

Экспериментаторы привыкли к критике. Публика консервативна и не понимает смелых решений! Но Пабло Пикассо выделился и тут: его картину «Авиньонские девицы» осудили даже друзья и единомышленники.

В Пушкинском музее 30 августа откроется выставка «Анатомия кубизма». Ее центральным экспонатом станет тетрадь с эскизами Пабло Пикассо к одному из его шедевров — «Авиньонским девицам». Рассказываем, почему Пикассо писал картину голым и при чем тут бордель.

— В заглавие выставки не зря вынесен термин «кубизм». И не зря ее центральным экспонатом станет тетрадь с набросками Пабло Пикассо к «Авиньонским девицам».

Пабло Пикассо, «Авиньонские девицы», 1907.Именно с этой картины испанского художника, как считают эксперты, начался кубизм. Определить дальнейшую судьбу изобразительного искусства «Авиньонским девицам» удалось благодаря тому, что ее первыми зрителями стали художники-современники Пикассо: Жорж Брак, Андре Дерен, Анри Матисс.

Сам же испанец, работая над полотном, искал новый подход к изображению пространства и перспективы. Художник Поль Сезанн в одном из писем советовал Пикассо в качестве основы для изображения применять простые геометрические фигуры. И испанец воспринял это буквально. Героинь «Авиньонских девиц» он как будто «сложил» из геометрических фигур.

 

Пабло Пикассо. «Набросок сидящей женщины: обнаженная с драпировкой», 1907.

— «Авиньонских девиц» Пабло Пикассо создал в 1907 году. Над картиной художник, который обычно писал довольно быстро, трудился на протяжении девяти месяцев, а в летний период из-за страшной духоты в своей дешевой мастерской и вовсе работал голым. За почти год Пикассо создал огромное количество эскизов и набросков — 809.

Долгое время они хранились у самого художника. И, по мнению одного из главных биографов Пикассо Пьера Декса, «кажется, Пикассо старался избежать публичного показа подготовительных эскизов к своему огромному полотну, может быть из боязни быть втянутым в раздражавшую его до глубины души дискуссию об истоках его замысла».

Пабло Пикассо. «Женский бюст/ Набросок с кувшином, чашей и лимоном», 1907

— Изначально картина Пикассо носила другое название — «Философский бордель». Сюжет полотна был навеян посещениями публичного дома на улице Каррер д’Авиньо в барселонском Готическом квартале. Художник не раз бывал там в молодости. Уже позднее название картины сменилось на «Авиньонских девиц». Такой вариант придумал друг Пикассо — писатель Андре Сальмон.

Пабло Пикассо. «Три женщины. Этюд», 1907–1908 © ГМИИ им. А. С. Пушкина

— Параллельно с написанием «Авиньонских девиц» Пикассо переживал угасание чувств к Фернанде Оливье. С ней художник познакомился в 1904 году, когда только переехал в Париж с тремя сотнями франков в кармане, тайно мечтая прославиться. Девушка ревновала возлюбленного к полотну, которое он писал почти год. А когда увидела законченный вариант, не произнесла ни слова.  

Читайте также:  Портрет саксонского принца и принцессы, лукас кранах старший

Пабло Пикассо. «Дружба (II). Этюд», 1907–1908 © ГМИИ им.А.С. Пушкина

— Источниками вдохновения при работе над «Авиньонскими девицами» для Пикассо послужили картина Поля Сезанна «Купальщицы» и выставка масок Черного континента, которую он посетил в Этнографическом музее Парижа. Сезанна Пикассо называл «наш общий отец». А в искусстве народов Африки, которое считалось примитивным, испанский художник, напротив, видел экспрессию и свободу от европейских изобразительных канонов. 

Поль Сезанн, «Купальщицы», 1900.

— «Авиньонские девицы» раскололи критику и художественное сообщество. «Какая потеря для французской живописи», — сокрушался меценат Сергей Щукин. А арт-дилер Амбруаз Воллар назвал картину «работой безумца».

Анри Матисс увидел в картине издевку над сторонниками обновления искусства и над самим собой. А вот один из основателей кубизма Жорж Брак был впечатлен и воскликнул: «При взгляде на эту картину возникает ощущение, что вы пытаетесь заставить нас есть паклю или пить бензин и плеваться огнем».

Были и те, кто считал, что придет день, когда Пикассо повесится на фоне своего творения.

Обложка альбома Пикассо № 7 для «Авиньонских девиц» с изображением Орла, 1907.

— Публика впервые увидела «Авиньонских девиц» лишь спустя девять лет после их создания — в 1916 году. И никто не спешил покупать у Пикассо полотно.

Лишь в 1920-м картину приобрел модельер и коллекционер Жак Дусе. А впервые на выставку «Авиньонские девицы» попали в 1937 году.

Сегодня работа хранится в нью-йоркском Музее современного искусства и не покидает его постоянную экспозицию. 

Пабло Пикассо, «Набросок обнаженной с драпировкой», 1907.

— «Авиньонских девиц» не переставали анализировать даже спустя несколько десятилетий после их создания. В 1972 году арт-критик Лео Штейнберг предположил, что изобразив женщин на картине столь жуткими, Пикассо дал выход своему страху заразиться венерической болезнью. Кстати, ее художник все же подцепил в одном из борделей Барселоны и потом лечил долгие годы.

Источник: https://glorioza3.livejournal.com/67102.html

Кубизм. Часть шестая: Авиньонские девицы

Пикассо начал работать над задумкой для этой картины еще в 1906 году. Эскизы композиции работы сохранились до настоящего момента. Интересно, что сюжет картины видоизменялся.

В начале 1907 года Пикассо замышлял семь фигур – пять женских и две мужские. По позам героев похоже, что весь конфликт такой расстановки персонажей должен быть сосредоточен внутри картины.

А в доработанном майском эскизе мужчины вышли за пределы композиции, а напряженность перенеслась на зрителя.

Пабло Пикассо – Студент медицины, моряк и пять обнаженных в борделе (начало 1907)

Пабло Пикассо – Пять обнаженных (май 1907)

Пикассо относительно долго работал над созданием этой картины. Иногда его не устраивали части изображения, тогда он снимал краску и переписывал их.

Так и не добившись полностью удовлетворившего бы его результата, в 1907 году Пикассо начал показывать полотно гостям своей студии, предупреждая, что это – неоконченная картина.

По одной из легенд авторское название работы – «Авиньонский бордель».

Пабло Пикассо – Авиньонские девицы (июль 1907)

Реакция зрителей была однозначно негативной — друзья Пикассо были шокированы резкостью и «непривлекательностью» картины.

Неодобрение вызвало также и название картины, чрезмерно вызывающее и провокационное для того времени. Друг Пикассо Адре Сальмон предложил художнику использовать другое название – «Авиньонские девицы». Пикассо одобрил.

Видимо, ему понравилось, что Авиньон таит в себе неоднозначность — это и город во Франции (для большинства зрителей), и улица на окраине Барселоны, знаменитая своими публичными домами (для самой целевой аудитории).

Эта история фигурирует в некоторых источниках, в других утверждается, что Пикассо и не давал картине названия до предложения со стороны Сальмона.

В ноябре 1907 Брак увидел эту картину и вынес свой вердикт — «Твоя картина производит впечатление, будто ты хочешь, чтобы мы жевали паклю или пили бензин».

На почве такой сомнительной славы последнего эксперимента Пикассо, к нему в студию в 1907 году пришел Канвайлер, малоизвестный в то время торговец картинами. Позднее он написал:

В левой части полотна перед зрителем предстали неподвижные обнаженные фигуры с огромными внимательными глазами. Их негибкие тела окрашены в телесный, черный и белый цвета. Все это вполне соответствует стилю художника 1906 года.

На переднем плане и в правой части картины расположены чужеродные элементы: 2 фигуры и фрукты, написанные угловато в более резких цветах. Это – начало кубизма, первая явная и отчаянная попытка решить все конфликтующие проблемы сразу.

А главной задачей было отобразить трехмерные объекты на плоской поверхности холста, и осмыслить их в пределах двухмерного пространства.

Стоит отметить, что слова «отображение» и «осмысление» употребляются здесь в самом строгом смысле. Пикассо не хотел симулировать форму с помощью светотени, он задался целью построить органичную объемную структуру.

В процессе решения этой задачи возникли трудности с использованием цвета и, что важнее, с согласованием всех элементов между собой так, чтобы они представляли собой сбалансированное единое произведение. При этом Пикассо полностью отказался от использования светотени.

Он стремительно атаковал все эти неприятности одновременно, но с таким подходом у него не получилось разрешить вышеописанные конфликты.

Это, однако, не делает картину менее красивой. Пикассо, как и любой великий мастер, всегда создает эстетически прекрасные работы. Я лишь хотел сказать, что цели, которые он поставил перед собой, на этом этапе не были достигнуты. (© Канвайлер)

Из-за общей негативной реакции Пикассо немало расстроился и долгое время он почти никому ее не показывал. Только в 1916 году картина была предоставлена вниманию публики. В 1921 Пикассо продал картину коллекционеру Жаку Дусе. А в 1939 году, после еще одной смены владельца, картина была приобретена Музеем современного искусства в Нью-Йорке, где и находится по сегодняшний день.

Источник: http://quMark.tumblr.com/post/44364099433/cubism-part6

Книга Пабло Пикассо. Содержание — ГЛАВА VI Рубеж времен: «Авиньонские девицы» (1906–1907)

В 1905 году Гертруда Стайн прекрасно осознает перемену, происходящую в ее друге Набло Пикассо. Она считает, что он полностью ассимилировался и стал совершенным французом.

По прошествии многих лет она констатирует, что «период Арлекинов, или «розовый период», был удивительно плодотворным; он все-таки ощутил, почувствовал веселую Францию». Однажды она спорила с Пикассо о датах, стоящих на его картинах, утверждая, что невозможно, чтобы столько полотен было написано всего за один год.

«Вы забываете, — сказал ей Пикассо, — что мы были молоды и способны на многое». В этот счастливый период Пикассо, ощущая в себе огромную силу, начинает подумывать о большом произведении, которое подвело бы итог всему, что так долго в нем накапливалось.

Один эскиз, сделанный гуашью (коллекция Макса Пеллеке), дает представление об этом замысле. На нем изображены обнаженные женщины и подростки в разнообразных позах, а кроме того, на испанском языке даны пояснения и уточнения, касающиеся в основном подбора цветов для интерьера.

Своеобразный отчет представляет собой «Семья бродячего артиста» (коллекция Честера Дейла, Национальная галерея искусства, Вашингтон). На картине (2 м 34 см х 2 м 22 см) собраны все персонажи комеди дель арте.

К этому полотну относится замечание Гертруды Стайн: «Когда я говорю, что «розовый период» был светлым и счастливым, нужно иметь в виду, что все относительно веселые темы были все же немного грустными, семьи Арлекинов были нищими, однако, с точки зрения самого Пикассо, это был светлый, счастливый и веселый период».

Композиция Пикассо становится более свободной, вернее, можно даже говорить об ее отсутствии.

Персонажи группируются, расходятся, теряются в пространстве: толстый шут, Арлекин в цветном костюме, маленькая девочка с цветочной корзиной, которую она тащит по земле, обнаженный подросток, его брат, облаченный в слишком широкую куртку, а справа, на самом краю, женщина с Майорки, она смотрит куда-то в сторону и в общем-то никак не связана с остальными.

Пикассо сделал отдельный этюд этой женщины (Музей современного искусства, Москва) в двух основных тонах: розоватая охра и насыщенный голубой. Во всех этих персонажах, выстроившихся перед зрителем, есть что-то нереальное, бессвязность сна, нечто похожее на рассказ, прерванный на середине, конца которого мы никогда не узнаем.

Во время первой мировой войны картина находилась в Мюнхене и принадлежала госпоже Герте фон Кениг. В 1915 году она принимала у себя Райнера Мария Рильке. Уезжая, он заметил: «Как жаль, что я должен покинуть этого большого великолепного Пикассо, рядом с которым я прожил четыре месяца».

Они с Пикассо так никогда и не встретились, хотя Пабло познакомился в Париже с женой Рильке Кларой, когда она изучала там скульптуру. Однако Рильке никогда не забывал о том, каким утешением и поддержкой была для него эта картина в то время, когда он считал, что упал на самое дно пропасти:

Бродяги эти, кто они, скажи,

Такие ж беглецы, как мы, и так несчастны.

Желая чьей любви, бредут они, подвластны

Той вечной горести, что гнет их до земли?

ГЛАВА VI

Рубеж времен: «Авиньонские девицы»

(1906–1907)

Если бы начало нашего века пожелало выбрать себе лицо, скорее всего, это было бы лицо Гийома Аполлинера. Лицо это, как и его владелец, было одновременно и цельным, и состоящим из разнообразных элементов. Фамилию он придумал себе сам, она была, так сказать, «изготовлена вручную, на заказ».

Аполлинер часто рассказывал, что происходит из польского мелкопоместного дворянства, однако история его семьи уходила корнями в далекое прошлое; на ее гербе был изображена змея. Его дед бежал от преследований царских чиновников, братья деда высланы в Сибирь, а имущество семьи — конфисковано.

Дед женился на итальянке, а его дочь Анжелика родилась в Хельсинки. Поселившись в Риме, он сделался папским камергером.

От своего деда Гийом унаследовал одно из своих имен: Аполлинарис, а также фамилию Костровитцкий, к которой уже его мать присоединила частицу «де»; позже он стал произносить свою фамилию «Костровицкий», орфографически так было легче для иностранцев.

Еще до рождения все в нем, казалось, создано было из противоречивых начал: патриотизм польских мучеников, немецкое имя Вильгельм, которое он носил в молодости, вновь приобретенная частица «де» и воспоминания о земле своих предков, земле, которую он никогда он видел.

Он был сыном матери-одиночки, у которой достало мужества произвести на свет двух сыновей, не имевших отца. Гийом Аполлинер, по-видимому, что-то знал о своем отце, так как расспрашивал о нем мать. Сегодня считают, что он был выходцем из итальянской патрицианской семьи.

Однако роман матери ему показался, судя по всему, не слишком блестящим, потому что сам он предпочитал легенду об отце — иерархе церкви. Автором легенды, кстати, был Пикассо.

Его мать, взбалмошная и властная, после исчезновения любовника поселилась в Монако. Здесь она получала регулярные денежные субсидии из таинственного источника; достоверно известно только, что в этом принимали участие представители церкви. Знакомые предполагали, что деньги передавал итальянский любовник через посредство своего брата-священника.

Именно благодаря этим деньгам Вильгельм де Костровицкий и его младший брат Альберт смогли закончить коллеж, посещаемый детьми местных аристократов. Тем временем все еще прекрасная Анжелика совершенно не пылала желанием строить из себя кающуюся грешницу и вести достойную и примерную жизнь.

Она принялась искать источники удовольствий, у нее появилось множество почитателей, некоторые были довольно великодушны; уже очень скоро ее взял на содержание молодой эльзасский еврей, называвший себя банкиром.

В детстве Гийома Аполлинера было множество контрастов: помощь церкви и еврейский любовник матери, претензии на аристократизм и сомнительное положение, прекрасное образование и полный хаос дома, где в начале месяца жили на широкую ногу, а в последних числах едва сводили концы с концами.

Такое детство объясняет то, что кажется в характере Аполлинера необъяснимым. Всю свою жизнь он был страстно привязан к матери, которая обращалась с ним так, как будто ему было десять лет; и вместе с тем он пытался спастись от этой материнской тирании.

Безусловно, он страдал, как могут страдать только дети, от сомнительного положения в обществе горячо любимой матери, все время отыскивая какие-то оправдания для нее, что-то, что позволило бы не судить ее строго.

Из этого конфликта своего детства он вынес и сохранил жажду респектабельности и стремление к свободе, необходимость поддерживать порядок и боязнь постоянства, некоторый снобизм, ставший чем-то вроде реванша по отношению к обществу, и тягу ко всему, что выходило за рамки этого самого общества.

Он сохранил нежность к женщине, значительный сексуальный аппетит, но и нечто вроде горечи по отношению к тем женщинам, которые отвечали ему взаимностью. Он жаждал любви женщин и дружбы мужчин.

Своей смешанной крови и прекрасному образованию он обязан был культурой космополита: он знал множество языков, любил точно подбирать выражения, был эрудирован, экзотичен; вместе с тем им владела страсть укорениться в одной стране, сделать своим родным один язык, одно искусство. Он стал бродягой в большом городе и воспевал его так, как обыкновенно воспевают лишь природу, он обогатил фольклор Парижа, его песни, такие как «Под мостом Мирабо течет Сена», поются как народные.

Читайте также:  Описание картины "лунная ночь. купальня в феодосии", айвазовский, 1853

Он приехал в Париж, когда ему было 19 лет, как раз в это время любовник матери временно оставил ее, поэтому ему приходится ее содержать. Она сурово заявила тогда Гийому: «Дитя, я дала тебе все, что у меня было, работай!».

Через несколько лет любовник, снова разбогатев, вернулся, и мать, называвшая себя графиней де Костровицки, поселилась в большой вилле в Везине.

Гийом Аполлинер некоторое время служил в банке, потом, когда банк разорился, он решился попробовать свои силы в журналистике и сделался главным редактором финансовой газеты с претенциозным названием «Путеводитель рантье».

Одновременно он сотрудничает в других газетах, публикуя там небольшие статьи, отзывы, обзоры. В конце концов вместе с Андре Сальмоном и Жаном Молле он создает литературный журнал «Пир Эзопа». Однако журнал этот выдержал всего 9 выпусков.

Источник: https://www.booklot.ru/genre/nauchnoobrazovatelnaya/istoriya/book/pablo-pikasso/content/3479454-glava-vi-rubej-vremen-avinonskie-devitsyi-19061907/

Авиньонские девицы

Художник не планирует работу – он видит ее. Разом возникает образ, и затем нужно точно перенести его на холст. Собственно, так же возникает и образ стихотворения, и роман, и серьезный фильм.

Это сон, вспышка… Это таинство, в которое входить неуместно и невозможно, однако подчеркнем еще раз, что мастер, видимо, не планирует идею картины, интеллектуальное творчество – совершенно иного рода занятие…

Поэтому, раскрывая идеи картин, мы вовсе не претендуем на то, что правильно прочли идею художника просто по той причине, что у него никакой идеи никогда не было. То есть, идеи в нашем традиционном философском смысле слова… Но была художественная идея. Как она возникает, как формируется?

Возможно, мне удастся поговорить на эту тему, однако не абстрактно, а на примере самой знаменитой картины модернизма – этюда Пикассо «Авиньонские девицы», картины, которая вызвала бурю реакций и оказала революционное влияние на тот переворот в живописи, который произошел в 1907-1908 гг.

Матисс назвал эту картину издевательством над модернизмом. Гертруда Штайн, наш Щукин, Дерен сразу почувствовали значение этой картины. Что в ней есть, начнем движение, исходя из очевидных вещей. Итак, первое – жест, резкое движение секущих линий, явно плакатное. Уродливые лица. Все напоказ.

Нам объясняют, что сам художник имел – как бы выразиться — весьма печальный опыт посещения барселонского борделя, после коего вынужден был лечиться; он пылал истой ненавистью к встреченным там девицам, которых и изобразил в таком вот зверском виде: они тут выставили свои острые сиськи и призывают очередного клиента.

Конечно, для 1907 года картина скандальна, но не в этом же дело…

Первое, что поражает при более внимательном взгляде – сырая работа… Ее композиция сложилась таким образом, что центр остался сырым: там виден грубый подмалевок вверху, две центральные фигуры наименее интересны, в то время как две правые и левая стали действительно открытием – но они оказались на периферии.

Будто все задумывалось как этюд, как очередной набросок а ля Лотрек – свободная игра форм, — однако в процессе работы возник этот новый подход: как вспышка, поразил мастера внезапным озарением раздробленный мир, крик разъятых форм, потрясающая разность поз, лиц, глаз – и он уже не девиц писал, но мир как сумму геометрических форм, среди которых глаз художника перестает различать живое от неживого, женщину от чудища, сон от яви…

И рождается кубизм.

П. Пикассо. Авиньонские девицы

Это философская идея? Вовсе нет, это новая художественная идея, новый подход, новая модель художественного мира. А в философском плане, эти модели не менее онтологичны, чем обычные модели на парадном портрете – в них просто больше кипения жизни, больше противоречия, больше напряженности, ритма, жеста. Summa vitae.

Теперь, идя по композиции картины, мы видим, что слабый центр на самом деле весьма хорошо смотрится, потому что образует некую воронку: крайние фигуры очень рельефны и самодостаточны, взгляд на них останавливается, в то время как центр предлагает простую динамику, эротичен и выразителен – звучит простая вертикаль центральной фигуры. Эта линия очень важна…

Простыни, стекло, стол – вещи перестали быть собой, слившись в единый кубистический интерьер, и сразу все наполнилось движением, и на сцене не осталось мертвых предметов… Кубисты дальше полюбят именно натюрморт, потому что это противоречие позволит писать мир как натюрморт – якобы мертвая натура, в которой клубится внутренняя жизнь и вообще нет ни одного мертвого атома!

Особенно удались крайние фигуры – настолько, что они дали ему совершенно новый стиль, и возник тот портрет Пикассо, который сделал его самым скандальным художником поколения. На первый взгляд, правые девицы – чудища. Это не лица – это рыла. Но левая фигура дает ответ на вопрос…

Она похожа на египтянку с барельефа – тоже два измерения, — и разработка халата – просто находка. Он очень пластичен и представляет сложное построение, и вся фигура становится богатой, интересно аранжированной. Вверху выразительная рука. Маски правых фигур тоже очень экспрессивны и добавляют нужные ноты в этот паноптикум.

Особенно хороша поза правой нижней фигуры — картина в картине – и одновременно вся композиция содержит ту разность настроений, которая нужна для метафизической ноты: да, это ни в коем случае не реальная сцена, они каждая в своем мире, и это тоже читается в картине, которая вся производит впечатление мимолетной зарисовки…

И все это действительно плод стремительной работы, вспышка сознания, которая доставила ему совершенно новый взгляд на мир. Картина Пикассо отличалась новым уровнем цельности – что сразу поняли художники…

А цельность не просто одно из качеств живописи: в расколотом мире, который стремительно катится в омут пошлости и теряет ценности, эта картина была первым документом структурализма, а ведь он недаром захватил всю интеллектуальную жизнь ХХ века: он учит нас дробить, анализировать, раскладывать явление на атомы – чтобы потом создать новую цельность. Именно так и делает Пикассо.

Однако он не выражает философскую идею, нет, мастер вообще не выражает на холсте сформулированную (и записанную, например, в блокноте) идею – он фиксирует интуитивные образы, читает книгу фантазии, переводит ее в зримые черты, и так складывается художественная идея, сложное преломление человеческого начала в линиях и цвете, содержащее тот максимальный уровень противоречия, живые антитезы, без которых вообще нет ни творчества, ни прозрений. Что однозначно и ясно – то пошло.

Идея не всегда означает высокий художественный уровень. Часто она сама по себе ценна – и даже разрушает единство стиля…

Сравним эту картину с более поздней композицией, которая нравится мне лично гораздо больше – великолепная композиция 1909 г. «Три женщины» из нашего Эрмитажа.

Какая монументальность – эти мощные торсы в несколько сонном, апатичном единстве, — уже чисто кубистические формы помогают создать эту гармонию противоречий, дробление формы только усиливает единство! – и жаркий колорит помогает создать удивительный феномен: женские тела стали как бы складками горы, и в то же время это именно жаркое соитие живых форм, медленный балет во сне, и вот лицо правой модели, она явно видит волшебный сон горы…

П. Пикассо. Три женщины

Удивительная картина! – и совершенно другая художественная идея, в которой важную роль играют сон женственности, влекущая апатия и тайна… и снова возвращаюсь к «Девицам» и вижу, что в этой резкой, аляповатой композиции гораздо более велика сумма противоположностей, какая-то внутренняя контрастность, прямота вызова, которые и превратили эту картину в самый значительный художественный манифест модернизма.

У этих девиц черные глаза, явно карикатурные лица – однако в них оказалась та монументальность, резкость жеста и значительность формы, до которых дошли не все кубисты, и поэтому жесту и резкой линии вы всегда выделите живопись Пикассо и отличите ее от остальных.

Вся его композиция – вызов, это совершенно новая – атакующая, резкая, — позиция искусства по отношению к так наз. «реальности», и получилось, что чувство фрустрации, раздражение человека вылились в великий жизнеутверждающий манифест – вот вам и парадоксы творчества.

Однако верно и другое: манифесты никогда не становились высочайшими шедеврами. Идея ослабляет искусство? — да, в какой-то мере значительность и новизна идеи оттягивает ваше внимание, самобытная идея опасна – она разрушает привычную цельность образа (а новой цельности еще не возникло), и такова судьба почти всех манифестов.

Многие из них остались и как хорошая живопись – к ним относится и картина Пикассо – другие остались курьезами, как квадраты Малевича, над которыми до сих пор ломают головы простодушные профаны, полагая, что в них заключена некая художественная ценность. Профанация всегда была одним из приемов серьезных мастеров, истинных мудрецов, когда они имели дело с обывателями.

Момент профанации часто встречаешь в любом художественном манифесте, начиная с символизма. В этом большой смысл и неизбежность: в эпоху мещанства искусство должно резко декларировать, а резкие декларации всегда профанируют основной пафос и идеи. Задача историка искусства, аналитика — отделить декларации от сути, ироничные профанации от настоящего пафоса.

Н. Бердяев о творчестве

Уже в ранней книге «Смысл творчества» 1916 Н. Бердяев ярко и глубоко вскрывает парадоксы современного творческого сознания в его отношении к свободе. И хотя сам Бердяев вряд ли принял модернизм – слишком все это оказалось далеко и чуждо русскому духовному уму, — его мысли могут быть весьма полезны, как раз и потому, что не принял самого течения в его самых ярких феноменах…

«Путь к иному бытию» — важное указание на смысл и задачу нового искусства, которое именно ищет выход из мещанского тупика цивилизации.

— ясное указание на неадекватность любых научных трактовок эстетических феноменов: они вне науки, вне гносеологии и всякой логики, их задача более сущностна и глубока.

Бердяев остро ощущает тупик современной мысли, нужен «прорыв к бытию», новому бытию, нужно продолжение творчества мира, творчества жизни:

Особенно интересно его предсказание «творчества из ничего» — абстракции, дада и пр. сущностных, основных явлений модернизма:

Для него, порыв уже оправдан. Он романтик и верит в разрыв, отрицание данного, он рассматривает реальность как толчковую доску для прыжка – не более того, и в этом сливается с самыми яростными и передовыми авангардистами.

Дилемма «быть или творить» — отличная максима. Именно растворение в бытии, мещанском быте – а иного нет, надо ясно отдавать себе в этом отчет, — главная угроза настоящему искусству, любому творчеству. Однако для такого порыва, для такого бытия надо быть особенным человеком:

И потому любой смелый порыв, парадоксальность, новые звуки, краски, новые видения и фантазии – все пойдет впрок, только бы не коснеть в мертвечине данности, исчерпавшей себя унылой соц. реальности. Собственно, в начале века уже такие настроения были очень актуальны, и они позволяют совершенно иначе прочесть, например, Чехова…

Да, ведь дело не в том, что дворянские гнезда унимают – им на смену никто не придет, и в его последней пьесе это достаточно ясно указано. Закончена эпоха быта – началась эпоха творчества, о чем и возвестила книга Бердяева наиболее ярко и внятно: человек более не устроен в мировом порядке – этот порядок сотрясается и трещит по всем швам.

И теперь нам наплевать на все ваши социальные законы и экономические теории, на обещания политиков и утопии фанатиков – творческий человек, гомо креативус, идет своим путем, он имеет для этого все основания: знания, опыт, творческую энергию и великое ницшеанское презрение к тарантулам мира сего.

Показать статьи на
схожую тему:

Источник: http://corpusletov.ru/arte/modern/pikasso/avinonskie-devicy

Ссылка на основную публикацию