Золотые скульптуры: древние и современные изделия

Золотые скульптуры: древние и современные изделия

С самых древнейших времен люди относились к золоту, как к магическому металлу, приносящему счастье, радость, здоровье.

Сам желтый цвет благородного металла в глазах человека был созвучен с цветом солнца, его теплом и светом дающем возможность жизни продолжаться.

Из золота делали сакральные предметы, магические талисманы, золотыми были деньги как эквивалент ценности всех материальных благ.

Даже в древнейших государствах нашей планеты золотые скульптуры были чем-то особенным, из ряда вон выходящим. О них складывали легенды, на них приезжали посмотреть, ими гордились не только правители, но и целые народы и континенты.

Чаще всего золотая скульптура (обычно это идол в храме) была призвана демонстрировать мощь державы на страх соседям. Иногда правители стремились задобрить богов в моменты стихийных бедствий или внутренних неурядиц.

Подобную роскошь могли себе позволить далеко не все.

Интересно, что история часто сообщает о том или ином правителе лишь сам факт их причастности к созданию огромной золотой статуи, что говорит о том, что золотой гигантоманией чаще всего страдали не самые выдающиеся личности.

Древнейшая золотая статуя появилась в Месопотамии, а вернее в Ниневии. Речь идет о скульптуре богини Реи, которая была отлита из 250 тонн золота по приказу легендарной царицы Шаммурамат (Семирамиды). Статуя была жертвой богам и жертвенником одновременно.

Шаммурамат — единственная женщина-правительница в истории Древнего Востока. Статуя предназначена в качестве благодарности богам, которые помогли царице захватить власть.

Известно, что установлен золотой монумент был после того, как предыдущая жертва (золотая статуя весом в 30 тонн) была «забракована» богами — у царицы умерла дочь.

Большая статуя представляла собой изображение сидящей на троне богини-матери в окружении львов-жертвенников.

Выдающаяся жертва не помогла — правительница пала от руки собственного сына. Наследники статую распилили и переплавили. В Месопотамии все быстро менялось.

Другая монументальная золотая скульптура была создана во времена Позднего времени в Египте. До сих пор достоверность сообщений об этой впечатляющей скульптуре не доказана. Однако в письменных источниках она пересказана несколько десятков раз.

Речь идет о гигантском золотом фаллосе, изготовленном по приказу фараона Птолемея Филадельфа в год страшного голода в Египте. Длина этого «изделия» была около 60 метров, диаметр — 3 метра.

Скульптура была украшена коронами, а перевозили ее 1000 быков в одной упряжке.

Смысл этой дорогостоящей и странной церемонии легко объясним — этот гигантский символ плодородия был призван умилостивить богов и даровать небывалый урожай. Дальнейшая судьба этого золотого монстра неизвестна.

Золотая Орда в годы своего расцвета также прославилась золотыми изваяниями. Разбогатев после набегов на богатые русские города и обложив их данью, хан Батый приказал всю добычу перевести в золото и выплавить из него две скульптуры коней. Вставив в глазницы золотым коням рубины, повелитель приказал украсить ими городские ворота столицы своей державы.

Менялись столицы, менялись правители, но золотые кони продолжали украшать ворота ханских резиденций. Пропали они во времена Мамая. Судьба их неизвестна. Сохранились лишь легенды будоражащие кровь любителям сокровищ.

Есть золотые скульптуры сохранившиеся до сих пор, а также изготовленные совсем недавно.

В китайском квартале Бангкока хранится изваяние Будды, выполненное из чистого золота еще в 13 веке.

Затем статуя считалась утраченной, пока не открылось удивительное: оказывается во время одной из кровавых войн монахи покрыли золотую статую гипсом, чтобы уберечь ее от алчных врагов. Небольшой осколок гипса открыл тайну.

Вес золотого будды около 6 тонн, высота 3 метра. Классическое изображение «просветленного» в позе лотоса может осмотреть любой желающий во время больших буддийских праздников.

Скульптурное изображение известной Кейт Мосс под названием «Сирена» изваял известный современный скульптор Марк Куинн. Фигура выполнена из чистого золота, вес — 50 кг.

Скульптура изображает знаменитость в сложной позе во время занятия гимнастикой йогов. На сегодняшний день это произведение искусства признано самым дорогим.

Оригинал был продан с аукциона без малого за миллион долларов анонимному азиатскому коллекционеру, а копия (не золотая, а бронзовая) находится в Британском музее.

Источник

Понравился наш сайт? Присоединяйтесь или подпишитесь (на почту будут приходить уведомления о новых темах) на наш канал в МирТесен!

1

Показы: 1 Охват: 0 Прочтений: 0

Источник: https://xvastunishka.us/blog/43836463067

Золотые скульптуры: древние и современные модели » Умурзак Шанов — официальный сайт скульптора

22 Ноябрь 2014

Золото всегда ценилось. В древности ему приписывались магические свойства. Золото ассоциировалось в человеческом сознании с теплом, солнцем и светом. Сейчас этот металл является синонимом роскоши и достатка. Из золота традиционно изготавливают украшения, посуду. Существуют и скульптуры из золота. Сколько таких скульптур в мире и сколько золота потребовалось, чтобы их изваять?

Золотые скульптуры в древнем мире

Стоимость золота была всегда довольно большой, так как оно достаточно редкий металл. Поэтому золотые скульптуры в древности также считались особой ценностью. Они были достоянием и гордостью не только самого скульптора, но и всего народа, государства и даже континента.

О золотых скульптурах расходилась молва по всему свету, на них ехали просто взглянуть и поклониться люди из разных стран. Так скульптуры из золота постепенно обрастали легендами и мифами, наделялись магическими свойствами.

Самыми распространенными вариантами скульптур из золота являлись статуи храмовых идолов. Эти идолы демонстрировали своим видом мощь и богатство государства и его правителя.  Установка дорого золотого идола – это еще и способ умилостивить богов, попросить каких-то благ для народа и государства.

Хотя порой золотое изваяние для древнего правителя – это был способ прославиться, увековечить себя. Потомки ведь точно не забудут того, кто изваял огромную золотую статую.

Самые древние золотые скульптуры

Исторические данные свидетельствуют о том, что самая старая золотая скульптура была создана в Ниневии (Месопотамия). Из золота изваяли фигуру богини Реи.

Для ее изготовления понадобилось уникальное количество золота: 250 тонн!!! Такая грандиозная скульптура была отлита по приказу всем известной царицы Семирамиды. Кстати, именно при ней были созданы знаменитые висячие сады.

Статуя богини Реи предназначалась для жертвоприношений, она была воздвигнута в благодарность за то, что царица Шаммурамат (Семирамида) получила власть. Скульптура представляет собой фигуру богини, окруженную львами. Вот львы, как раз и выполняли роль жертвенников. Стоит сказать, что Семирамида была единственной женщиной-правительницей древнего Востока.

Сначала была установлена статуя, выплавленная из 30 тонн золота. Оказалось, что такой подарок неугоден богам: царица потеряла свою дочь. Поэтому она решилась на более грандиозный проект.

Судьба статуи, как и правительницы, печальна. Правительница погибла от руки собственного сына, а статуя была переплавлена.

Статуи Древнего Египта и Золотой Орды

В Древнем Египте тоже были статуи из золота. Одной из самых выдающихся, согласно письменным египетским источникам, была статуя времен фараона Филадельфа из династии Птолемеев.

Статуя представляла собой изображение фаллоса. Диаметр изваяния составлял три метра, а длина 60. Поводом для создания такой своеобразной скульптуры послужил величайший голод в Египте.

Был создан символ плодородия, призванный умилостивить богов.

В ханской Золотой Орде тоже любили роскошь. Во времена расцвета Орды хан Батый издал приказ из собранного в качестве дани с русских городов золота изваять статуи двух коней. Глаза у этих коней были рубиновыми.

Кони были установлены у въездных ворот в столицу Золотой Орды. Упоминания о золотых конях сохранились до наших дней. Во времена хана Мамая кони исчезли. До сих пор искатели сокровищ не могут найти эти статуи. Быть может, они уже давно переплавлены.

Золотые скульптуры позднего времени

Интересна судьба золотой скульптуры Будды. Сейчас эта скульптура хранится в одном из кварталов Бангкока. Она была отлита из чистого золота несколько сотен лет назад – в 13 веке. Эта величественная статуя Будды, сидящего в позе лотоса, весит почти шесть тонн. Высота Будды – три метра.

До недавнего времени этот колосс считался утраченным. Пока однажды не произошло чудо. Оказалось, что во время одной из войн золотую статую монахи покрыли гипсом, чтобы ее не захватили варвары.  Только случайный скол гипса помог обнаружить бесценное сокровище.

Современные скульпторы порой создают скульптуры из золота. Одной из самых известных является скульптура под названием «Сирена» скульптора Марка Куинна. Это изображение модели и актрисы Кейт Мосс. Скульптуру продали за миллион долларов на аукционе коллекционеру из Азии.

Очень интересна судьба золотых скульптур. Они будоражат воображение искателей сокровищ. Они показывают, насколько грандиозным может быть творение человеческой мысли, и насколько низменными душевные порывы, послужившие основой создания части шедевров. Скульптуры из золота, кроме художественной, имеют еще и большую материальную ценность. 

Источник: http://www.sculptor-shanov.com/zolotjye-skuljjpturjy-drevnie-i-sovremennjye-modeli.html

Золотой век русской скульптуры

Главная / Статьи / Золотой век русской скульптуры

Золотым веком русской скульптуры стала вторая половина XVIII столетия. Творчество мастеров этого периода представлено в музее наиболее совершенными произведениями и почти с монографической полнотой.

Здесь необходимо назвать гениального мастера реалистического портрета Федота Шубина. Преодолев условность парадного портрета, Шубин создал блестящую галерею образов своих современников, исключительную по глубине и смелой правдивости.

Однако ценность его произведений заключена не только в том, что они отражают социальный облик эпохи, но и в высокой художественности.

Талант и артистическое мастерство позволили ему, сохранив весомость, плотность камня, добиться естественности в передаче живости лица, материалов драпировок, мягкости меха, пушистости волос.

Федор Гордеев и Михаил Козловский — мастера раннего классицизма — выражали актуальные проблемы современной жизни, обращаясь к темам прошлого.

В работе «Прометей» Федор Гордеев решил героический образ достаточно сдержанно, в рамках складывающейся классицистической традиции. Михаил Козловский, создавая «Поликрата», стремился передать пафос борьбы.

Выражение страдания, обреченности насыщает произведение драматизмом, внутренним напряжением, динамикой.

Иван Прокофьев известен как мастер декоративной пластики и выдающийся портретист. Группа «Волхов и Нева» пронизана живым, непосредственным чувством. Простота и одухотворенность характерна для бюста Анны Лабзиной. Мягкая лепка усиливает поэтичность и задушевность образа, исполненного в терракоте.

Художественная индивидуальность Ивана Мартоса глубоко раскрылась в созданных им надгробных памятниках. Простые и ясные по композиции, они волнуют естественностью передачи чувств, сдержанным выражением скорби. В ритме драпировок, окутывающих фигуру плакальщицы в надгробии Е. С. Куракиной, передана глубокая горечь безвременной утраты.

Мастера первой половины XIX века и углубили художественные искания предшествующего поколения скульпторов, принесших европейскую известность отечественной школе ваяния.

Степан Пименов в 1802 году участвовал в конкурсе на исполнение проекта надгробного памятника своему учителю М. И. Козловскому. Скорбит об утрате Муза ваяния, уронив голову на руки. Удивительной пластичностью и гармонией линий прекрасно передана глубина искреннего и полного поэзии чувства.

«Молочница с разбитым кувшином» — известная работа ученика Мартоса Павла Соколова. Повторенную в бронзе скульптуру установили в Царскосельском парке. Ей посвящены известные стихи А. С. Пушкина:

Урну с водой уронив, об утес ее дева разбила. Дева печально сидит, праздный держа черепок. Чудо! не сякнет вода, изливаясь из урны разбитой; Дева, над вечной струей, вечно печальна сидит.

Романтические веяния пушкинского времени нашли отражение в образах Бориса Орловского. Группа «Фавн и вакханка» рождена преклонением перед античностью, перед вечной красотой формы.

В мягких переходах скульптурных форм, в «дыхании» мрамора ощущается исключительное понимание скульптором материала, богатства его возможностей.

Чистота линий, естественность жестов передают гармонию высоких чувств.

Романтический подход к натуре и классицистическая строгость образов античного искусства сочетаются в изысканной по пропорциям и силуэту статуе «Венера», исполненной Иваном Витали. Задуманное как интимное, камерное произведение, «Венера» привлекает обаянием молодости, красотой и гармоничностью образа.

В портрете Ивана Мартоса, выполненном его учеником Самуилом Гальбергом, создателем обширной галереи портретов передовых деятелей русской культуры—удивительное портретное сходство сочетается с величавой торжественностью образа.

Одной из главных тем в русской пластике этого времени становится героическая тема, связанная с событиями Отечественной войны 1812 года, с подъемом национального самосознания и патриотизма.

В 1813 году, как живой отклик на эти события, Василий Демут-Малиновский создает статую «Русский Сцевола». Величава поза, уверенна осанка героя, полного решимости и благородства. Несмотря на академическую условность, очевидно внимательное изучение народного типа. Впервые в высоком искусстве пластики был воспет национальный герой — русский крестьянин.

Читайте также:  «на концерте», оноре домье — описание картины

Как и Демут-Малиновский, Федор Толстой в серии медальонов на события Отечественной войны 1812 года обращается к языку классической традиции. Однако он прежде всего стремится выразить черты русского характера— твердость, стойкость, уверенность в победе — и прославляет не только одного героя-полководца, но и русское войско («Народное ополчение 1812 года»).

Интерес к национальной теме наглядно проявился в произведениях Николая Пименова («Парень, играющий в бабки»). Традиционность пластического языка не помешала скульптору создать яркий образ человека из народа, воспеть его физическую и духовную красоту.

Первым русским анималистом по праву считается Петр Клодт. Любовь к животным, острое чувство натуры, высокое мастерство придавали его работам достоверность и эмоциональную выразительность.

Реалистические традиции Клодта развивал Евгений Лансере. Во второй половине XIX века получает широкое развитие бытовой жанр.

Все чаще скульпторы обращаются к темам из жизни народа, русской истории, уделяют много внимания созданию портретов современников.

Начало XX века — небольшой по времени, но значительный и яркий период в развитии русской пластики. Творчество Павла Трубецкого, Анны Голубкиной, Сергея Коненкова, Александра Матвеева определило многообразие направлений в развитии русской скульптуры этого этапа.

Необычайно эмоциональные и выразительные образы создал Павел Трубецкой. Живописная трактовка формы с богатой игрой светотени придает им естественность и убедительность.

Психологическая напряженность присуща произведениям Анны Голубкиной; большой любовью к природе, человеку проникнуто творчество Сергея Коненкова; последовательно стремится к утверждению реалистических основ в скульптуре Александр Матвеев.

Развивая и углубляя традиции отечественного искусства, эти художники-новаторы заложили основу советской школы скульптуры и способствовали ее расцвету.

Источник: https://kupitkartinu.ru/article/zolotoy-vek-russkoy-skulpturyi/

Древние пластические традиции и современная скульптура Осетии

А. Т. Тандуева

ДРЕВНИЕ ПЛАСТИЧЕСКИЕ ТРАДИЦИИ И СОВРЕМЕННАЯ СКУЛЬПТУРА ОСЕТИИ

Работа представлена отделом изобразительного искусства и архитектуры Государственного института искусствознания. Научный руководитель — кандидат искусствоведения, старший научный сотрудник О. В. Костина

В статье рассматривается влияние древних пластических традиций — кобан-ской бронзы и скифской скульптуры — на современную осетинскую пластику через призму творчества трех скульпторов — Билара Царикаева, Юрия Кцоева и Вадима Джиоева.

The influence of ancient plastic traditions of Koban and Scythian sculpture on modern Ossetian culture in the light of creative work of three sculptors — Bilar Tsari-kayev, Yuri Ktsoyev and Vadim Dzhioyev — is considered in the article.

Сегодня в Осетии именно станковая скульптура оказалась на большом подъеме. Это во многом обусловлено богатым пластическим прошлым.

Истоки осетинской скульптуры лежат в древних пластах культур племен и народов, которые населяли территорию Северного Кавказа.

Длительная пластическая традиция имеет в своей основе искусство неолитических охотников и скотоводов, скифо-сарматов, алан, начиная с эпохи бронзы.

Еще во II тыс. до н. э. мастера кобан-ской культуры, первые образцы которой были найдены около осетинского горного села Кобан, создавали прекрасные произведения мелкой пластики.

Культура этого периода получила название «кобанская бронза» или «кавказский звериный стиль».

Обнаруженные археологами металлические предметы кобанской культуры представляют собой атрибуты парадной мужской и женской одежды, утварь, оружие.

Основную массу кобанской бронзы составляют изображения животных и, в меньшей мере, человека. Фигурки животных и людей переданы условно, схематично, без тщательной проработки деталей. Вся фигура вылеплена объемом, массив которого почти не расчленен и, несмотря на малую величину, поражает мо-

нументальностью, устойчивостью. Образам свойственна суровая торжественность и мужественная простота. Они обладают чертами круглой пластики: небольшие объемные скульптурные изображения можно рассмотреть со всех сторон. Они развернуты в пространстве, с любой точки открывается цельный и строго законченный, объемный силуэт круглой скульптуры.

В композиции нет главной точки зрения, которая бы доминировала над остальными: все они в одинаковой мере значительны. Обобщенность линий, передача характерного силуэта животных — черты художественного стиля этой эпохи. Все внимание сосредоточено на воплощение образа не конкретного животного или человека, а типизированного, лаконичного силуэта.

На всем протяжении существования «кобанского звериного стиля» он практически не развивался и не изменялся. В основной массе кобанская пластика отличалась статичностью, монументальностью, минимумом деталей, определенным реализмом, особенно в изображении животных.

В творчестве скифов, пришедших из великих степей на Кавказ, можно видеть интерес к созданию предметов прикладного искусства, стремление украсить необходимые в быту вещи. Лучше всего

ОБЩЕСТВЕННЫЕ И ГУМАНИТАРНЫЕ НАУКИ

сохранились вещи из золота, серебра, бронзы. В заледеневших Пазырыкских курганах на Алтае обнаружены произведения из дерева, рога, кости, изделия из ткани, кожи, войлока. Большой интерес представляют войлочные ковры с изображением орнамента и мифологических сюжетов.

Изображения зверей, обладающих качествами, к которым стремился и сам человек — силой, быстротой, ловкостью, -мотивы борьбы, охоты были в большинстве случаев основной темой искусства скифов, что дало возможность именовать его «скифским звериным стилем».

Скифские мастера смело уменьшали, увеличивали или перекручивали части тела животного, сохраняя при этом его определенную реальность и узнаваемость. Произведения скифского искусства имеют однофасад-ную точку зрения, почти не имеют объема, особенно на позднем этапе своего развития.

Плоскостное изображение характерно не только для тех вещей, чья функциональная принадлежность требует именно такого композиционного решения (бляшки, нашиваемые на одежду, украшения предметов воинского снаряжения, конская сбруя и т. д.

), но и для вещей, где, казалось бы, необходимо наличие объемности (на-вершия посохов, антропоморфные изваяния).

Возможно, это связано с тем, что в скифской изобразительной культуре превалировало именно декоративно-прикладное искусство, как наиболее полно отвечавшее потребностям общества того времени, где образ жизни кочевника требовал от вещей не только эстетического совершенства, но и функционального удобства. Постепенно в скифском искусстве происходит переход от реалистичности в сторону декоративности.

В целом скифская пластика отличается динамичностью, декоративностью, зачастую большим количеством тщательно проработанных деталей, обилием декора, разрушающего целостность силуэта.

В современной осетинской скульптуре в работах многих авторов наблюдается влияние древней пластики. У одних авторов на первый план выступает символизм и знаковость изображения, здесь можно назвать Билара Царикаева и Юрия Кцоева. У других проявляется исключительно декоративное начало, к примеру, в работах Вадима Джиоева.

Билар Царикаев влюблен в кобан-скую бронзу. Он может делать мастерские стилизации под древность. Фибулы, булавки, зооморфные фигурки, кинжалы -все вроде похоже, но есть в них что-то не позволяющее назвать их просто удачными повторами или копиями. Черты архаики проявляются и в композиционном, и в образном решении работ.

В композиции мастер часто отдает предпочтение фронтальной постановке фигур, что характерно для архаического искусства, где скульптура, будучи достаточно обобщенной, играющей роль определенного символа, знака, предмета или явления, не требовала от зрителя кругового обхода, внимательного детального рассмотрения.

Герои произведений скульптора почти не имеют индивидуальных особенностей, условно решены лица — глаза, рот, нос в виде налипов, что характерно для кобанской бронзы. Национальная характерность в работах намеренно не подчеркивается.

Фигуры лепятся по определенному канону, они довольно приземистые, головы несколько крупноваты по отношению к телу, гипертрофированные формы и размер рук и ног, и здесь опять прослеживается стилистика кобан-ских вещей. Например, работы «Осетинская невеста», «Фсати», «Несение креста», «Автопортрет».

Если же изображается животное, то, как и в произведениях звериного стиля, акцент делается на какой-то характерной детали. Например, у птиц это крылья и клюв, как в «Дереве птиц», у оленей — рога, у ослика в «Бегстве в Египет» — уши. Именно эти черты — принцип

похожести, мотив повтора и приемы архаизации — указывают на глубинную связь с традиционной народной культурой.

Работы Царикаева монументальны, но их монументальность заключена не в размере, а в точном соотношении масс, в отсутствии излишней детализации, дробящей цельную форму образа.

У Царикаева нет работ, сюжетно связанных с современной жизнью, он отдает предпочтение мифологическим, символическим, религиозным темам.

Юрий Кцоев в своем творчестве тяготеет к знаковой скульптуре. Он создает не конкретную фигуру какого-то героя или события, а его собирательный образ. В деревянной скульптуре «Жертва» фигуры человека и животного на его плечах сливаются в одно неразрывное целое, их невозможно представить друг без друга, они оба могут быть жертвой.

В композиции «Мой отец» фигуры взрослого и ребенка вырезаны из одного куска дерева. Их лица не проработаны, но превращенные в круг руки создают ощущение такого единения этих двух существ, которое трудно передать более «изощренными» пластическими средствами.

«Мой отец» воспринимается и как образ отца скульптора, и как образ любимого человека, живущего на земле.

Стилистически все эти композиции также связаны с древними образцами: позы статичны, торсы то вытянуты, то укорочены, ноги также укорочены, а руки, наоборот, удлинены, лица очень условны, нос, если он показывается, преувеличено большой, детализация сведена к минимуму. Зачастую в силуэтах его работ можно разглядеть контуры деревянных деталей различных бытовых предметов, например частей упряжи. Это лишний раз указывает на глубинную связь с древними культурными традициями.

Основной акцент на декоративности делает в своем творчестве Вадим Джиоев. Он неоднократно принимал участие в ар-

хеологических экспедициях, где тесно познакомился с кобанской и аланской культурами, так сказать, попробовал их на ощупь.

Сочетание знаний о древности и навыков творческого ремесла привело Джиоева к созданию своеобразного художественного языка, в котором современные пластические решения переплетаются с образами кобанского и скифского звериного стиля.

Если для древних образцов свойственна определенная приземистость, грубость, угловатость форм, то образы Джиоева отличает изящество и легкость. Работы имеют характер декоративных вещей.

В них нет драматизма, внутренней экспрессии, психологической разработки образов, но есть ясно найденный силуэт, организующий работу в пространстве. В композиции «Воин облаков» это изящество превращает скульптуру в легкую паутину, сообщая фигурам воинов гибкость, обращая их в струны, превращая их в невесомые силуэты. И сама работа напоминает изысканный графический лист.

Скульптуры Джиоева трудно представить в виде монументальных вещей, так как при увеличении они из-за просветов могут «раствориться» в окружении. Однако автор не дробит поверхность формы деталями, он сводит их к минимуму, придавая работам цельность. Это не в полной мере круглая скульптура, работы скорее ближе к своеобразным рельефам, как и древние образцы, которые крепились на одежде, оружии.

Близость с древними стилями ощущается и в выборе тем: «Терзание», «Солнце-олень», «Всадник» и т. д. Во многих работах обычная, знакомая форма приобретает новое свойство, как, например, кобанские ритуальные топорики, трансформированные в фигурки древних воинов. Или работа «Фалвара», где топорик, в древности защищавший своего хозяина, превращается в образ бога — покровителя домашнего скота.

Произведения современных осетинских скульпторов национальны не только

ОБЩЕСТВЕННЫЕ И ГУМАНИТАРНЫЕ НАУКИ

благодаря развитию определенной тематики, они национальны по духу, по образному строю. В них нет повествова-тельности, литературно развернутого сюжета, что так характерно для древней пластики. Статичность композиции, скупость движений и жестов, крупная выра-

зительная форма, отсутствие динамики и сильных акцентов — все это вызывает в памяти произведения древних мастеров.

Благодаря глубоким традициям современная осетинская скульптура имеет все предпосылки и возможности создать новую форму художественного языка.

Источник: https://cyberleninka.ru/article/n/drevnie-plasticheskie-traditsii-i-sovremennaya-skulptura-osetii

Самая большая скульптура из золота

История знает немало примеров, когда по приказу самодержцев отливались статуи из чистого золота. И это были не просто статуи, но самые большие скульптуры из золота. Зачем повелители ( в основном древности) столь нерационально расходовали золотые запасы, ведь добыча драгоценного металла была медленным, исключительно трудоемким, немеханизированным процессом?

Возможно, неслыханная щедрость правителей была продиктована несколькими причинами:

  • Желанием задобрить языческих богов, а за одно продемонстрировать железную непоколебимость власти, дарованной этими самыми богами. 
  • Запугиванием государств-соседей: кто захочет начать войну (чрезвычайно затратное предприятие) с государством, которое располагает такими несметными богатствами,  что в свою очередь, значит обладание мощной, прекрасно вооруженной армией.Вот древние владыки и соревновались меж собой: у кого краше и дороже дворец, храм или статуя бога, тот и сильнее.
Читайте также:  Научно-познавательный музей cosmocaixa, барселона

Само собой разумеющееся, что стоимость 1 грамма золота в таких случаях интересовала властелинов мира менее всего.

Золотые статуи Семирамиды

Имя Семирамиды, правительницы Вавилона известно не только благодаря легендарным висячим садам, но также созданию самой большой скульптуры из золота. Щедрость  или суеверный страх за вероломное получение власти ассирийской царицы Семирамиды не знали границ. 

На создание 12-ти метровой божественной статуи было израсходована тысяча вавилонских талантов, или 30 тонн чистого золота, говоря современным языком. Божество восседало на троне, рядом с которым стояли золотой стол и стул, жертвенники для животных. В пределах Эсагилы (храма), находилась еще одна золотая статуя божества 6 метровой высоты, символизирующего Вавилон.

Но размеры языческих изваяний не удовлетворили страсть к большим золотым кумирам царицы, поэтому она приказала отлить из чистого золота еще более грандиозную статую — золотую богиню Рею. 250 тонн золота понадобилось, чтобы возвести трон, два золотых льва, что стояли по обе стороны от трона и саму языческую богиню, праматерь всех богов, царственно восседающую на  нем.

В меркантильности прекрасную царицу уличить было нельзя — но золотые кумиры не спасли свою горячую поклонницу от трагической судьбы, Семирамиду убил собственный сын.

Хан Батый: полцарства за коня

Еще одним известным любителем гигантских золотых статуй был хан Батый, в свое время награбивший несметное количество драгоценного металла. Золота у монгольского завоевателя было так много, что он не придумал более лучшего способа применения, как отлить из желтого металла двух коней в натуральную величину.

Мнения экспертов относительно веса коней сильно расходятся, но все равно цифры внушительны: от 1,5 до 8 тонн весила каждая лошадка. Что неудивительно, плотность золота составляет 19,32 г/см³, тяжелее только металлы платиновой группы! Золотые кони украшали столицу Золотой Орды Сарай-Бату в течение века, переходя во владения от одного хана к другому. Далее судьба статуй неизвестна.

Египетский владыка: все, ради плодородия

Птолемей Филадельф, правитель эллинистического Египта отличился особой изощренностью (извращенностью?): по его приказанию из чистейшего золота был отлит фаллос, увенчанный золотыми коронами. Длина драгоценного детородного органа составляла 120 локтей (60 метров), диаметр —  6 локтей (3 метра), по городу его возили тысяча быков, приводя в совершенное изумление обычных горожан.

Впрочем, эротики, как таковой здесь мало, поскольку фаллос традиционно считался символом плодородия и воздавать ему почести считалось вполне нормальным явлением – все же хотели полных амбаров хлеба.

Сегодня ощутить амбициозную смелость замыслов правителей прошлых времен можно  в храме китайского квартала Бангкока, где покоится самая большая скульптура из золота — статуя Будды. Вес золотого Будды составляет почти 6 тонн, высота 3 метра,  да и возраст не маленький — почти 8 веков.

Среди представителей современности отличились англичане — скульптор Марк Куинн не так давно создал скульптуру известной английской топ-модели Кейт Мосс. Подробнее об этом смотрите на видео:

Источник: https://kupluzoloto.ru/samaya-bolshaya-skulptura-iz-zolota

История античных украшений

Украшения. Ювелирные украшения были известны с давних времен. Еще древние римляне и греки использовали разнообразные предметы для украшения себя и своей одежды. Известны находки ювелирных украшений, которые датируются тысячами лет до нашей эры.

Эти первые ювелирные украшения были сделаны из подручных средств и представляли собой фигурки зверей и птиц. И только позднее греки стали делать ювелирные украшения из металла.

В основном в Древней Греции использовалось золото, из которого мастерились простые, но в тоже время причудливые формы украшений.

Крито-Микенская культура прославилась на весь мир своими золотыми украшениями.

Триста лет до нашей эры жители Греции стали ювелирные украшения оснащать драгоценными камнями. Зачастую камни привозились из Индии и Египта, где к той эпохе их научились находить и обрабатывать. Использование камней дало новые возможности для создания украшений. Греки разрабатывают уникальные формы предметов.

Ювелирные украшения для греков были не предметами повседневной жизни, их одевали только в самых праздничных и особых случаях. Мужчины использовали украшения, когда им предстояло предстать с речью перед публикой. А женщинам предметы филигранной работы дарили в знак уважения и почтения.

Кроме того, древние греки верили, что ювелирные украшения служат оберегом от худого глаза.

Самыми ранними работами греческих ювелиров были изделия, изображавшие богов. Практически все предметы ювелирного дела в Греции делались из благородных металлов – золота и серебра, с использованием драгоценных камней и слоновой кости.

Греки очень бережно относились к таким вещам и делали даже их специальные дубликаты из глины или бронзы.

Для создания образцов античного ювелирного искусства в Греции пользовались специальными емкостями определенной формы и рисунка, в которые и заливали металл.

К началу нашей эры греческие ювелиры применяли многочисленные наработки других стран, однако в этот период все больше ощущается влияние искусства Рима.

Рим постепенно расширяет свои территориальные границы, а это значит, что и художественное, и ювелирное искусство империи пользуется всеми знаниями, которые накапливало общество других государств.

Для производства ювелирных изделий употребляются не только металлы, но и дерево, стекло и драгоценные камни. Ювелирные изделия становятся для римлян атрибутами одежды. Для того, чтобы скрепить тоги, применяются особые брошки, фибулы, а женщины начинают носить кулоны, заполненные духами.

Символом власти в Древнем Риме считается кольцо, с помощью которого можно ставить печати. Это они заимствовали из Крито-Микенской культуры.  После того, как Римская империя была повержена, все ее богатства разошлись по миру.

Геометрический период. В так называемое «темное время» (1100-800 до РХ), которое последовало за крахом микенского мира, золото и серебро не отражает ни богатства, ни фантазии предшествующих столетий. Однако созданная традиция жила в бронзовых и железных драгоценностях — благородные металлы были очень редки.

В драгоценностях того времени проявляется влияние Севера. Кольца, спирали для волос, браслеты и арочные фибулы, извлеченные из Геометрических некрополей в Аттике, были сделаны в самой простой форме из проволоки или очень тонкого металлического листа, лишенного художественного оформления. Расцвет производства драгоценностей вновь начался вскоре после 800 г.

до РХ в результате контактов с более развитыми цивилизациями Востока и Египта.

Архаичные и Классические периоды. Хотя обработка металлов быстро развивалась в течение Архаичного периода (600-475 г. до РХ), остались лишь скудные примеры ювелирного искусства Греции этого периода.

Такое малое количество золотых драгоценностей (главным образом остались серебряные, бронзовые или железные украшения) можно объяснить войнами с персами и тем фактом, что персы управляли Ближним Востоком, и, следовательно, золотым запасом.

Однако производство драгоценностей продолжалось в течение этого периода без перерыва. Греческие ювелиры обратили внимание на рынки за границей, изготавливая греко-шиитские, греко-фракийские, греко-этрускские и греко-кельтские украшения.

Так, во время Персидских Войн в Греции производство драгоценностей продолжалось без перерыва, создавая изящные работы со значительными изменениями в технике.

Эллинский период. Большие изменения, которые отмечают эпоху эллинизма (330-27 до РХ), начатую завоеваниями Александра Великого и выросшие благодаря контактам с Востоком и Египтом, повлияли также на ювелирное искусство.

Это не только удивительное изобилие золота, но и появление новых типов драгоценностей и введение новых декоративных тем.

Вступила в силу полихромия, достигаемая использованием полудрагоценных и даже драгоценных камней типа халцедона, сердолика, аметиста, горного хрусталя и преимущественно граната, заменившего более дорогостоящую стеклянную массу.

Римский период. В течение многих лет римского владычества после 27 г до РХ не происходило никаких существенных изменений в создании ювелирных изделий. С незначительными изменениями продолжалось использование форм существующих с эллинского периода, в то время как техника исполнения ухудшилась.

Филигрань и грануляция появляется реже.
Склонность к полихромным эффектам и использование цветных камней возросли, использование эмали уменьшилось. В дополнение к прочим камням, использовались драгоценные камни — сапфир, изумруд, топаз, аквамарин и даже алмаз.

Вновь возродилась техника чернения, известная с микенской эпохи.

Все эти тенденции указали путь к развитию обработки золота и серебра ранней Христианской и Византийский эпохе.

Современные украшения в стие Древней Греции:

Источник: https://www.livemaster.ru/topic/94749-istoriya-antichnyh-ukrashenij

Скульптура из золота и серебра

Труд ювелира всегда был близок работе скульптора. Податливость и мягкость драгоценных металлов дала возможность тщательно прорабатывать чеканный рельеф.

Плавкость и высокая пластичность сделали серебро и золото прекрасным материалом для литья.

Западноевропейское золото-серебряное дело знало наиболее разнообразное и широкое применение скульптурных форм.

Крупнейшие ваятели античности при создании монументальных произведений использовали драгоценные металлы. Например, статуя Зевса лимпийского в золотой мантии, с золотыми фигурами на пьедестале, стала одним из семи чудес света (работа Фидия).

Мастера западноевропейского золото-серебряного дела XVI — XVII веков были талантливыми скульпторами и изощренными ювелирами. Их работы отличались красотой пластической формы. Утварь становится декоративной скульптурой. Маскируется утилитарное назначение того или иного предмета (для работ немецких ремесленников эпохи барокко это особенно характерно).

Русские мастера по-своему использовали и понимали пластические формы. Средневековая Русь, которая приняла лучшие традиции византийской пластики, практически ничего не знала о круглой скульптуре. В Древней Руси и мастера литья и чеканщики работали только в рельефе, невысоком и плоском, компактные объемы которого замыкались между фоном и передней плоскостью (незримой).

Отвлеченность и условность форм изображений, фон, который лишен даже намека на передачу пространственной среды, делали их похожими на иконы.

Но даже в таких узких рамках ювелиры добивались разнообразия и богатства пластических композиций, то экспрессивно заостренных, то мягких с «текучестью» масс, то изысканных и утонченных в графике силуэта и проработке форм. Богатство фактуры не заслоняло собой никогда чувства материала.

Сложный колорит сочетаясь с мерцанием жемчуга и драгоценных камней, серебром, позолотой и блестящими эмалями не разрушал пластической цельности изображения.

Классический стиль древнерусского рельефа в XVII веке начинает постепенно разрушаться. Стремление к повышенной объемности форм чувствуется в работах мастеров в первой трети XVII века.

В работах серебряных и золотых дел мастера Гаврилы Овдокимов это проявилось наиболее ярко.

Это его монументальные работы с «портретными»изображениями, которые приблизились к круглой скульптуре (серебряные раки Александра Свирского, Кирилла Белозерского и царевича Дмитрия).

Период подъема переживает искусство скульптуры в XVIII веке. В изделиях ювелиров статуарная пластика занимает все больше места.

Декоративная скульптура начинает развиваться с середины XIX столетия. Изделия этого периода поражают виртуозностью чеканки и литья.

Источник: https://VintageTorg.com/predmety-interera/skulptura/59-skulptura-zolota-serebra.html

Древние Ювелирные Технологии

Первыми украшениями человека были частицы самой пpиpoды, исполненные мистического смысла.Они были сделаны из кости, зубов или рогов животных, раковин, кусочков дерева — и то, что одевал на себя человек, не просто украшало его, а оберегало, защищало, давало удачу в охоте, дарило мудрость и даже возвышало над другими членами племени.

Таким образом, сама история ювелирного искусства — это еще и история магии. Самые древние украшения были найдены на Юге Африки, их возраст около 75 тысяч лет — это бусы из ракушек, выкрашенные красной глиной. Ракушки были тщательно подобраны по размеру и форме и, вероятно символизировали высокий статус их владельца.

К сожалению, история донесла до нас очень мало украшений наших предков — кость, дерево, зубы и когти животных очень плохо сохраняются и только камень, а потом и металл, смогли сохраниться и дать нам возможность узнать, как возникло и развивалось ювелирное искусство.

Сначала человек использовал камень только в том виде, в каком находил его в природе. Его привлекал его блеск, форма кристалла, но в дальнейшем он научился облагораживать и обрабатывать камни, положив тем начало ювелирному делу

Безусловно, навыки работы с камнем появились очень давно, около миллиона лет назад.

Тогда человек (Homohabilis, Человек умелый) уже умел делать примитивные орудия из кремня и обсидиана, а затем это искусство достигло необычайных вершин.

И до сих пор не совсем понятно, как древний человек, не имея никаких орудий труда, кроме того же камня, рога и кости животных, мог изготавливать такие замечательные, идеальной формы наконечники для стрел или копий!

Однако именно ювелирная обработка камня возникла, вероятно, лишь в Древнем Египте, затем в Месопотамии, Древней Греции, получило необычайное развитие в Древнем Риме, Византии, а затем и в Средневековье.

Так, например, резьба по камню — глиптика, появилась в Древней Месопотамии и Древнем Египте, достигла своего рассвета в Греции в VI веке до н.э., а затем и в Риме, добившись необычайных высот в Средние века.

Читайте также:  Отплытие царицы савской, клод лоррен, 1648

Но сначала обработка камня была очень несложной, египтяне, например, для изготовления изображений священных жуков-скарабеев использовали довольно мягкий синий лазурит, обтачивая его на твердом песчанике, придавая нужную форму. А затем полировали на мокрой коже с мельчайшим кварцевым песком. Использовали египтяне в основном бирюзу, сердолик и лазурит (ляпись-лазурь), а также… стекло, крашеное под эти камни!

Более твердые камни почти не обрабатывали, их либо обкалывали, либо шлифовали и полировали природные грани, обработка была сложна и требовала очень много времени.

Но именно время работало на древнего мастера-ювелира. Более грубую, простую работу обычно выполняли рабы, и лишь затем мастер доводил изделие до нужной формы и блеска.

И часто обработка камня длилась не неделю и не месяц — а целые годы!

В Раннем Средневековье обработка камней усложняется — камень долго шлифовали на мелкозернистом песчанике, а затем полировали на свинцовой плитке с кирпичной мукой или толченым горным хрусталем. Использовались и шлифовальные круги, сделанные из песчаника по типу мельничных жерновов, или свинцовые и оклеенные кожей деревянные круги для полировки.

В те времена камни в основном, получали форму, схожую с формой современных кабошонов. Ими украшали чаши, кубки, оружие, сбрую лошадей, церковную утварь и одеяния.

Чаще всего в издeлияx XII — XIII веков в Европе пpимeняли аметисты, гopный хpyстaль, сepдoлик, изyмpyды, сaпфиpы, бирюзу.

В XIV-XV в.в. в 3aпaднoй Европе культура и технологии обработки камня резко возросла, с 1327 года в Брейсгау (Германия) начала работать «шлифoвaльная» мельница с водным и ручными приводами, в 1350 г. такая же мельница была пoстpoeнa в Пpaгe, в 1385 г.

— в Нюpнбepгe, a затем и в Идap-Обepштeйнe. В 1400 г. немецкие мастера появились в Париже, где в 1456 г., личный гранильщик Карла Смелого Бургундского, Луи де Беркен из Брюгге, открыл, что именно толченый алмаз является непревзойденным средством огранки.

Дело в том, что по разным граням твердость алмаза немного отличается и таким образом алмаз можно обрабатывать алмазом! Луи де Беркен выявил и уникальные свойства алмазов — преломлять свет при их огранке. Существует правда предположение, что технология огранки алмаза в бриллиант была изобретена в Париже, но позже, в 1600 году, есть и мнение, что впервые огранку изобрел ювелир В. Перуччи из Венеции.

Но именно с XV века огранка алмазов шагнула вперед, сначала алмаз гранили в виде таблицы, с XVI века — фасетированием. В XVII веке бриллиант стал основным украшением ювелирных изделий.

Еще древнеегипетские мастера были знакомы с техникой сверления камня — сверла представляли собой полые трубки, в которые засыпали кварцевый песок, и диаметр этих трубок был всего несколько миллиметров.

Существовала и имитация драгоценных камней из цветных непрозрачных стекол (как и в Древнем Египте), подкладывали смальту, и тонкую фольгу из металла, склеивали два камня, «обыгрывали» дефект камня сложной, красивой оправой. Золотая и серебряная фольга в подложке также «заставляла» камень играть и этого добился и достиг высочайшего мастерства знаменитый Бенвенуто Челлини.

С металлом человек познакомился давно, находя различные блестящие кристаллы или используя некоторые руды как минеральные краски — красноватые гетит, гематит, киноварь, желто—зеленый реальгар и аурипигмент, синий азурит.

Но именно выплавка металла из руды положила начало новому витку ювелирного мастерства и расширила возможность древних технологий. Первоначально человек использовал лишь самородные металлы — золото, серебро, самородную медь, редко самородное и даже метеоритное железо…

В дальнейшем народы, населявшие Южный Урал и Предуралье в России, научились плавить малахит, выплавляя из него медь, а холодная ковка меди давала возможность сделать её более твердой. Медь использовалась и для украшений, браслетов, и в быту, и для изготовления инструментов и оружия.

С VII тыс. до н.э. человек изобрел технику механической обработки самородных металлов — ковку, выгибание, обрезку, сверление, обтачивание, и лишь начиная с V тыс. до н.э. высокотемпературное плавление в горнах и печах, освоили технику литья.

Но главное — это изделия из золота и серебра. И не только литье, но и изделия из проволоки, золотая и серебряная скань, золотая фольга. Золото всегда было дорогим металлом, и там где было возможно, используя его пластичность, предмет оклеивали золотой фольгой.

Плиний Старший писал, что «римские мастера могли из римской унции (27,3 г) золота получить 750 квадратных листов шириной в четыре пальца».Толщина такого «листика» было менее 4 микрон!!!! Технология изготовления золотой фольги был такова — тонкую золотую лену резали на квадраты и укладывали стопкой, прокладывая листом пергамента.

Затем, положив стопку на гладкую гранитную плиту, её били молотком, а когда размеры квадратиков удваивались, а их толщина уменьшалась в 4 раза, их разрезали на 4 части, получая листки толщиной с современный лист бумаги. Затем листки золота снова складывали в стопку, но вместо пергамента перекладывали специально обработанной оболочкой из бычьих кишок.

Затем зажимали прессом и снова били молотком. Когда золото выступало из-за краёв, стопку разбирали, и все начиналось заново. Это был длительный и тяжелый процесс, выполняли его рабы, мастер лишь следил, чтобы не было прекоса пластин.

В дальнейшем технологию ковки частично заменили вальцовкой, пропуская тонкие листочки через металлические вальцы, но это было уже в Средние Века. И кстати, также делают и сейчас…

Золочение предметов, до изобретения процессов электролиза в XIX веке (хотя по косвенным данным эту технологию применяли ещё в Древней Греции) использовалось амальгамирование.

Для покрытия амальгамой (золото, смоченное ртутью) поверхности её накладывали на медные предметы или листы, ставили их в печь или нагревали над жаровней, ртуть испарялась, а золото прочно прикреплюсь к меди.

Многие из тех, кто работал в ювелирных мастерских, умирали мучительной смертью от отравления парами ртути.

Способ амальгамирование использовали и на Руси для золочения куполов церквей и храмов.

Был и способ так называемого «Византийского рисунка». Там также использовалось амальгамирование — на горячую медную поверхность наносили черный лак, который затем соскабливали, делая определенный рисунок. Затем горячую поверхность натирали золотой амальгамой и в тех местах, где лак был удален золото прочно «сцеплялось» с медью, образуя красивый золотой рисунок на черном фоне.

Инки золотили предметы, проковывая и обжигая медь, в которой содержалось немного золота. Лист меди проковывался, затем отжигался, покрываясь черным оксидом меди, и снова проковывался и отжигался.

Оксид меди удалялся кислыми соками растений, и лист все более и более обогащался золотом. В зависимости от степени обогащения цвет мог быть красным, розовым, желтым.

Это способ золочения инки применяли в течение 2000 лет.

Еще один из способов изготовления золотых изделий кроме ковки и литья — это изготовление золотой (да и серебряной) проволоки.

Наиболее древние образцы проволоки изготовлены либо тщательнейшей проковкой, либо резкой тонкого золотого листа.

В Абидосе (Египет) при археологических раскопках был обнаружен браслет, состоявший из двух групп бусин, соединенных прядью свитых вместе золотой проволоки и …волоса. Причем диаметр проволоки был точно такой же, как и волоса — 0.33 мм.

Золотые нити для одежды в Египте уже умели изготавливать вначале третьего тысячелетии до н. э. (2755 — 2733 гг.), а во втором тысячелетии (1587—1518 гг.) изготавливали и серебряные нити (что сложнее, так как серебро менее ковкое и более ломкое, чем золото).

В Месопотамии около трех тысяч лет до н.э. ювелирное дело достигло больших высот. В городе Ур было изучено погребение царицы Шубад (XXIII — XXV век до н.э.).

Одежда царицы была покрыта богатейшими украшениями из золота, лазурита, сердолика, а массивный головной убор состоял из золотой диадемы, венка из золотых листьев, золотых колец и трех золотых цветов. Диадема была изготовлена из тончайшей, диаметром 0.25-0.3 мм, проволоки, свитой в спираль.

Вероятно, именно в Месопотамии, впервые использовали технику волочения золота, когда металл многократно (сотни и тысячи раз) протягивается через отверстия разной толщины — фильеры.

погребение Шубад ( Пу- Аби) Уре раскопал британский археолог Вулли в 1920гг. Вместе с царицей захоронили 25 человек. 

Реконструкция золотого головного убора великой царицы Шубад. Он оказался чересчур тяжелым и попросту раздавил голову царицы, поэтому восстановить ее облик было невозможно, жена археолога Вулли вылепила ее лицо, основываясь на чертах одной из ее фрейлин, принесенных в жертву.

В погребении еще были стеклянные цветы, венки, бусы, гребень, изделия из лазурита. Там же нашли прототип унитаза — резной трон-стульчак шумерской царицы и носилки с полозьями и львиными головами. 

В одном из шумерских мифов «Сошествие Инанны в подземный мир» говорится о том, что богиня должна была спуститься в царство своей сестры Эрешкигаль, богини мертвых. Инанна должна была пройти через 7 ворот, снимая каждый раз части своего царского одеяния и украшения.

Пройдя последние, 7-е ворота, она оказалась совершенно нагой и беспомощной, как обычная смертная, и Эрешкигаль превращает ее в труп. Когда Инанна умерла, на земле остановилась жизнь, прекратилось рождение, не стало любви и боги стали принимать меры по возвращению Инанны. На обратном пути, вернув свои драгоценности, Инанна возвращает свою силу.

Этот фрагмент мифа показывает, что в украшениях шумерской жрицы Пу-Аби скрыто гораздо больше значения и смысла, чем мы привыкли думать.

   Царицу, а может быть и жрицу Пу-Аби нашли всю усыпанную драгоценными украшениями — золотыми, серебряными, лазуритовыми, сердоликовыми, агатовыми и халцедоновыми бусинами, с большими золотыми серьгами и  в головном уборе из золотых цветов, инкрустированных индийским сердоликом и афганским лазуритом. На фото в правом нижнем углу — подвязка, в правом нижнем — браслет или манжета.

Амулеты-рыбки

У ее правого плеча лежали три длинные золотые булавки с лазуритовыми головками и амулеты: лазуритовый и два золотых в виде рыбок, 4-й — золотой в виде двух сидящих газелей.

Амулет в виде двух сидящих газелей (антилоп)

Амулеты в виде золотого сидящего быка  и теленка присутствовали в головном уборе Пу-аби. Размер этого бычка 1,5 х 1,5 см, прямо-таки прообраз наборных украшений типа trollebeads.

Золотая застежка

Пу-аби носила очень сложный головной убор, который был надет на какую-то большую основу, возможно на парик.

Предметов из лазурита в сочетании с золотом было больше всего в гробнице Пуаби. А, как известно, лазурит — это камень, который в Шумере не добывался, его могли привозить только из одного места — знаменитого по сей день Бадахшанского месторождения в Афганистане. Сейчас э

Образцы золотой проволоки были найдены и при изучении курганов и погребений V — IV веков до н.э. Северного Причерноморья, Поволжья, Урала и Зауралья.

На Алтае, на далеком плато Укок, жившие там племена кочевников, не умея плавить золото, в V веке до нашей эры умели делать уникальные изделия из золотой фольги, оборачивая ей кольца из меди и бронзы.

В раннем Средневековье в X—XIII веках волочение золотой проволоки было важной отраслью ювелирного дела, причем изготавливали не только золотую, но и медную, бронзовую и железную проволоки (из них делали булавки, застежки, иголки, гвозди и т.д.).

Техника изготовления золотых нитей и проволоки волочением была хорошо известна и мастерам Древней Руси. В IX—X веках в Киеве, русские золотых дел мастера изготавливали золотошвейные нити, а из толстой проволоки, диаметром 2-3 мм, делали браслеты, традиционные гривны (шейные обручи), и другие украшения.

А.А. Каздым
кандидат геолого-минералогических наук, член МОИП

материал дополнен текстами и фотографиями. Компелляция моя- Даниил Носков.

Источник: https://s30556663155.mirtesen.ru/blog/43603808340

Ссылка на основную публикацию