Биография, творчество и картины андреа мантенья » музеи мира и картины известных художников

Андреа Мантенья: жизнь и творчество художника

Андреа Мантенья (ок. 1431, Изола-ди-Картуро, Венето — 13 сентября 1506, Мантуя) — итальянский художник, представитель падуанской школы живописи.

Содержание

Мантенья родился около 1431 года в итальянском местечке Изола-ди-Картура близ Венеции в семье дровосека. В 1441 году был усыновлен знатоком древностей и художником Франческо Скварчоне. Учился изобразительному искусству, а также латыни у Скварчоне, который пробудил в нём интерес к Античности. В 1445 году был записан в цех живописцев Падуи.

В 1453 году Мантенья женился на дочери Джакопо Беллини Николосии (Николозе).

Мантенья скончался 13 сентября 1506 года в Мантуе. Его прах покоится в базилике Сант-Андреа.

Творчество Мантенья

Один из лучших художников Италии XV столетия, Андреа Мантенья обладал глубокими познаниями о древнеримской цивилизации, однако посвятил жизнь преимущественно христианской живописи.

В возрасте 17 лет Мантенья в суде добился независимости от Скварчоне и с тех пор работал как самостоятельный художник. В молодости испытал влияние флорентийской школы, в частности Донателло.

В 1460 году он становится придворным художником у герцогов Гонзага и остаётся в этой должности до своей смерти.

В своей живописи он следовал традиции флорентинца Мазаччо, но отдавал предпочтение более стойкой темпере, как это было принято у мастеров Венеции.

Один из крупнейших гуманистов Италии, Мантенья был знатоком и собирателем произведений античной культуры. Благодаря в том числе и глубокому пониманию античности, Мантенья стал радикальным новатором живописи.

Работы художника

  • «Битва морских божеств». Ок. 1470. Резцовая гравюра на меди.
  • «Мёртвый Христос». Ок. 1500. Пинакотека Брера, Милан.
  • «Триумф Цезаря». Картон. 1485—1488. Хэмптон-корт, Лондон.
  • «Юдифь». Тушь, перо, кисть.1491. Галерея Уффици, Флоренция.
  • «Шествие святого Иакова на казнь». Фреска в капелле Оветари церкви Эремитани в Падуе. 1449—1455. (Не сохранилась).
  • «Святой Себастьян». 1470
  • «Парнас». 1497. Лувр
  • «Святой Себастьян». 1480—1485
  • Камера дельи Спози замка Сан-Джорджо в Палаццо Дукале (Мантуя). 1474.
  • «Ecce Homo», Музей Жакмар-Андре, Париж
  • «Успение Богородицы». Ок. 1462. Музей Прадо, Мадрид.
  • Алтарь Сан Дзено. 1456—1459. Верона, церковь Сан Дзено.

Библиография

  • 3намеровская Т. П. Андреа Мантенья. — Л., 1961.
  • Лазарев В. Н. Мантенья // Лазарев В. Н. Старые итальянские мастера. — М.: Искусство, 1972. — С. 201—270. — 662 с. — 20 000 экз. (в пер., кор.)
  • Николаева Н. В. Андреа Мантенья. — М.: Искусство, 1980. — 128 с. — 50 000 экз. (обл., суперобл.)

При написании этой статьи были использованы материалы таких сайтов: , ru.

wikipedia.org

Андреа Мантенья: картины художника

Андреа Мантенья — все картины
Творчество. Свобода. Живопись.

Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!

Андреа Мантенья: жизнь и творчество художника

Проголосуйте

Источник: http://allpainters.ru/mantenja-andrea.html

Художник недели: Андреа Мантенья

В Оружейной палате Московского Кремля до 18 июля можно увидеть картину «Святой Георгий» — один из самых известных шедевров выдающегося мастера итальянского ренессанса Андреа Мантеньи.

Имя и творчество Мантеньи не так известны русскому зрителю, как, например, Сандро Боттичелли или Леонардо да Винчи, однако современные историки искусства называют его одним из «гениев, свершивших внезапный и радикальный переворот» в европейском искусстве (Дж.

Арган), а Вазари еще в XVI веке писал, что «не всегда находится человек, который сумел бы распознать, оценить и вознаградить чей-либо талант так, как признан был талант Андреа Мантеньи» (доподлинно неизвестно, кого именно имел в виду биограф, но, как мы увидим ниже, такой человек был не один).

Андреа Мантенья (Andrea Mantegna) родился в 1431 году в семье плотника Бьяджо, в местечке Изола-ди-Картура, между Падуей и Виченцией. В 1441 году десятилетний Андреа был отдан в подмастерья падуанскому художнику Франческо Скварчоне. Сменивший в тридцатилетнем (т. е.

весьма зрелом по тем временам) возрасте ремесло портного и вышивальщика на профессию живописца, Скварчоне стал знаменитым педагогом, основал Академию художеств Падуи и музей при ней.

Известный собиратель древностей, из путешествий по Италии и Греции он привозил слепки античных скульптур, и они, по-видимому, служили также и пособиями для учеников, которых у Скварчоне было более ста человек.

В период обучения Мантенья без труда превосходил остальных учеников Скварчоне и сблизился со своим учителем настолько, что был усыновлен им в тринадцатилетнем возрасте. Как сообщает Вазари, в 14 лет Мантенья уже был записан в братство живописцев.

Практический подход Скварчоне к приемам обучения художническому ремеслу, а также его любовь к греческой античности (представленной в его время исключительно рельефами и скульптурой) во многом определили взгляд молодого Мантеньи на искусство и творчество в целом.

«Андреа всегда придерживался мнения, что хорошие античные статуи более совершенны и обладают более прекрасными формами, чем мы это видим в природе…

Помимо всего этого, статуи казались ему более законченными и более точными в передаче мускулов, вен, жил и других деталей, которые природа не так ясно обнаруживает» (Вазари); вместе с тем в раннем творчестве Мантенья ориентировался, помимо античной скульптуры, на фрески Андеа дель Кастаньо в Венеции, росписи Паоло Учелло и Филиппо Липпи и алтарь Донателло в Падуе. С Филиппо Липпи и Донателло он даже был знаком и не раз встречался с ними в Падуе.

В 1448 году 17-летний Мантенья ушел из мастерской Скварчоне и, уже как самостоятельный мастер, приступил к росписям капеллы Оветари в Падуе (сильно пострадала в период Второй мировой войны).

Фрески капеллы Оветари на протяжении почти шести веков считаются одной из лучших и крупнейших работ Мантеньи, в которой прослеживается его рост как художника: от сцены к сцене все более заметно мастерство в построении пространства и перспективного сокращения фигур и объемов в нем.

Взаимодействие формы и пространства, объема, в него помещенного, изображения (построения) их на плоскости — холста, доски или стены — занимают Мантенью на протяжении всей жизни.

Возможно, этот интерес и привел его к тому, что мы сегодня назвали бы графикой, но что в XV веке своего названия еще не имело, но определялось, скорее всего, как тоновой рисунок: он увлекался не совсем типичной для итальянского мастера Возрождения техникой гравюры, работал гризайлью, делал много набросков карандашом.

Цвет и оттенки интересовали его куда меньше, чем линии и тональные переходы чистого цвета. Он слыл мастером рисунка и перспективы: известно, что А. Дюрер, отправляясь в 1506 году в Италию, ставил своей целью познакомиться с ним.

Известность юного художника вышла за границы Падуи настолько, что в 1449 году, 18 лет от роду, по настоянию герцогов д’Эсте он ненадолго переехал в Феррару, где как раз в это время братья Леонелло, Борсо и Эрколе д’Эсте создавали из своей столицы крупнейший центр культурного движения, собирая вокруг себя целый мир ученых, писателей и артистов.

Признание, известность, внимание со стороны богатых покровителей искусства ввели Мантенью в круг самых известных художников своего времени.

Он познакомился, например, с семейством Беллини — одной из крупнейших художественных династий Венеции и Италии, давшей миру таких художников, как Якопо Беллини (1400–1470), расписавшего множество венецианских церквей, его сын Джентиле (1429–1507), чрезвычайно почитаемый при жизни художник, автор многочисленных портретов дожей и прочей венецианской знати, и конечно, самый известный представитель фамилии — Джованни (1430–1516), младший брат Джентиле, оставивший после себя более 200 произведений живописи и рисунка. В 1453 году Андреа Мантенья вошел в эту семью, женившись на дочери Якопо Николозии Беллини.

В исследовательской литературе много говорится о влиянии творчества венецианцев Беллини на манеру Мантеньи, однако влияние это было взаимным. Беллини (особенно Джованни) усвоили более сложные многоплановые и сложноракурсные композиционные схемы, а работы Мантеньи приобрели многоцветность, присущую венецианской живописи.

И пусть с течением времени, особенно к концу 1490-х — началу 1500-х, Мантенья все больше увлечется игрой красок и все больше внимания будет уделять мелким и декоративным деталям, неизменным останется главное: его преклонение перед античным искусством, возникшее, по видимости, в мастерской Скварчоне, по-прежнему будет видно и в постановке фигур, и в резкой пластике форм, и в стремлении, особенно в ранний период, к созданию иллюзии объема до такой степени, что его образы кажутся объемными, выступающими за пределы плоскости холста, и в мягких, свободных ниспадающих складках костюмов персонажей, одетых всегда на античный манер (большинство его коллег по цеху изображали одежды в готической манере).

В 1459 году Мантенья переезжает из Падуи ко двору герцога Гонзаго в Мантуе, становится его придворным живописцем и получает высокую плату за свой труд. Кроме того, мантуанский герцог был известным любителем античности и поручил художнику заботу о своих коллекциях, что позволило Мантенье более полно погрузиться в любимую им культуру античной Греции и Рима.

Одной из самых крупных работ, выполненных Мантеньей для Гонзаго, стали фрески Камеры дельи Спози, которые он закончил к 1474 году.

Камера дельи Спози — небольшая квадратная комната с двумя маленькими окнами, бывшая изначально спальней Лодовико Гонзаго, а позже служившая для приема почетных гостей, — подобно парадным спальням многих крупных европейских дворцов, была покрыта фресками полностью: потолок украшала роспись, имитирующая воздушный колодец и небо, стены были расписаны сценами из истории династии Гонзаго.

1488–1490 годы Мантенья провел в Риме, работая над заказом папы Иннокентия VII — росписями бельведерской капеллы (не сохранились), однако, помимо папских фресок, в этот период он пишет большое количество станковых работ, многие из которых сегодня можно увидеть в крупнейших музеях Европы.

Вместе с тем Мантенья благодаря своей известности и заказам получает все больше возможностей продолжать изучать античную культуру и искусство.

К 1492 году относят очень интересную серию из 9 полотен под общим названием «Триумф Цезаря», в которой автор обращается к историческому жанру и последовательно изображает все, что знает об античном мире, — от военных орудий и архитектуры до монет, медалей, процессий танцоров и музыкантов. К концу 1490-х он начинает писать и на мифологические темы.

Самой же известной, но вместе с тем самой необычной и загадочной его картиной по праву считается работа «Мертвый Христос».

Долгое время она датировалась 1500 годом, однако сегодня ученые, исходя из манеры написания мягких складок ткани, большой работы с перспективой и техники мазка, склоняются к более ранней датировке — 1457 году.

В литературе можно также встретить датировку ок. 1480 года — как среднюю дату между двумя этими предположениями.

Изображенная в сложном ракурсе фигура поражает и даже вводит в недоумение как своим композиционным построением, так и иконографией.

После того как удастся оторвать взгляд от изображенной в сложнейшем ракурсе с точнейшими перспективными сокращениями центральной фигуры Христа, невольно задаешься вопросом о практически монохромной поверхности картины, о том, что Христос изображен не с большей тщательностью, чем кровать, на которой он лежит, и низведен тем самым до уровня предмета, что фигуры Богоматери и Иоанна в своей плоскостности и упрощенности почти неотделимы от фона. Однако есть в этой картине некоторая завораживающая бестелесность (возможно, играет свою роль несовпадение размеров кровати и тела на ней), заставляющая вглядываться в нее снова и снова и ощущать себя свидетелем и участником библейских событий.

Завораживает и притягивает она и сегодня. Яркий пример — использование композиции этой картины в фильме Андрея Звягинцева «Возвращение».

  • Кадр из фильма «Возвращение». Реж. А. Звягинцев2003Источник: filmz.ru

Работы Мантеньи считают большой честью и удачей иметь в своих коллекциях галерея Уффици и другие музеи Италии, парижский Лувр, Национальная лондонская галерея, нью-йоркский Метрополитен музей и т. д. К сожалению, в России его работ нет, но время от времени их можно увидеть на выставках.

Читайте также:  Возрасты человека и смерть, ханс бальдунг (грин)

На арт-рынке каждое появление работ Мантеньи (как и вообще мастеров его уровня) — настоящая сенсация и событие мирового значения.

С 1991 по 2013 год в аукционных каталогах они появлялись всего 43 раза, и почти всегда в разделах графики.

Живопись же его редка на рынке невероятно: за последние 20 лет станковые работы (доска, темпера) продавались только 2 раза, причем каждый раз с рекордными результатами.

40 раз продавалась графика (тиражная и оригинальная), а в апреле этого года на одном из немецких аукционов была предпринята попытка продать несколько листов с гризайлью (масло и темпера на бумаге). Учитывая такую редкость появления на рынке, ничего удивительного нет в том, что процент проданных работ стремится к 90.

Рекордная сумма за работу Мантеньи была зафиксирована 23 января 2003 года в ходе торгов аукционного дома Sotheby’s в Нью-Йорке.

Более 25,5 миллиона долларов заплатил неизвестный покупатель за небольшую (39 × 42) недатированную темперу «Сошествие во ад».

По оценкам artprice на 2011 год, этот результат занимает 9-е место в десятке самых дорогих на открытом рынке работ старых мастеров, обгоняя даже живопись Рембранта.

В 2007 году (то есть незадолго до кризиса) на том же Sotheby’s, но в Лондоне, холст «Мадонна с младенцем» был продан за 240 500 фунтов стерлингов (почти полмиллиона долларов).

Справедливости ради стоит отметить, что, судя по всему, эта недатированная работа (холст, темпера.

47,6 × 36,8) относится к более раннему периоду творчества художника и, возможно, не представляет такой художественной ценности, как «Сошествие во ад».

Рекордная цена в 60 000 евро за графику (тиражную) была установлена в далеком 2002 году во Франции. Именно эту сумму отдали за лист «Мадонна с младенцем», превысив тем самым эстимейт более чем в три раза.

Продаются работы Мантеньи и сегодня. Конечно, это тиражная графика, но зато в среднем и нижнем ценовых сегментах.

Три листа из не самой редкой его серии «Вакханалия с бочкой вина» (1490) были проданы 5 июня 2013 года в ходе торгов аукционного дома Bonhams за 2 125 фунтов (при эстимейте 600–800 фунтов).

Так что у любителей старых итальянских мастеров есть возможность пополнить коллекции работами великого Андреа Мантеньи.

Мария Кузнецова, AI

Источники:

  1. Дж. К. Арган. История итальянского искусства. М.: Радуга, 2000.
  2. Джорджо Вазари. Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев. М.: Азбука-классика, 2004.
  3. Искусство итальянского Ренессанса. Под ред. Рольфа Томана. Konemann, 2001.
  4. artprice.com
  5. artinvestment.ru

Источник: https://artinvestment.ru/invest/painters/20130716_mantegna.html

Мантенья АндреаКартины и биография

Мантенья Андреа (Mantegna Andrea) (1431–1506)
Итальянский живописец и гравер эпохи Раннего Возрождения.

Учился в Падуе у своего приемного отца, живописца и антиквара Франческо Скварчоне (около 1441–1448), изучал древнеримские скульптуру и архитектурный декор, увлекался археологией и эпиграфикой, испытал воздействие творчества Донателло, Андреа дель Кастаньо и живописи венецианской школы.

Искусству Мантенья, ведущего мастера падуанской школы, присущи героическое, проникнутое пафосом утверждения достоинства человеческой личности мироощущение, приверженность к четкой архитектонической композиции.

Живописная манера художника Андреа Мантенья отличается чеканностью форм и рисунка, эмалевым блеском красок (росписи капеллы Оветари в церкви Эремитани в Падуе, 1449–1455, почти полностью погибли в 1944; алтарь церкви Сан-Дзено Маджоре в Вероне, 1457–1459, хранится там же, отдельные части – в Лувре, Париж, и Музее изящных искусств, Тур).

Святой Георгий, 1460

Галерея Академии, Венеция

Парнас, 1497

Музей Лувр, Париж

Моление о чаше, 1455

Национальная галерея, Лондон

Картина Андреа Мантенья “Моление о чаше” имеет и другое название “Иисус Христос в Гефсиманском саду”.

Пять ангелов являются молящемуся Христу, в то время как трое апостолов спят на переднем плане, не ведая, что Иуда и толпа солдат идут с намерением взять Христа под стражу.

В этой сцене все – фантастические причудливые скалы, воображаемый город, жесткие складки материи – написано в детальной, твердой и точной манере, присущей живописцу и граверу Андреа Мантенья.

Андреа Мантенья был незнатного происхождения, но усыновленный и обученный простым малоизвестным живописцем, он стал одним из самых значительных художников своего времени.

Стиль Андреа Мантенья, как и стиль других ренессансных мастеров, сформировался под воздействием древнегреческой и древнеримской скульптуры.

Многие из его произведений действительно исполнены как гризайль – живописная имитация мраморного или бронзового рельефа.

Большую часть жизни Мантенья состоял придворным художником герцога Мантуанского, для которого собрал крупную коллекцию предметов классического искусства.

С 1460 Андреа Мантенья жил в Мантуе при дворе Лодовико Гонзага (в 1466–1467 посетил Флоренцию и Пизу, в 1488–1490 – Рим).

В росписях “Камеры дельи Спози” в замке Сан-Джорджо (1474) художник, добиваясь визуально-пространственного единства интерьера, осуществил идею синтеза реальной и “нарисованной” архитектуры.

Иллюзионистические эффекты этих росписей, в частности, имитация круглого окна в потолке, предвосхищают аналогичные поиски Корреджо. Суровым духом римской античности проникнута серия монохромных картонов Андреа Мантенья с “Триумфом Цезаря” (1485–1488, 1490–1492, Хэмптон-корт, Лондон).

Среди поздних произведений Мантеньи – аллегорико-мифологические композиции для кабинета Изабеллы д'Эсте (“Парнас” или “Царство Венеры”, 1497, Лувр, Париж), цикл монохромных картин, в том числе “Самсон и Далила” (1500–е годы, Национальная галерея, Лондон), исполненное драматизма и композиционной остроты полотно “Мертвый Христос” (около 1500, Галерея Брера, Милан).

Живописец Андреа Мантенья был также новатором в области гравюры, и его эстампы на античные темы позднее оказали влияние, в частности, на Дюрера. Графические работы Мантеньи (цикл гравюр на меди “Битва морских божеств”, около 1470), почти не уступающие его живописи по чеканной монументальности образов, сочетают скульптурную пластичность с нежностью штриховой моделировки.

Андреа Мантенья сочетал в себе главные художественные устремления ренессансных мастеров 15 столетия: увлечение античностью, интерес к точной и тщательной, вплоть до мельчайших деталей, передаче природных явлений и беззаветную веру в линейную перспективу как средство создания на плоскости иллюзии пространства. Его творчество стало главным связующим звеном между ранним Возрождением во Флоренции и более поздним расцветом искусства в Северной Италии.

Источник: http://smallbay.ru/artitaly/mantegna.html

Известные работы Андреа Мантенья

Знаковые работы и история жизни Андреа Мантенья.

Андреа Мантенья

Андреа Мантенья — один из выдающихся художников раннего Ренессанса. В 1441 отправляется в Падую, где обучается у Франческо Скварчоне, который знакомит его с античным искусством. На его творчество в значительной мере повлияли скульптуры Донателло (1386–1466), Андреа дель Кастаньи и Якопо Беллини. С 1448 Мантенья работает самостоятельно и скоро становится признанным мастером.

В 1460 является придворным живописцем династии Гонзага в Мантуе. Для произведений Мантеньи характерны анатомически точное изображение человеческого тела, тщательное воспроизведение деталей, так же как и умелая передача перспективы. Эти нововведения оказали сильное влияние на его шуринов — Джентиле и Джованни Беллини. Его гравюры по меди также обрели широкую известность севернее Альп.

Юдифь

Мантенья одним из первых в эпоху Возрождения изобразил Юдифь. Его Юдифь малоэмоциональна, её взгляд обращен в вечность, это изображение близко к изображениям святых.

Мантенья первым перешел от христианских к античным темам и первым изучил анатомию обнаженного тела. Он первым принялся за исследование характера движения, механизма сокращения мускулов. Он обогатил новыми законами и композицию картин.

Никогда не встречаются у него лица, выведенные только как портреты, число которых можно было бы произвольно увеличить. Все фигуры участвуют в действии, все подчинены твердо сплоченному целому.

Обнаружилась новая красота композиции, не терпящая прежнего, столь излюбленного небрежного нанизывания подробностей.

Мантенья и живопись

Мантенья считается основоположником техники живописи на холсте. Самый ранний живописный холст в Италии — это картина Мантеньи «Святая Евфимйя», созданная в 1454 году. Вазари писал, что, в период написания цикла картин «Триумф Цезаря» для дворцового театра в Мантуе в 1482–1492 годах, Андреа Мантенья уже имел большой опыт работы на холсте.

Художник, избежавший какой бы то ни было классификации, стоящий вне школ и направлений, Мантенья оказал неоспоримое воздействие на живопись Италии — от Падуи до Венеции. Благодаря широкому распространению гравюр Мантеньи, итальянское Возрождение проникло в Германию.

Распятие (около 1458)

Дерево, темпера, 61*93 см. Лувр, Париж.

Первоначально это произведение представляло центральную картину пределлы Алтаря Сан Дзено, справа и слева от которой изображены сюжеты Моления о чаше и Воскресения. Сегодня эти картины находятся в Музее изящных искусств в Туре.

Картина пронизана острым трагическим чувством. С необыкновенной силой переданы глубокие драматические переживания женщин, оплакивающих Христа.

В этом произведении художественный стиль Мантеньи проявился в строгой и пластической монументальности образов.

Мужской портрет (1459–1466)

Дерево, темпера, 41,3*29,5 см. Уффици, Флоренция.

Данный портрет является одним из лучших произведений Мантеньи. Стройная композиция помогает запечатлеть строгий облик персонажа. Мантенья применяет метод поворота модели в три четверти, заимствованный у мастеров северноевропейской живописи. В целом портрет является идентичным изображением Карло Медичи.

Мадонна делла Виттория (1496)

Холст, темпера, 280*165 см. Лувр, Париж.

Это произведение Мантенья пишет по заказу маркграфа Франческо II Гонзага (1466–1519) — он изображен слева на переднем плане — в память о битве под Форново ди Таро в 1495. Знаменитой алтарной картине присущи использование оптической иллюзии, эффекта перголы, героический стиль изображения персонажей, теплый колорит.

Купольная фреска Камеры дельи Спози (1465–1475)

Фрагмент росписи. Фреска, диаметр: 270 см. Кастелло Сан Джорджо, Паллаццо Дукале, Мантуя.

На фреске, расположенной на своде маленькой квадратной комнаты, Мантенья впервые в западноевропейском искусстве создал иллюзию пространства, уходящего в небо.

Отверстие окружено парапетом, вокруг которого изображены ангелы, смотрящие вниз, люди и животные. Это смелая композиция, где фигуры изображены в необычной перспективе.

Фреска была образцом для последующих поколений художников, особенно стиля барокко.

Людовико Гонзага, его семья и двор (1474)

Фрагмент росписи. Фреска, 600*807 см. Кастелло Сан Джорджо, Паллаццо Дукале, Мантуя.

Фрески из Камеры дельи Спози, спальни Людовико III Гонзага (1414–1478), являются знаменитым образцом мировой живописи итальянского Ренессанса. В выразительных сценах с ярко выраженной перспективой и отображением природных мотивов Мантенья представляет большое, полное великолепия окружение маркграфа — семью и ближайших подданных.

Парнас (1497)

Холст, темпера, 60*192 см. Лувр, Париж.

Изображение горы Муз является первой картиной из цикла, написанного по заказу мантуанской графини Изабеллы д’Эсте (1474–1539) для ее рабочего кабинета. В центре картины представлены девять богинь искусств, танцующих под музыку Аполлона, над ним — смеющийся над Амуром Вулкан.

Справа рядом друг с другом — Меркурий и Пегас. Нетрадиционным для подобных произведений выглядит изображение Марса и Венеры. Холм, на котором они стоят, — сквозной и открывает вид вдаль. Справа возвышается сооружение, похожее на крепость. Пейзаж изображен тщательно и с фантазией.

Торжество добродетели над пороком (1502)

Холст, темпера, 160*192 см. Лувр, Париж.

Картина, отражающая сюжет морально-поучительной аллегории, также относится к декорации рабочего кабинета Изабеллы д’Эсте. Она изображает сцену, на которой Минерва — богиня войны и благоразумия, вооруженная щитом, копьем и шлемом, изгоняет порок из сада добродетели.

Наряду с Парнасом эта картина оказала огромное влияние на развитие светской живописи XVI в. Сад окружен арочной каменной изгородью, украшенной цветами. Через нее просматривается окружающий пейзаж.

Другие божества наблюдают с облака за драматическим действием в саду добродетели.

Источник: https://artrue.ru/style/renessans/izvestnye-raboty-andrea-mantenya.html

Андреа Мантенья — Биография художника, известные произведения, выставки

Мастер раннего Возрождения Андреа Мантенья (Andrea Mantegna) известен публике гораздо меньше, чем его современники Леонардо да Винчи или Сандро Боттичелли. Между тем, на арт-рынке появление Мантеньи вызывает ажиотаж.

В 2003-м году на торгах Sotheby’s за его «Сошествие во ад» (дерево, темпера, 39×42 см) неизвестный покупатель заплатил более 25,5 миллионов долларов. На начало 2010-х годов этот результат входил в десятку рекордов аукционных торгов.

Читайте также:  Христос в пустыне, 1872, крамской

Мантенья — один из самых необычных мастеров Ренессанса. Мы не найдём у него ни плавной певучести Боттичелли, ни тающей туманной дымки (сфумато) да Винчи. Мантенье вообще не свойственно ничего лирически-женственного.

Это живописец резких и жёстких линий, острых углов, чёткого рисунка. Художник самой мужественной и героической манеры письма, какую только можно вообразить.

Он родился в Изола-ди-Картуро в семье дровосека и всё детство провел на горных пастбищах. Говорят, для биографии художника существенно только то, кто первым вложил ему в руки кисть. В жизни Мантеньи такой человек был. Его звали Франческо Скварчоне. По большому счёту, крупным живописцем сам Франческо не был.

О нём принято писать «Скварчоне — малозначительный художник из Падуи». Лет до 30-ти он вообще был портным. А после увлёкся античностью, стал рисовать и учить этому других, открыл мастерскую на сотню человек, которая потом превратится в Падуанскую художественную академию. К нему на обучение и попал Андреа Мантенья.

С юности Мантенью не особо интересовали краски и колорит. Гораздо больше его занимали линии и формы, оптика и геометрия, законы перспективы.

Андреа почти сразу обогнал соучеников в мастерстве рисунка (даже Дюрер будет позднее приезжать в Италию перенимать у него опыт). Прилежный пастушок стал для Скварчоне любимцем.

Мантенье было 12 или 13 лет, когда учитель взял его к себе в дом, а потом и усыновил.

Нужно отдать должное Скварчоне: он понимал ограниченность собственного дара. Но также он видел, что талантливый пасынок может шагнуть значительно дальше него. В Тоскане и Риме Скварчоне специально заказывал слепки с известнейших древнеримских изваяний. Он требовал, чтобы Мантенья денно и нощно изучал их и копировал, оттачивая мастерство.

Скварчоне заразил Мантенью античностью. Уже в зрелом возрасте Мантенья будет убеждать собеседников, что анатомия античной статуи совершеннее анатомии живого человеческого тела. Ведь на статуе мы можем прочитать строение мускулов, рисунок вен, натяжение жил, кожный рельеф. А человеческое тело далеко не всегда способно сходу явить нам красоту божественного замысла.

https://www.youtube.com/watch?v=vM1ctD0sxzA

Довольно скоро Мантенья получил первый серьезный заказ — расписать церковь Святой Софии в Падуе. Он сделал это настолько хорошо, что многие из видевших росписи никак не могли поверить, что художнику всего 17. Джорджо Вазари пишет, что это «вещь, которая кажется исполненной художником старым и опытным».

В «учёную Падую», центр наук и ремёсел, иногда приезжал Якопо Беллини с сыновьями-художниками Джованни и Джентиле. У себя в Венеции династия Беллини безраздельно властвовала в художественной сфере. Мантенья сблизился с братьями и их отцом, хотя Якопо Беллини и считали соперником его названного отца, Скварчоне.

Беллини и Мантенья во многом взаимно друг друга обогатили. Первые переняли от падуанца стремление к четкой выверенности линий. Мантенья же, наконец, начал проявлять интерес к тонкостям колористики, в которой братья были особенно искусны. Апофеозом сближения с родом Беллини для Мантеньи стало в 1454-м году венчание с Николозой — сестрой Джованни и Джентиле.

Всё складывалось как нельзя лучше. Только Скварчоне очень тяжело перенёс сближение пасынка с Беллини. Он счёл это предательством. На всю жизнь они остались врагами. Теперь живопись Мантеньи в церкви Св.

Христофора в Падуе, которую раньше превозносил, Скварчоне бранил на чем свет стоит. Напрасно, говорил он, Андреа так увлекался копированием античных мраморов. Камень есть камень! Он всегда остаётся холодным и твёрдым.

Неблагодарный Мантенья так и не научился писать живое человеческое тело. Он никогда не сможет передать его гибкость и тепло на своих полотнах!

Мантенья ответил тем, что издевательски изобразил Скарчоне на одной из картин в виде неопрятного и жирного солдафона, но отчасти признал его правоту. Он стал гораздо больше внимания уделять писанию с натуры. Это, несомненно, пошло на пользу ему как живописцу.

И всё-таки самая знаменитая и самая загадочная картина Мантеньи — это именно безжизненное тело, «Мертвый Христос». Ныне она хранится в миланской Пинакотеке Брера. В таком сложнейшем ракурсе тело распятого Христа не писал и не напишет больше никто.

Недаром Мантенья скрупулёзно изучал секреты перспективы. Спаситель лежит на спине на узкой кушетке, прикрытый простынёй. А зритель, отпрянув от неожиданности, первым делом упирается взглядом в его пробитые гвоздями стопы на переднем крае полотна.

Это гипнотизирует и вводит в недоумение.

Наслушавшись о необыкновенном даре Мантеньи создавать иллюзии, маркиз Мантуи Лудовико III Гонзага пригласил его в свою свиту. Художник расписал для маркиза комнату в его Палаццо, используя множество оптических обманок. Сейчас она известна как «брачный чертог», или Камера дельи Спози.

Все стены и потолок в сравнительно небольшом помещении украшены фресками, включающими не менее 30-ти фигур. Жена маркиза Барбара, сам Гонзага, его сын-кардинал, слуги и служанки — все они настолько реальны, что, кажется, вот-вот вторгнутся в пространство комнаты.

Высокие окна с кожаными шторами не отличишь от настоящих. Но более всего впечатляет потолочный плафон. В нем за кованым круговым парапетом открывается высокое голубое небо — и небо, и парапет, разумеется, нарисованные. В самом верху, на краешке парапета написана кадка с деревом апельсина.

Глядя с земли, начинаешь взаправду беспокоиться, что кадка в любой момент может рухнуть тебе на голову.

Гонзага был очень доволен тем, сколь талантливый живописец обретается у него при дворе. Не зная, чем еще, помимо презренных денег, облагодетельствовать любимого художника, он посвятил Мантенью в рыцари.

В одном из средневековых уставов написано, что первая обязанность рыцаря — «жить безупречно перед Господом и перед людьми». Мало кому из художников свойственно подобное.

Но как раз Мантенья, пастух и сын дровосека, всегда вёл себя по-рыцарски.

Вазари с восторгом превозносит его неизменное благородство и признаёт: очень редко бывает, чтобы талант и добродетели достались человеку поровну, и одно не превосходило другое. Но Мантенья — именно тот редкий случай.

Слава Мантеньи гремела от Венеции до Падуи. Докатилась она и до Рима. Папа Иннокентий VIII пригласил художника расписать Бельведер — папский летний дворец.

Сейчас это один из знаменитейших музеев, а когда туда пригласили на работу Мантенью, строительство было только-только завершено.

Начать Мантенье предлагалось с небольшой капеллы, которую он со свойственным ему умением должен был «распахнуть» изнутри и наполнить воздухом и пространством.

Иннокентий VIII постоянно забывал заплатить художнику за работу. Тогда Мантенья прибегнул к живописному намёку. Вместо аллегорической фигуры Добродетели на одной из фресок он изобразил Скромность. Папа оценил тонкость намёка, но вместо денег дал совет: «Чтобы Скромность была в хорошей компании, изобрази рядом с ней еще и Терпение».

Из-за прижизненной скромности или же в силу позднейших обстоятельств, Андреа Мантенья всё еще остаётся недооценённым художником.

Это не вполне справедливо, так как без его опытов в перспективе всё последующее Высокое Возрождение могло бы иметь иной облик.

Настоящий прорыв Мантеньи в создании на плоскости иллюзии пространства потрясает не меньше, чем иллюзорный прорыв в небо на его фресках в Камере дельи Спози.

Источник: https://artchive.ru/artists/951~Andrea_Mantenja

Андреа Мантенья

Андреа Мантенья (ок.1431-1506). Родился в Падуе в семье плотника. Между 1441 и 1445 годами Мантенья был записан в падуанский цех живописцев как приемный сын художника Франческо Скварчоне, в мастерской которого работал до 1448 года.

Мантенья был не единственным приемным сыном Скварчоне, который проводил процедуру усыновления для того, чтобы не платить своим ученикам, используя их труд для получения наживы.

Большой общественный резонанс в Падуе имел судебный иск Мантеньи против своего учителя, в результате которого 17-летний юноша обрел независимость.

Андреа Мантенья рано сформировался как художник. Уже в росписях капеллы Оветари в падуанской церкви Эремитани (1448) заметны высокая техника рисунка, прекрасное чувство перспективы и хорошее знание античного классического искусства.

Художник уделяет большое внимание анатомии фигур, подчеркивая ее складками драпировок, а также архитектурному декору. Возможно, под влиянием Донателло его живопись приобрела черты рельефности, почти скульптурности.

Черты лаконичного, несколько сурового стиля Мантеньи (который с годами претерпел мало изменений) проявились и в его ранних станковых полотнах, таких как «Моление о чаше» (1455), «Распятие» (1457-1459), «Св.Себастьян» (1456-1459) и других.

В 1460 году Мантенья Андреа приехал в Мантую: если не считать двух лет, проведенных в Риме (где по просьбе папы Иннокентия VIII в 1488-1490 годах он украсил фресками его капеллу), вся его дальнейшая жизнь связана с этим городом.

В Мантуе художник был назначен придворным живописцем Людовико Гонзага, для которого создал одно из самых лучших своих произведений — росписи Камеры дельи Спози (Свадебной комнаты) в Палаццо Дукале, которые были завершены в 1474 году.

Исключительно роскошное декоративное убранство помещения, включающее групповые портреты семьи Гонзага, сцены придворной жизни, а также изображения римских цезарей, призваны были прославить один из самых великих правящих домов Италии.

В этих фресках Мантенья активно использовал принципы иллюзионизма, позволившие значительно расширить пространство.

В период с 1480 по 1495 год по заказу дома Гонзаго Мантенья выполнил цикл «Триумф Цезаря», предназначенный для украшения дворцового театра в Мантуе.

Девять больших холстов, изображающих длинную процессию с огромным количеством античных скульптур, доспехов, трофеев, отражают обширные знания Мантеньи в области античного искусства, истории и литературы. Формы в них объемны, жесты убедительны и ясны, пространство трактовано широко и свободно.

В этом цикле живопись Мантеньи достигла наибольшей монументальности. К сожалению, картины плохо сохранились, пострадав не столько от времени, сколько от вмешательства неопытных реставраторов.

Андреа Мантенья также был замечательным гравером, одним из первых использовавшим технику печати для распространения своих произведений. Его влияние на развитие итальянской живописи было огромным.

Среди наиболее известных его почитателей и последователей был венецианский художник Джованни Беллини (приходившийся ему шурином), а также Альбрехт Дюрер.

Мантенья до конца дней занимал высокое положение при мантуанском дворе: за свои художественные заслуги он был возведен в рыцарское достоинство.

Художник умер в Мантуе 13 сентября 1506 года.

Источник: http://vissage.ru/velikie-khudozhniki/andrea-mantenya

Ренессанс

Главная => Художники РенессансаАндреа Мантенья, автопортрет (крайний справа), с женой (крайняя слева), 1465-1466 гг.

Андреа Мантенья (Mantegna, Andrea) 1431-1506 г. Родился в Мантуе.

Работал в 1441 г. в мастерской Франческо Скварчоне в Падуе. Развивался под влиянием античного искусства, Донателло и своего тестя Якопо Беллини. Работал главным образом в Падуе, а с 1460 г. — в Мантуе.

Биография

Почти до самого конца долгой жизни Андреа Мантенья подписывался на своих работах «падуанцем». Он не был родом из Падуи, и большая часть его деятельности протекала в Мантуе, при дворе тамошних герцогов Гонзага. Но здесь, в Падуе, провел он молодость, здесь получил художественное воспитание и здесь написал свои первые произведения.

Андреа Мантенья родился в 1430 или в 1431 году, вероятно, в Изола ди Картуро, между Виченцей и Падуей. Дату рождения можно установить по надписи на одной из его утраченных картин 1448 года, где автор указывает, что ему семнадцать лет.

Около 1442 года десятилетний мальчик, был взят на воспитание Скварчоне, который побудил его к занятиям искусством и от попечения которого Андреа бурно освободился в 1448 году.

Скварчоне был увлеченным первооткрывателем талантов. В единственной уцелевшей работе Скварчоне — алтаре, датированном 1449 годом (Падуя, Городской музей), — сочетаются северные черты и поиски тосканской школы. Скварчоне был глубоким энтузиастом классической древности.

Добытые им сокровища он сделал орудием артистического воспитания целого поколения молодых художников.

Слава мастерской Скварчоне была так велика, что в ней работали не только падуанцы, не только уроженцы соседней Венеции или Феррары, но также и приезжие из отдаленных городов Ломбардии и даже Тосканы.

Из документов известно, что Мантенья был уже записан в цех художников, когда ему исполнилось всего десять лет. Это говорит не только об его редких способностях, но также и об удивительном художественном подъеме, который царил тогда в Падуе вокруг многолюдной мастерской Скварчоне.

https://www.youtube.com/watch?v=fuc1NVTID1s

После того как Андреа, которому в то время еще не исполнилось семнадцати лет, написал образ главного алтаря Санта София в Падуе, вещь, которая кажется исполненной старым опытным художником, а не юношей, Якопо Скварчоне получил заказ в капелле св. Христофора, что в церкви августинских братьев отшельников в Падуе.

Мантенья испытал влияние Донателло, Андреа дель Кастаньо и венецианской живописи. Огромное значение для формирования искусства Мантеньи имело изучение им древнеримской скульптуры и архитектурного декора, увлечение археологией и эпиграфикой.

Также молодой художник находился под влиянием флорентийских новаций Пикколо Пиццоло, помощника Донателло, а с 1448 года компаньона Мантеньи по украшению половины капеллы Оветари церкви Эрмитани в Падуе, другая половина декорации которой была доверена Антонио Виварини и Джованни д'Аллеманья. Поскольку большинство этих росписей пострадало при воздушном налете в 1944 году, вопросы хронологии и атрибуции остаются открытыми. Сохранившиеся фотографии не в состоянии помочь их разрешению.

Участие Мантеньи в украшении капеллы началось с выполнения фигур трех святых — Петра, Павла и Христофора — на соседних компартиментах апсидной ниши.

В течение 1450 года он написал фрески «Призвание Апостолов Иакова и Иоанна» и «Проповедь Святого Иакова», заполняющие отведенный для них большой люнет на левой стене.

Читайте также:  Музей игрушек, германия, мюнхен

Живописные приемы и организация пространства согласно законам центральной перспективы в духе Брунеллески близки здесь манере его компаньона, однако реализованы они не вполне уверенно.

В двух расположенных ниже фресках «Святой Иаков крестит Гермогена» и «Святой Иаков перед судом Ирода Агриппы» также полновластно царит перспектива.

В конце 1451 года работы в церкви Эремитани остановились из-за недостатка средств. Они возобновились в ноябре 1453 и завершились, вероятно, в январе 1457 года.

К этому, не столь уж краткому, периоду относятся последние истории из жизни Святого Иакова, расположенные на левой стене: «Шествие на казнь» и «Мученичество», а также соответствующие им две сцены на противоположной стене — «Казнь Святого Христофора» и «Перемещение тела Святого Христофора — и кроме того, «Вознесение Марии» в апсиде капеллы. Из всего цикла уцелели только три последние композиции. Они плохо сохранились и еще в 1880 году были отделены от стен и во время бомбардировки 1944 года находились в хранилище. Кроме них до нас дошли скудные фрагменты «Мученичества Святого Иакова», наложенные сейчас поверх укрепленного на стене фотографического воспроизведения подлинника.

К достоинствам двух сцен из жизни Святого Иакова можно отнести следующие живописные новации: головокружительные ракурсы фигур и архитектуры, демонстрирующие научную оснащенность мастера; обширный пейзажный фон (Мученичество), испещренный «пятнышками» зелени и увенчанный изображением полусредневекового-полуидеального города; переход от жесткого и ломкого мазка предшествующих работ к густой, плотной, насыщенной контрастами света и тени манере письма.

Следует отметить, что «Мученичество Святого Иакова» и две сцены из жизни Святого Христофора по контракту должен был написать Пиццоло; Мантенья выполнил их после смерти компаньона (1453). С этим, может быть, связано некоторое отличие в компоновке «Мученичества Святого Иакова» по сравнению с «Шествием на казнь», расположенным рядом.

Два эпизода из жизни Святого Христофора, помимо единой точки зрения, наделены общностью сценического решения, обладающего такой силой оптической иллюзии, какая позволяет говорить об эффекте «обманки».

«Вознесение Марии», обладая теми же достоинствами, что утверждались на больших стенах капеллы, сочетает их с великолепной находкой — парой фигур в центре композиции.

Неупорядоченное перспективное решение, напоминающее большой люнет в капелле, позволяет датировать 1450-1451 годами «Поклонение пастухов» (Нью-Иорк, музей Метрополитен; обрезано с боков), вероятно, заказанное герцогским двором Феррары. Там в 1449 году молодой художник исполнил портрет герцога (утрачен) и там же мог увидеть многочисленные творения Пьеро делла Франческа и фламандцев, в особенности Рогира ван дер Вейдена.

Двадцать второго июля 1452 года Мантенья закончил фреску с Монограммой Христа между двух святых (теперь — в музее Антониано при соборе) над главным порталом Санто (собора Сант'Антонио в Падуе).

В ней он положил начало применению низкой перспективы, ставшей некоторое время спустя отличительной особенностью двух последних историй из жизни Святого Иакова.

К 1453-1454 годам, без сомнения, относится «Полиптих Святого Луки» для одной из падуанских церквей (ныне — Милан, Пинакотека Брера).

Дата «1454 год» читается на «Святой Евфимии» (Неаполь, музей Каподимонте), изображенной внутри арочного обрамления — «окна», которое присутствует также в «Вознесении Марии» капеллы Оветари и в «Святом Марке» из Франкфурта (возможно, выполнен мастерской).

В 1453 или 1454 году художник женился на Николосии Беллини и установил профессиональные контакты с ее братом Джованни, придав его искусству донателловские черты.

Две картины, изображающие Моление о чаше, обе в Национальной галерее в Лондоне, одна Мантеньи, другая — Джованни Беллини, раскрывают характер взаимных связей между шуринами: падуанцу принадлежит инициатива в выработке новых принципов построения, венецианцу — первенство в колористических поисках.

Это подтверждается в двух «Принесениях во храм» в Берлине (Государственные музеи) и в Венеции (галерея Кверини Стампалия), соответственно Мантеньи и Беллини.

К этому же времени относятся и некоторые автопортреты Мантеньи.

Так, лицо, выглядывающее справа в «Принесении во храм» из Берлина, сейчас признано автопортретом художника, сходным с тем, что обычно распознают в сцене «Святой Иаков перед судом Ирода Агриппы» (первая фигура слева) из Эремитани, и с тем, что в виде гигантской головы Мантенья написал для Оветари на внешней стене капеллы. Несмотря на отличия по сравнению с достоверным «Автопортретом», выполненным в бронзе и находящимся в погребальной капелле мастера в Мантуе, трудно отрицать, что Мантенья изобразил в берлинской картине самого себя.

Картины Андреа Мантенья

Св. Просдозим Падуанский

Св. Бенедикт

Св. схоластика

Св. Юстина-Падуанская

Св Георгий

Святой Себастьян

Свв. Бенедикт и Лаврентий

Sv. Sebastian

Портрет придворного

Торжество Добродетели

Слуги с собаками, ожидающие

Самсон и Далила

Путто

Парнас

Автопортрет

Сретение господне

Юдифь

Источник: https://www.renesans.ru/renaissance/artist_03.shtml

Русские художники: картины в иностранных музеях — Шагала, Малевича, Рериха, Кандинского, Репина

Меккой любителей отечественной живописи всегда были Третьяковская галерея и Русский музей, однако многие русские шедевры находятся в зарубежных коллекциях. «Культура.РФ» вспомнила известные полотна, на которые полюбоваться получится только в западных музеях.

«День рождения» Марка Шагала в Нью-Йоркском музее современного искусства

Марк Шагал. День рождения. 1915. Нью-Йоркский музей современного искусства, Нью-Йорк, США

В 1915 году, в год создания картины, Марк Шагал женился на своей возлюбленной Белле, поэтому считается, что на этом полотне художник изобразил именно их пару в виде летящих силуэтов. Как написала жена Шагала в книге «Горящие огни»: «Сегодня твой день рождения! .

«Белое на белом» Казимира Малевича в Нью-Йоркском музее современного искусства

Казимир Малевич. Белое на белом. 1918. Нью-Йоркский музей современного искусства, Нью-Йорк, США

Одна из самых известных картин Малевича, супрематический квадрат «Белое на белом», находится в том же нью-йоркском МоМА.

Сам художник считал, что «белый квадрат кроме чисто экономического движения формы всего нового белого миростроения является еще толчком к обоснованию миростроения как «чистого действия», как самопознания себя в чисто утилитарном совершенстве «всечеловека».

«Весна. Уборка сада» Наталии Гончаровой в галерее Тейт Модерн, Лондон

Наталия Гончарова. Весна. Уборка сада. 1908. Галерея Тейт Модерн, Лондон, Великобритания

Эту картину незадолго до своей смерти музею подарила сама художница.

Гончарова не хотела продавать эту работу, так как она напоминала о счастливом времени: жизни в семейном поместье в Калужской области.

В период написания картины Гончарова увлекалась народным искусством, поэтому она изобразила типичную сцену из крестьянской жизни.

«Льды Карского моря» Александра Борисова в музее Орсе, Париж

Александр Борисов. Льды Карского моря. 1906. Музей Орсе, Париж, Франция

Среди современников Александр Борисов был единственным, кто рисовал полярные и арктические пейзажи в самых далеких уголках Российской империи.

За рубежом полотна Борисова выставлялись в Вене, Праге, Мюнхене, Лондоне и даже Вашингтоне. А в музее Орсе находится его картина «Льды Карского моря», которую купило французское правительство для украшения Люксембургского дворца.

Это реалистичное, пронизывающее холодом полотно выделяется среди ярких картин импрессионистов, которыми славится музей.

«Крик» Филиппа Малявина в Национальной галерее Праги

Филипп Малявин. Крик. 1925. Национальная галерея в Праге, Чехия

После прихода к власти большевиков Филипп Малявин эмигрировал в Европу, где продолжил писать картины с тем же русским национальным колоритом, что прославил его на родине.

Одной из таких работ стал «Крик» 1925 года. Федор Шаляпин вспоминал зарубежный период творчества Малявина: «Малюет он и сейчас неплохо, да только все его сарафаны полиняли, а бабы сделались какими-то тощими, с постными лицами…

Видно, его сможет освежить только воздух родных полей, и больше ничто…»

«Автопортрет за работой» Ильи Репина в Национальной галерее Праги

Илья Репин. Автопортрет за работой. 1915.

Национальная галерея в Праге, Чехия

«И вот он стоит предо мною — небольшого роста, с улыбающимся, крепким, обветренным, стариковским лицом, с прищуренным правым глазом, в черной шинельке с накидкой, в самых обыкновенных вязаных деревенских перчатках, и даже не перчатках, а варежках, вокруг усов у него топорщатся рыжеватые волосы, совсем простой, даже как будто застенчивый, будто и не знает, что он — Репин» — так описывал Илью Репина Корней Чуковский, и именно так выглядел художник в середине 1910-х, когда и написал этот автопортрет по заказу тогдашнего директора Третьяковской галереи Игоря Грабаря. Но по неизвестным причинам московский музей так и не купил картину, и вскоре она оказалась в Чехии.

«Портрет Карагеоргия» Владимира Боровиковского в Национальной галерее Белграда

Владимир Боровиковский. Портрет Карагеоргия. 1816. Национальная галерея Белграда, Сербия

В Белграде, как в одном из главных центров русского эмигрантского движения, также есть достойная коллекция русской живописи. В Национальной галерее Белграда можно увидеть картину Владимира Боровиковского — портрет известного военачальника Георгия Петровича, также известного как Карагеоргий.

Хотя эта картина оказалась в Белграде существенно раньше периода первой белой эмиграции — Георгий Петрович был сербом, боровшимся с османским владычеством, и это полотно принадлежало его семье. Написано оно было в 1816 году в Петербурге, куда Карагеоргий прибыл по приглашению Александра I.

Император и попросил своего придворного художника Владимира Боровиковского написать портрет сербского вождя.

Цикл «Манон Леско» Константина Сомова в Музее декоративных искусств Буэнос-Айреса

Константин Сомов. Дама в вуали (Манон Леско). 1928.

Национальный музей декоративного искусства, Буэнос-Айрес, Аргентина

В 1927 году во Франции была издана книга «История кавалера де Грие и Манон Леско», проиллюстрированная 14 акварелями Константина Сомова, которые он считал своими лучшими графическими работами. А позже цикл этих работ Музею декоративных искусств Буэнос-Айреса подарила графиня Росарио Джулия Шиффнер де Лареха Зубов, жена графа Сергея Зубова.

«Пестрая жизнь» Василия Кандинского в Мюнхенской вилле Ленбаха

Василий Кандинский. Пестрая жизнь. 1907. Городская галерея в доме Ленбаха, Мюнхен, Германия

«Пестрая жизнь» — одна из ранних работ художника, написанная под влиянием его интереса к русскому эпосу.

Сам художник говорил об этой картине, выполненной в технике пуантилизма: «В «Пестрой жизни», где меня более всего увлекла задача создать смешение масс, пятен и линий, я воспользовался взглядом с птичьего полета, чтобы разместить фигуры одну позади другой.

Для того чтобы устроить границы зон и распределить мазки, как мне хотелось, я в каждом случае вынужден был искать перспективный предлог либо оправдание». Эту работу Кандинский написал в Германии, поэтому она и находится в одном из главных музеев творчества экпрессионистов — галерее Ленбах в Мюнхене.

«Падма Самбхава» в Музее Рериха в Нью-Йорке

Николай Рерих. Падма Самбхава. 1924. Музей Рериха, Нью-Йорк, США

Творчеству Николая Рериха посвящен отдельный музей в Нью-Йорке. Его коллекция насчитывает около 150 работ живописца.

Одна из них — «Падма Самбхава», написанная Рерихом в 1924 году. На картине изображен индийский гуру, беседующий с гигантским горным духом.

«Падма Самбхава» является частью целой серии из 19 работ мастера — «Знамена Востока».

Источник: https://www.culture.ru/materials/182044/kartiny-russkikh-khudozhnikov-v-zarubezhnykh-muzeyakh

Ссылка на основную публикацию