Картина завтрак, диего де сильва веласкес

Читать

Диего Родригес де Сильва Веласкес является одним из символов художественной эпохи своего времени. Он сделал блестящую карьеру дипломата при дворе испанского короля Филиппа IV и прославился как величайший живописец. Картины художника — искренние и «холодные», жизненные и таинственные, но всегда удивительно талантливые, как и сама жизнь гениального мастера.

Портрет Хуана де Пареха. 1650

Портрет инфанты Марии Австрийской. 1630

Диего Веласкес родился в испанской Севилье в семье дворян, выходцев из Португалии. Точная дата рождения неизвестна, но в церковных документах сохранилась запись о его крестинах, которые состоялись 6 июня 1599.

Отец будущего художника довольно рано обнаружил у мальчика склонность к рисованию и в 1609 определил его в мастерскую одного из самых известных севильских живописцев — Франсиско де Эрреры Старшего (1576–1656).

В то время Севилья представляла собой процветающий портовый город Испании, который славился не только привозимыми товарами, производством шелка и многочисленными монастырями, но и своими поэтами, писателями и особенно живописной школой.

Веласкес был прилежным учеником и, по утверждению ранних биографов, все схватывал буквально «на лету». Однако учитель обладал тяжелым характером, уже через год юный Диего оставил его и перешел в мастерскую Франсиско Пачеко (1564–1645).

Являясь художником академического направления и экспертом Инквизиции по церковной живописи, Пачеко увлекался идеями гуманизма и представлял собой образец воспитанности и отзывчивости. Многосторонне образованный педагог не только помог юноше как можно полнее раскрыть свои художественные способности, но и войти в высшие круги общества, а в дальнейшем устроил ему протекцию.

Именно в его мастерской Веласкес познакомился с будущим крупным архитектором и скульптором Алонсо Кано и знаменитым художником Франсиско де Сурбараном.

В 17 лет Веласкес вступил в корпорацию севильских художников и начал свой самостоятельный творческий путь. В 1618 он женился на пятнадцатилетней дочери своего учителя — Хуане Миранде. Пачеко верил, что его ученику и зятю уготована славная и добродетельная жизнь. Вскоре у Диего и Хуаны родились две дочери: Франсиска и Игнасия, однако последняя умерла в младенчестве.

Портрет поэта Луиса де Гонгора-и-Арготе. 1622

Внизу: Двое юношей у стола. Около 1618

Молодого художника, кроме благосостояния семьи, заботила собственная карьера.

Стремясь стать придворным живописцем самого короля, в 1622 Веласкес отправился в Мадрид, где написал «Портрет поэта Луиса де Гонгора-и-Арготе» (1622, Музей Изящных искусств, Бостон).

Автор картины привлек к себе внимание важных персон при дворе, но, к сожалению, встреча с монархом Филиппом IV так и не состоялась. Раздосадованный, он вернулся в Севилью, где продолжил совершенствовать свое мастерство.

Веласкес как наблюдательный художник еще с самого начала своей творческой деятельности увлекся жанровыми картинами. В те годы в Севилье было множество самых разных трактиров, а улицы изобиловали мастеровыми и нищими.

Первые известные произведения живописца отображали обыденную жизнь многочисленных ремесленников, подмастерьев и кухарок, занятых разговорами, уборкой или приготовлением нищи. Этот жанр получил название «бодегонес» (от испанского «bodegon», что означает «трактир, харчевня»).

Для подобных полотен характерен темный, чаще всего условный фон; трапеза простолюдинов изображалась расставленными кувшинами, тарелками, стаканами и скудной провизией, разложенной на белой скатерти или прямо на досках стола.

Примером такой композиции является полотно «Старая кухарка» (около 1618, Национальная галерея Шотландии, Эдинбург). Усталая пожилая женщина в темной кухне готовит завтрак из яиц. Стряпни дожидается мальчишка, видимо, ученик какого-то ремесленника или прислуга героини.

Юноша уже держит в руке склянку с вином и прижимает к себе спелую дыню, очевидно, собираясь подать все это на стол. О скудном интерьере харчевни можно судить по грубому чурбану, на ко тором стоит глиняная тарелка, развешанным за спиной кухарки коротким черпакам и старой плетеной корзинке.

Все изображенное является глубоко личным миром пожилой женщины, где проходят ее дни, ничем не отличающиеся друг от друга.

Сюжет с удручающей обстановкой трактира обыгран также в картине «Двое юношей у стола» (около 1618, Музей Веллингтона, Лондон). Мы видим, как сохнут на переднем плане стопка чистых тарелок, перевернутая железная чашка, глиняный кувшин и деревянная толокушка.

Рядом лежит скомканная тряпка, видимо, служившая полотенцем. Юноши, один из которых допивает свой напиток, склонились над столом и о чем-то тихо беседуют. Сюжет здесь обыденный, спокойный и простой.

Именно поэтому ценителями живописи в Севилье были встречены с презрением работы молодого Веласкеса, «низменный сюжет» которых не вызывал у публики восхищения.

Старая кухарка. Около 1618

Христос в доме Марии и Марфы. Около 1620

Продавец воды из Севильи. 1622

Завтрак. Около 1618

В полотне «Завтрак» (около 1618, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) художник изобразил двух веселых молодых людей и солидного пожилого человека. По меньшей мере, один из этой пирующей в харчевне троицы имеет благородное происхождение.

Об этом свидетельствуют висящие в центре стены отнюдь не белоснежный воротник, короткополая шляпа и шпага. И, хотя на столе лежит довольно скудная еда, молодые люди явно довольны происходящим.

Один из них, улыбаясь, поднял большой палец вверх, а второй со счастливым видом демонстрирует еще полную склянку вина. И только пожилой мужчина с бородой смотрит на своих приятелей с усмешкой.

Эта реалистичная картина, наверное, единственная среди «бодегонес» Веласкеса, которая, несмотря на бедность изображаемой обстановки и унылый фон, излучает молодость и оптимизм.

В произведении «Христос в доме Марии и Марфы» (около 1620, Национальная галерея, Лондон) чувствуется совсем другая атмосфера. Молодая кухарка что-то толчет в ступке. Перед ней на столе лежат головки чеснока, рыба в чашке и два яйца на тарелке.

Она готовит пищу (рыбы — символ Христа), а старая умудренная женщина указывает на картину, повествующую о евангельском сюжете. По композиционному строю перед нами «картина в картине», и обе они перекликаются по смыслу.

Христос, пришедший в дом сестер Марфы и Марии, учит их, а они, оставив домашние дела, слушают Его речь. Благословляющий жест Божьего Сына распространяется не только на них, но и на всю скудную трапезу, изображенную в сюжете основной картины.

Так проводится параллель между библейским приготовлением пищи, оставленным ради слов Учителя, и современной Веласкесу бытовой сценой, так же приостановленной старой женщиной напоминанием о вечном.

Другое полотно «Продавец воды из Севильи» (1622, Собрание Уоллеса, Лондон) призвано представить зрителю совсем иную жизненную аллегорию. Простолюдин с загорелым морщинистым лицом подает бокал с водой задумчивому мальчугану.

Художник специально выделил светотенью округлые контуры рядом стоящего кувшина и четко прорисовал изящность прозрачного сосуда, на дне которого заметен плод инжира, который не только придает воде особый вкус, но и является эротическим символом.

Таким образом, пожилой мужчина небрежно предлагает испробовать «чашу любви» ничего не подозревающему мальчику. На заднем плане с наслаждением допивает свой бокал крепкий юноша.

Источник: https://www.litmir.me/br/?b=578852&p=1

Диего Веласкес

Diego Velazquez /1599—1660/.Александр_Ш_Крылов все записи автора
Родился в Севилье в 1599 г., в небогатой дворянской семье, чьими предками были португальские евреи. Учился живописи в родном городе сперва у Франсиско Эрреры-Старшего, а с 1611 г.

у Франсиско Пачеко, гуманиста, поэта, автора трактата по живописи. Веласкес постигал рисунок, живописные приёмы, работу с натуры. В 1617 г. Диего получил звание мастера и в скором времени открыл свою собственную мастерскую. В 1618 г.

молодой художник женился на дочери своего учителя – Хуане Миранде Пачеко.

В последующие несколько лет у них родились две дочери, одна из которых умерла в младенчестве.

Большинство работ Веласкеса, созданных в период обучения и сразу после него, посвящено изображению бытовых сцен (в жанре «бодегонес», когда местом действия выступает трактир или харчевня), главные герои которых – простые люди Севильи («Завтрак», «Старая кухарка», «Водонос»).

В картинах на религиозную тематику тоже прослеживаются традиции бодегонес: «Поклонение волхвов», «Христос у Марфы и Марии». В эти годы художник пишет первые портреты, в которых определяются особенности Веласкеса-портретиста – остро схваченное сходство, яркость выявления индивидуальности: «Портрет монахини Херонимы де ла Фуенте».

«Завтрак» 1617 
«Христос в доме Марфы и Марии» 1618
«Непорочное зачатие» 1618
«Старуха, жарящая яичницу (Кухарка)» 1618
«Поклонение волхвов» 1619
«Портрет монахини Херонимы де ла Фуэнте» 1620
«Mother Jeronima de la Fuente» фрагмент
«Чудо в Эммаусе» 1620

В 1622 г. он в первый раз отправляется в Мадрид, а на следующий год, при содействии первого министра, герцога де Оливареса, ему удаётся получить заказ на портрет короля.

«Первый министр герцог де Оливарес»
«Филипп IV» 1624-26

«Портрет Филиппа IV с прошением» произвёл фурор, и автор стал придворным художником, а вскоре и камергером, получил во дворце мастерскую, назначен хранителем королевских коллекций.

Веласкес выполнил ряд официальных заказов: парадные портреты короля, членов его семьи, представителей знати.

Кроме того, он создал галерею изображений деятелей испанской культуры: Лопе де Вега, Тирсо де Молина, Кальдерона, Кеведо.

«Продавец воды в Севилье» 1623
«Филипп IV на охоте» 1632-1633

В 1627 г., по конкурсу с другими художниками, он написал картину «Изгнание мавров» и получил звание гофмейстера. В 1629 г.

художник завершает необычную для испанской традиции картину на античный сюжет – «Вакх», или «Пьяницы», которая трактуется как сцена из народной жизни, пирушка весёлых крестьян. Знакомство и общение с Рубенсом, посетившим испанский двор в 1628–1629 гг.

с дипломатической миссией, вдохновило его на поездку в Италию, где в 1629–1631 гг. Веласкес изучал и копировал произведения Тициана, Веронезе, Тинторетто, Рафаэля, Микеланджело, памятники античности.

При этом его стиль поменялся – стал более свободным и блестящим, колорит менее тёмным в тенях и передающим натуру в ярком освещении. Вновь обращаясь к мифологической теме в «Кузнице Вулкана», Веласкес придаёт изображению жанровый характер.

Портреты, созданные Веласкесом по возвращении, в 1630—1640 годах, принесли ему славу мастера этого жанра. Бесстрастно-холодные парадные конные портреты королевских особ отличаются сдержанным великолепием поз, одежд, коней, величием пейзажных фонов. В портретах придворных, друзей, учеников Веласкес накапливал и синтезировал свои наблюдения, отбирал необходимые изобразительные средства. В этих полотнах обычно отсутствуют аксессуары, жесты, движение. Нейтральный фон обладает глубиной и воздушностью; тёмные тона одеяний направляют внимание зрителя на ровно освещённые лица. Найденные для каждого портрета неповторимые сочетания оттенков серебристо-серого, оливкового, серо-коричневого цветов при общей сдержанности гаммы создают индивидуальный строй образов (портреты Хуана Матеоса, герцога Оливареса, «Дама с веером», серия портретов инфант). Особое место занимают портреты королевских шутов, душевнобольных и карликов. Изображения карликов поражают энергией, умом, взглядами, полными внутренней силы, скорби, что составляет контраст с их физической немощью («Эль Бобо дель Кориа», «Эль Примо», «Себастьяно дель Морра»). В парных картинах «Менипп» и «Эзоп» предстают образы людей, опустившихся и отвергнутых обществом, но обретших внутреннюю свободу от сковывающих личность условностей.
Одной из самых значительных картин этого периода стала «Сдача Бреды» (1634–1635), в которой Веласкес отказался от традиционных условностей исторических полотен той эпохи. Каждая из враждующих сторон охарактеризована с глубокой человечностью. Драматизм раскрывается через психологические характеристики действующих лиц, показанных с портретной достоверностью.
«Сдача Бреды» 1635

В 1642–1644 гг. Веласкес сопровождал короля в его походе на Арагон, а в конце 1640-х гг. вновь посетил Италию с целью приобретения для короля произведений искусства. Художника встречали с почётом, портрет его слуги и ученика, мулата Хуана Парехи восторженно встречен в римских художественных кругах. В 1650 г. Веласкес избран членом римской Академии св.

Луки и общества виртуозов Пантеона. Портрет римского папы Иннокентия X, необычайно смелый по откровенности образ, стал самым знаменитым созданием Веласкеса за пределами Испании. Папа в парадном облачении предстаёт перед зрителями как человек яркого темперамента, умный, властный, энергичный, но и хитрый, жестокий.

Обращается Веласкес и к пейзажу и создаёт два небольших вида, на которых изображаются уголки парка виллы Медичи. Вероятно, уже по возвращении создан шедевр «Венера с зеркалом» (1657). Тема навеяна итальянскими впечатлениями, в Испании изображение обнажённого женского тела запрещалось инквизицией.

Веласкес показывает красоту живой женщины, гибкой, исполненной грации, сближая божественный образ с земным.

В 1651 г. Веласкес возвращается в Мадрид, а в 1652 г. он назначен королевским обер-гофмаршалом. Новая должность отнимала много сил и времени (в обязанности входила подготовка и организация празднеств при дворе). Портретам позднего периода творчества Веласкеса в большой степени свойствен артистизм и психологическая завершённость (инфанта Мария Тереза, 1651; Филипп IV, 1655–1656; инфанта Маргарита Австрийская, около 1660).
Во второй половине 1650-х гг. Веласкес написал две самые знаменитые свои картины. В «Менинах» главной героиней является пятилетняя инфанта Маргарита, застывшая в чопорной позе знатной дамы. Художник передаёт её мягкие, детские черты лица. На неё смотрит королевская чета, позирующая художнику (в котором Веласкес изобразил себя, а монархов оставил за пределами полотна – лишь в виде отражения в зеркале). Рядом с инфантой многочисленные фрейлины. Веласкес показывает придворных в будничной обстановке, возвеличивая повседневность, представив её приподнято-монументально. Картина построена на переплетении официального и бытового, на многоплановой игре смысловых оттенков и образных сопоставлений. «Пряхи» – изображение мастерской, где реставрировались и ткались ковры для украшения дворцовых залов. На заднем плане три дамы рассматривают шпалеры, на одной из которых изображён миф об Арахне. На переднем плане – несколько работниц. Это первое в истории европейского искусства произведение, прославляющее деятельность простого человека.
В 1660 г. Веласкес сопровождал Филиппа IV в его поездке на границу Франции, для свидания с Людовиком XIV по случаю бракосочетания последнего с инфантой Марией-Терезией. Устройство празднеств, сопровождавших это свидание, так утомило художника, что он заболел и вскоре по возвращении своем в Мадрид скончался. Непосредственным наследником его должности при дворе оказался его ученик и муж его дочери Франсиски – Хуан Батиста дель Масо.
Веласкес оказал на живопись своей родины большое влияние, в числе его учеников были такие мастера, как Мурильо и Kappeньо де Миранда. Одним из своих учителей называл Веласкеса Гойя. В XIX в. слава мастера вышла за пределы Испании. Веласкес – одна из ключевых фигур в развитии искусства Мане, которого восхищало искусство мазка великого испанца. Темы полотен Веласкеса развивали в своём творчестве Пабло Пикассо и Сальвадор Дали.
«Конный портрет принца Балтазара»
«Бахус» 1629
«Граф Ольварес на коне» 1634
«Портрет инфанты Маргариты» 1660
«Конный портрет Филиппа IV»
«Don Balthasar Carlos «
«Белая лошадь»
«Infanta Marguarite Therese» 1654
«Аллегорический портрет Филиппа IV»

Читайте также:  Миллесгорден, стокгольм, швеция: фото и описание

Любимые картины Веласкеса

«Дама с веером» 1640

«Миф об Арахне (Пряхи)» 1657
«Венера перед зеркалом» 1644-48

«Филипп IV Испанский» 1652-53

«Margaretha as a child Sun»
«Молодая дама»
«Francisco Bandres De Abarca»
«Prince Baltasar Carlos as a Hunter» 1635-36
«Автопортрет» 1643
«Св. Антоний»
«Инфанта Мария Австрийская»
«Эль Примо. Карлик с книгой на коленях. (Дон Диего де Аседо) «
«Святые Антоний и Павел»
«Коронация девы Марии» 1645
«Коронация девы Марии» (Фрагмент) 1645
«Кардинал Камилло Асталли»
«Семья Филиппа IV (Las Meninas)»
«Искушение святого Фомы Аквинского»
«Карлик с собакой» 1650
«Демокрит» 1628-29

«Набросок головы Аполлона» 1630
«Вилла Медичи, павильон Ариадны» 1630
«Инфанта Маргарита Мария»
«Портрет пожилого дворянина с золотой цепью и орденским крестом» 1645
«Портрет Марии Луизы»
«Портрет придворного карлика дона Себастьяна дель Морра»
«Портрет придворного карлика Франсиско Лескано по прозвищу Дитя Вальескаса
«Христос на кресте» 1632
«Распятие «
«Портрет поэта Луиса де Гонгора»
«Королева Изабелла де Бурбон, первая жена Филиппа IV» 1631-32
«Хуан-де-Парейя» 1650
«Королева Изабелла Бурбон на коне» 1634
«Папа Иннокентий X» 1650
«Портрет короля Филиппа IV»
«Шут»

«Эзоп»

«Филипп IV» 1631-32
«Голова смеющегося мальчика»
«Святой Павел»
«Королева Австрии дона Марианна» 1652-53
«Кузница Вулкана» 1630
«Святой Томас»
«Portrait of Archbishop Fernando de Valdes»
«Франческо Д`Эсте, герцог Модены»
«Инфанта Мария Тереза»
«Инфанта Мария Тереса» 1651-52
«Портрет клерика» 
«Три музыканта (или музыкального трио)»
«Вилла Медичи, Грот-Лоджия Фасад» 1630
«Вышивальщица» 1640
«Мужской портрет» 
«Дон Хуан Франсиско Пиментель»
«Марс, бог войны 1640
«Меркурий и Аргус» ок.1659
«Портрет Филиппа IV» (фрагмент) 1657-60            http://www.liveinternet.ru/community/4456516/post192199075/

Понравился наш сайт? Присоединяйтесь или подпишитесь (на почту будут приходить уведомления о новых темах) на наш канал в МирТесен!

1

Показы: 1 Охват: 0 Прочтений: 0

Источник: https://s30556663155.mirtesen.ru/blog/43893989666

Диего де Сильва Веласкес (1599-1660)

Типичным караваджистом был в раннем творчестве испанский художник Веласкес, хотя и не побывавший молодым в Италии.

Веласкес учился сначала у крупного мастера Эрреры, потом у крепкого среднего профессионала Пачеко, очень внимательного педагога, помогавшего своему даровитому ученику нетолько усвоить основы ремесла, но и устроившем его карьеру, сделав двадцатилетнего юношу придворным живописцем короля Испании.

Испания в XVII веке достигла последней вершины своего могущества. Америка была испанской и обильные золотом караваны испанских галеонов везли, казалось, нескончаемые потоки заокеанских богатств.

Велось обширное строительство монастырей, церквей, дворцов — испанские государи считали себя главой и опорой всего католического мира, защищавшими чистоту веры от протестантских ересей, распространявшихся на севере Европы.

Воинственная и религиозная нация испанцев создала особую культуру, отличающуюся аскетизмом и суровостью, напряженностью религиозных переживаний, героическим презрением к земной жизни и ее увеселениям.

Этот стиль усвоил и строитель Эскориала Филипп Второй, хотя и происходящий из австрийского дома Габсбургов, но ставший самым «испанистым» изо всех мадридских государей.

Изобразительное искусство Испании было сугубо религиозным вплоть до XVII века. Создавались алтарные образа, изображающие деву Марию, страдания святых мучеников, таинства святого духа.

Переселившийся из Италии Эль Греко разделил эту тенденцию, лишь чуть добавив светских жанров — портрета и по одному пейзажу и мифологической картине, тогда как в Италии уже давно были распространены античные сюжеты.

Специализировался на алтарных образах Сурбаран, один из трех великих испанских художников XVII века. Персонажи Сурбарана — словно застывшие деревянные статуи, освещенные контрастным караваджистским светом.

Хотя Сурбаран никогда не покидал Испанию, признаки караваджизма в его творчестве налицо. Объяснить это можно как идеей, витавшей в воздухе Европы, так и собственными истоками испанской культуры.

Например, было распространено изготовление деревянных статуй для процессий по церковным празднествам.

Выносили статую девы Марии, которая изготавливалась с максимальным натурализмом, рельефно и с настоящими волосами, одевалась в подлинные облачения из шелка и холста, раскрашивалась в телесный цвет. Этот иллюзионизм был свойствен испанскому восприятию — события священной истории мыслились как подлинные и требовали самого жизненного, даже натуралистического воплощения.

Другой выдающийся испанец XVII века — Рибера — жил и работал только в Италии, где и обучился караваджистским приемам, оказавшимся столь близкими испанской духу, и стал одним из самых ярких мастеров школы Караваджо.

Рибера с еще большим, чем Караваджо, мастерством писал морщинистую кожу святых старцев («Святой Иероним»), с еще большей изощренностью передавал эффекты освещения, выхватывающего мучеников из мрака («Святой Себастьян и Ирина»), с еще большим натурализмом изображал сцены мучений.

Рибера также использовал возможности караваджизма для передачи острой характерности натуры; он избирает своими персонажами не только старцев или благообразных юношей, как Караваджо, но начинает писать уродцев, нищих, калек.

Таков его «Хромоножка», не страдающий, однако,от своей ущербности, а насмешливый и уверенный в себе — не телесные качества определяют достоинство человека, а его духовная сила, крепость в вере, — словно бы говорит этой картиной испанец.

Католические средневековые настроения в искусстве XVII века, особенно испанском, звучат с предельной исступленностью.

Так, традиционные поучения о тщете земных усилий, «memento mori» и «vanitas», в испанском искусстве нашли своего ярчайшего выразителя в лице живописца Вальдес Леаля.

Этот художник использовал иллюзионистические эффекты караваджизма не для прославления земных радостей и красоты видимого мира, а напротив, чтобы со всей наглядностью потрясающей иллюзии доказать бренность земного, плоти и земных усилий — его излюбленный жанр — изображение разлагающихся человеческих останков, облаченных в одеяния высших церковных и государственных иерархов — кардиналов, пап, императоров и королей. Это сиятельные трупы в коронах и митрах, изъеденные червями, почерневшие, сверкающие оскалом черепа из-под полусгнивших волокон лица.

В такой типично испанской атмосфере формируется светлое искусство Веласкеса.

В отличие от Сурбарана, он служит придворным художником и тем самым освобождается от заказов церкви и потому в его творчестве значительно сильнее звучат светские мотивы, мифологические и просто внецерковные сюжеты.

Пачеко учил его работать с натуры и наука пошла впрок. Шестнадцатилетний Веласкес пишет вполне профессиональную, мастерскую картину «Завтрак» (Эрмитаж), относящуюся к жанру «бодегонес» — сцена в харчевне.

За столом сидят бедно одетые люди, — старик, юноша и мальчик за трапезой (возможно, картина символизирует три возраста человеческой жизни).

На покрытом белой скатертью столе — хлеб, луковица, кусок сыра на тарелке и нож; графин вина в руках у мальчишки; на стене, резко отделенной от переднего плана сумраком, висит шпага и воротник — это нищие бродяги, но вполне возможно — мелкие дворяне, обедневшие идальго, каких было множество даже в богатейшей Испании XVII века. Это типично караваджистская картина, со всеми признаками — тенебросо, «подвальным» освещением, глубоким рельефом, натурализмом деталей, остротой характеристик персонажей. Молодой Веласкес пишет целый ряд таких полотен, словно воскрешая персонажей «Дон Кихота» Сервантеса — «Водонос», «Приготовление яичницы». Подобно Караваджо, обращается и к библейским сюжетам — «Христос у Марфы и Марии», где сцена с Христом — в глубине картины, в оконном проеме, а на первом плане — тот же «бодегон» с двумя служанками. Готовящими пищу, с натюрмортом на кухонном столе. Венцом этого караваджистского периода, последним бодегоном Веласкеса, уже придворного живописца, стала картина «Вакх», — мифологическая по сюжету и бодегонес по характеру.

Вакх.

Юный бог винопития, награждает венком победителя — самого стойкого пьянчугу, а сидящие вокруг персонажи, судя по сизым носам, красным глазам и небритым физиономиям, — тоже участники состязания и претенденты на лавры, — приветствуют победителя, подбадривая его смехом и солеными шутками. Изображение Вакха настолько близко юношам Караваджо, что заставляет считать верным предположение о самом тесном знакомстве Веласкеса с творчеством итальянского предшественника, возможно, по гравюрам или по хранящимся в мадридской картинной галерее Прадо полотнам.

Статус придворного художника обязывал Веласкеса писать портреты членов королевской семьи, вельмож и влиятельных придворных. Его кисти принадлежат многочисленные парадные изображения Филиппа Четвертого, его детей — инфант и инфантов, конные и камерные портреты фактического правителя Испании — могущественного графа-герцога Оливареса, один из которых находится в Эрмитаже.

В этих портретах Веласкес отходит от ранней караваджистской манеры, точнее на ее основе совершенствует качество живописи.

Добиваясь не просто схематичного, контрастного разделения набольшой свет и большую тень, характерных для караваджизма, но тонких светотеневых градаций, — восстанавливая в правах леонардовское сфумато, но с новым качеством: он пишет воздушную перспективу не только тоном, но и цветом; это делает Веласкеса одним из самых выдающихся колористов (то есть мастеров цветовой организации живописи) всех времен.

Благодаря придворному заказу, Веласкес создает историческую картину на современный сюжет — «Сдача Бреды», свободную от библейской или античной мифологии.

Испанский полководец Альба, победивший защитников нидерландского города Бреды, получает от побежденной стороны в лице Вильгельма Оранского ключи от города — символ победы испанского оружия.

В центре — испанский и нидерландский представители, занятые передачей ключа; по сторонам — войска с лесом копий, образующих сложный ритм композиции. Воины на переднем плане написаны так же объемно и натурально, как персонажи его ранних бодегонов.

Вдали — пейзаж с видом Бреды; этот пейзаж заставляет вспомнить нидерландский «космический пейзаж», голубые дали Брейгеля, столь же космически бесконечный альпийский пейзаж фона «Моны Лизы» Леонардо да Винчи.

Но в отличие от нидерландских и итальянских художников, Веласкес не противопоставляет резко голубые дали и коричнево-землистый передний план, а связывает, обволакивает все единым голубоватым колоритом, воздухом, сфумато, решенным в цвете, создавая новое цветовое единство, неведомое его предшественникам.

Веласкес даже первым в Европе написал пейзажные живописные этюды с натуры — два скромных «нашлепка» во дворе Эскориала с серебристо-оливковой зеленью и фигурками стражников, бродящих вдоль дворцовых стен с балюстрадами. В этих этюдах он сумел передать воздушную среду, объединяющую все предметы.

Пишет Веласкес и мифологические картины: «Венера», «Марс», «Кузница Вулкана». Часто это портрет позирующей модели или группы натурщиков, заставляющий вспомнить его ранние работы, но решенный уже в новой, богатой оттенками цветовой гамме.

Венера, любующаяся собой в зеркало, повернута к зрителю спиной, линия бедра и спины создают игру противоположно направленных выпуклых кривых; по всей плоскости перекликаются мягкие голубые, розовые, оливковые, серые, фиолетовые оттенки; лицо Венеры обращено к зрителю через отражение в зеркале.

Спутник Венеры — воинственный Марс, написанный явно также с натурщика — почти пародиен; это полураздетый, с карнавальным оружием бравый солдат с по-кошачьи топорщащимися усами, позирующий художнику.

Налицо снижение мифологического сюжета, а зачем его возвышать, спрашивается, католическому художнику? В глазах католика языческая мифология достойна презрения и осмеяния.

После почтительного изучения античности в эпоху Возрождения в XVII веке появляются пародии на греческую и латинскую классику, в которых античные боги ведут себя подобно обитателям современных кабаков, — нищим бродягам и пьяницам, сводникам и шулерам, — тот же бодегон в литературе на мифологический сюжет. Веласкес, однако, не переходит грани, отделяющейвысокое искусство от пародии, лишь намекая на возможное непочтительное истолкование образа.

Так же двойственно, как и его мифологические картины, портретное наследие художника.

Наряду с многочисленными заказными портретами сильных мира сего Веласкес пишет людей самых ничтожных и убогих — кретинов и уродов, исполняющих должности придворных шутов, в портретах, построенных как парадные или представительные камерные портреты вельмож и государей. Две параллельные серии портретов, которые как будто пересекаются, меняются местами в искривленном мире испанского двора, как линии в геометрии Лобачевского.

Портрет папы Иннокентия Десятого, который написал Веласкес в Риме, выполняя поручения испанского двора о закупке картин для королевской галереи Прадо, соединяет в себе качества парадного портрета вельможи, властелина мира и натуралистического изображения «низовой модели» со всеми ее внешними и внутренними особенностями, уродливыми чертами и пороками, отработанного школой Караваджо. Этот портрет поразил совей убедительностью и проницательностью настолько, что папа воскликнул: «Слишком похоже!»; но будучи тонким ценителем искусства, принял работу и хотел заплатить художнику огромную сумму, от которой однако гордый испанец отказался, пояснив, что получает жалование у своего короля.

Читайте также:  Успение девы марии, андреа мантенья

Заключительным аккордом творческого пути великого живописца стали две картины, подытоживающие все его творчество, — «Пряхи» и «Менины».

«Пряхи» завершают линию бодегонеса, разыгранного через мифологический сюжет, в данном случае — почерпнутый из «Метаморфоз» Овидия миф об Арахне. Искусная пряха Арахна настолько возгордилась своим мастерством, что вызвала на состязание богиню Афину и победила ее; в наказание за дерзость богиня превратила ее в паука.

На первом плане — мастерицы, реалистически сделанные, как учил его Пачеко, но в тонкой цветовой гамме, чего достиг уже сам Веласкес; вертится колесо прялки, переданное двумя мазками блика и тени, что создает иллюзию и колеса и движения — это восхищало художников XIX века, добивавшихся предельного натурализма в передаче иллюзии жизни. На втором плане, в светлой глубине — сотканный мастерицами ковер, изображающий с поразительной жизненностью сюжет мифа о состязании Афины с девушкой Арахной, настолько реально, что кажется — не театральное ли представление разыгрывается на втором плане, которое изобразил Веласкес как реальное, а вовсе не ковер?

Другое заключительное полотно — «Менины», то есть статс-дамы, фрейлины, сопровождающие инфанту, — групповой портрет, решенный как сложная и многоплановая картина.

В сущности, и последний его бодегон — «Вакх» — тоже можно считать групповым портретом, картинно решенным с привязкой к мифологическому сюжету; и последнее произведение художника изображает маленькую инфанту, позирующую придворному художнику, и окружающих ее менин — фрейлину, подающую ей бокал воды, и толстую карлицу с выпяченной губой, и любимую собаку, и, наконец, самого художника у полотна — автопортрет Веласкеса, пишущего огромное полотно; в глубине, на затененном втором плане — дворцовый зал с картинами на стенах среди которых узнаются Рубенс, Йорданс, итальянские мастера; но важнее другое — среди картин висит зеркало, в котором отражается король Филипп, не то позирующий Веласкесу, не то пришедший посмотреть за ходом работы живописца. Художник в одном ряду и со служанками, менинами, шутами, карлицами и даже придворной собакой, но и с инфантой; его картины — словно зеркало, на котором отражается испанский двор со всеми его достоинствами и пороками; а художник — режиссер и хозяин этого таинственного мира, хотя и приравненный к «дворцовому брадобрею» и последнему шуту…

Прямых учеников и преемников у Веласкеса не было; испанское искусство также деградировало после него, как снижалось и политическое значение Испании во второй половине XVII-XVIII веков; младший современник художника Мурильо впадал в слащавость и декоративизм, архитектор и живописец Алонсо Кано не достиг совершенства живописи Веласкеса, другие художники отдавались стандартным академическим или барочным приемам живописи.

Источник: http://worldpilgrim.ru/articles/diego-de-silva-velaskes-1599-1660-

Жизнь и творчество Диего Веласкеса . Испания по-русски — все о жизни в Испании

XVI–XVII века – время исторического величия Испании и расцвета всех областей культуры. Говоря об этом этапе развития Испании, в литературе используют термин «золотой век».

В общеевропейском масштабе период называют эпохой барокко. Это было время нового взгляда на человека, постепенной секуляризации сознания и культуры.

Испания была самой традиционной из всех европейских монархий, хранительницей «старого порядка» и апологетом католического богословия.

В XVI–XVII веках жили и творили такие выдающиеся деятели испанской литературы и театра, как Мигель де Сервантес и Лопе де Вега. Однако чаще всего термин «золотой век» применяют по отношению к художественной культуре, в частности, живописи тех времен.

Если спросить образованного человека в любой стране мира, кого из испанских художников он знает, то, вероятно, прозвучит имя Диего Веласкеса, придворного живописца короля Филиппа IV.

Основные вехи жизни и творчества Диего Веласкеса

Время и место рождения величайшего живописца уже говорят о многом. Он появился на свет в 1599 году, в последний год переломного XVI века.

6 июня – день, когда новорожденный малыш Диего принял крещение, считается официальной датой его рождения, но существует мнение, что родился великий испанский художник днем раньше.

Семья Веласкеса принадлежала к мелким дворянам, в Испании их называли «идальго». Среди выдающихся испанцев эпохи немало выходцев из этого сословия.

Севилья – родина Веласкеса, один из главных испанских городов времен раннего Нового времени, важный торговый порт и культурный центр. Облик города хранил культурное наследие различных эпох, демонстрируя синтез культур.

Город имел большое значение как для короны, так и для развития испанской культуры. Именно этот город выбирали местом действия своих произведений многие испанские драматурги.

Севилья стала родиной Дон Жуана – главного соблазнителя в мировой культуре.

В эпоху расцвета испанской живописи в Севилье сложилась своя живописная школа, яркими представителями которой были Франсиско Эррера и Франсиско Пачеко. Они стали учителями Веласкеса, оказав огромное влияние на формирование художественного стиля. Мальчик, проявляющий незаурядные художественные способности, попал в мастерскую Эрреры в 10-летнем возрасте.

Главную роль в становлении Веласкеса как художника сыграл Пачеко. Великий ученик превзойдет в известности своего учителя, однако свои первые шаги в карьере Диего Веласкес сделал именно благодаря Франсиско Пачеко, ставшему не только наставником, но и впоследствии тестем живописца, когда тот женился на его дочери.

С помощью Пачеко, который водил дружбу с королевским капелланом, Веласкес был замечен при дворе недавно вступившего на трон Филиппа IV. При новом короле все больший вес набирает граф Оливарес, всесильный временщик, ставший покровителем Веласкеса и одним из главных героев его живописи. Веласкес становится придворным живописцем и пребывает на этой должности до конца своих дней.

Являясь придворным живописцем, Диего Веласкес создает самые главные свои работы. Он известен как гениальный портретист, написавший множество портретов короля Филиппа IV и его приближенных.

Веласкес мастерски передавал фигуры и характеры людей, и многие его картины отличаются сложной композицией. Ярким примером служит одно из самых известных полотен «Менины», где в числе прочих героев художник изобразил  и самого себя.

При дворе он также создает серию батальных картин, отражающих значимые победы эпохи Филиппа IV. Самая известная из них – картина «Взятие Бреды».

Отношение к Веласкесу как к придворному живописцу было противоречивым. Он был художником и зарабатывал этим на жизнь.

Однако при дворе, где царили официоз и «засилье стереотипов», считалось, что любой труд – недостойное дело для дворянина, даже если этот труд – творчество.

В то же время художественное сообщество видело в Веласкесе «государственного служащего», любимчика графа Оливареса и потому также относилось к нему неоднозначно.

Лишь за год до смерти Диего Веласкес был посвящен в кавалеры ордена Сантьяго. Испанский художник умер в 1660 году после болезни, сильно обострившейся во время подготовки свадьбы наследника испанского престола с дочерью самого знаменитого французского монарха «короля-солнца» Людовика XIV. Это было последнее мероприятие испанского двора, в котором художник принимал активное участие.

Особенности творчества

XVII век в испанском искусстве – век больших дискуссий, борьбы с академизмом. Диего Веласкес стал выразителем нового стиля.

В Испании тех времен самым консервативным институтом был двор испанского монарха. Двор и инквизиция являлись двумя главными инструментами политического влияния и пресечения вольнодумства.

В этом отношении жизнь Веласкеса очень показательна. Казалось бы, сложно найти менее подходящую фигуру для придворного живописца, чем Веласкес, однако знаменитый мастер стал тем, кто соединил в творчестве красоту и уродство, официальную и непарадную Испанию. Напыщенность и официоз двора он приправил естественностью простой испанской жизни.

Одним из первых живописцев, вводивших «народные черты» в религиозные и парадные полотна, стал Микеланджело Караваджо. Веласкес был знаком с работами Караваджо и в какой-то степени стал продолжателем этой традиции. Но прямую связь между живописцами искусствоведы не считают очевидной.

С детства художник проявлял большой интерес к изображению обычной, бытовой жизни. В своих ранних работах он часто изображал людей во время трапезы.

Такие сюжеты были достаточно распространены в испанской живописи, а потому их выделяют в самостоятельный жанр «богетон», название происходит от испанского слова «трактир».

Один из наиболее известных богетонов Веласкеса – «Старуха, жарящая яйца» (другое название – «Старая кухарка»).

Веласкес отображал на своих полотнах реальную жизнь, и со стороны могло показаться, что ему безразлично, кто является героем его произведений: члены королевской семьи или обычные испанцы.

Так, последней его работой, написанной в один период с шедевром «Менины», стало полотно «Пряхи», созданное в 1658 году.

От будних дней королевской инфанты художник перешел к повседневности простых испанских женщин, соединив в своем творчестве две разные Испании.

Картины Диего Веласкеса в музеях Европы

С творчеством художника можно познакомиться в музеях многих стран мира. Картины Веласкеса хранятся в галереях Лондона, Нью-Йорка, Мюнхена, Будапешта, Сан-Паулу и других городов. Несколько работ есть в музеях России и стран бывшего СССР, а большинство картин мастера хранится, конечно, на его родине в Испании.

Испания

Самой большой коллекцией работ художника обладает музей Прадо, здесь хранятся 50 самых известных картин Веласкеса. «Менины» в коллекции музея играют роль «местной Джоконды». Некоторые работы художника хранятся также в Королевском дворце в Мадриде. Например, картина «Белый конь» и эскиз «Мужская рука».

Картины Веласкеса можно увидеть в его родном городе. В Музее Искусств Севильи в числе других хранится «Портрет Дона Кристобаля Суареса и Риберы». Работы Веласкеса выставлены в «Музее Искусства Каталонии» в Барселоне, в частности, картина «Святой Павел».

Россия

Счастливым обладателем нескольких работ кисти Диего Веласкеса является Государственный Эрмитаж в Санкт-Петербурге. Здесь находится одна из его ранних работ-богетонов «Завтрак».

Веласкес создал два «Завтрака», немного отличающихся друг от друга. Вторая картина хранится в Будапеште. Помимо живописного полотна Эрмитаж владеет несколькими набросками к нему и этюдом «Голова юноши в профиль».

Также в Петербурге хранится один из портретов графа Оливареса.

Украина

В Национальном музее Богдана и Варвары Ханенко в Киеве есть портрет инфанты Маргариты в серебристо-розовом платье. По предположениям, это один из этюдов к портрету, хранящемуся в музее Прадо.

Статья оказалась полезной?

Да

(0) (0)

Источник: https://espanarusa.com/ru/pedia/article/609035

«Завтрак» Веласкеса : Мир искусства

Июнь 17, 2012

Реалистическая направленность искусства Веласкеса (1599–1660) ярко проявилась и в его жанровых работах. Подобные картины приверженцы религиозной живописи презрительно именовали «бодегонес» («кабачок»). Эрмитажный «Завтрак», написанный молодым Веласкесом,– один из нескольких вариантов его картин на эту тему.

Проста, но выразительна композиция: фигуры расположены в пространстве, по сторонам от стола, накрытого белой скатертью. Лица людей, изображенных за трапезой (представителей трех возрастов – разных этапов человеческой жизни), портретны и встречаются в ряде произведений Веласкеса.

Возможно, молодой человек, иронически смотрящий на нас,– это сам Веласкес, которому было в то время около восемнадцати лет. Обращает на себя внимание натюрморт с отдельно расположенными предметами.

Висящие сверху на стене шляпа и воротничок (их снимали во время еды), а также оружие, какое носили в Испании простые свободные люди – идальго, дополняют жизненную достоверность запечатленной Веласкесом сценки.

В картине сказалось известное влияние Караваджо (несколько тяжелая и плотная живопись, подчеркнутая объемность вещей, темный фон, резкие контрасты света и тени). Творчество последнего великого испанского живописца XVII века Бартоломе Эстебана Мурильо (1617–1682) представлено в Эрмитаже тринадцатью произведениями.

В искусстве этого мастера отразилось характерное для многих художников середины и особенно конца XVII века стремление к идеализации и декоративности. Однако лучшие работы Мурильо пленяют лиричностью и мягкой задушевностью, меткая наблюдательность сочетается в них с поэтической одухотворенностью. Это можно почувствовать, в частности, в ряде детских образов, созданных художником.

Герои религиозной легенды в картине венецианского мастера наделены земной полнокровной

ГМИИ: пластика малых форм

Статую заказал мастеру герцог Козимо Медичи в 1545 году, и спустя девять лет она была

Гмии им. пушкина. итальянцы xiii—xv

«Усекновение главы Иоанна Предтечи» Сано ди Пьетро была частью полиптиха — большой

Гмии им. пушкина. египет и византия

Общий ход эволюции искусства в Римской империи уводил

Музей Шерлока Холмса

Кроме того, потомки писателя были категорически против музея, посвященного его вымышленному персонажу, отказались

Британский музей

Эта находка сыграла важнейшую роль в изучении истории Древнего Египта. На камне, найденном

Национальная галерея

Собрание Национальной галереи считается одним из лучших в мире. Интересно, что здание

Эрмитаж

Зал был задуман как мемориальный и посвящен памяти Петра I. Это нашло непосредственное отражение в

Старая Пинакотека

Отличительная особенность этого музея состоит в том, что среди его экспонатов нет ни произведений скульптуры, ни графики,

Третьяковская галерея

Приступая к осуществлению поставленной перед собой задачи, Третьяков имел ясно

Оружие в Эрмитаже

Доспех прикрывал почти все тело рыцаря подвижно скрепленными пластинами, шлем полностью защищал

Музей Орсе

Работы – «Завтрак на траве» (1863) и «Олимпия» (1863), – когда-то вызвавшие бурю негодования публики

Багровые языки пламени, непроглядный мрак подземного царства, фантастические фигуры уродливых дьяволов – все

Мадонна Фиренце

Несмотря на наличие подписи, остается неясным, кто был автором эрмитажной хоругви. Существовало несколько

«Купающаяся в ручье женщина»

Этот интимный бытовой сюжет, не притязающий ни на какое философское или психологическое значение,

«Пейзаж с замком Стен»

Его могучий реализм, чуждый здесь внешним эффектам, захватывает нас проникновенной

Святой Себастьян

Юный, безбородый Себастьян, с густыми вьющимися волосами, голый, прикрытый лишь по чреслам, привязан

Читайте также:  Видение святого ромуальда, андреа сакки

«Похищение сабиянок»

Кипучий темперамент великого фламандского мастера заставлял его весьма вольно обращаться

«Венера» Веласкеса

Настоящая известность «Венеры с зеркалом» началась с выставки испанской живописи, устроенной Королевской Академией

«Лавки» Снейдерса

Многообразие форм и красок, живой ритм, особый мажорный тон и яркая декоративность присущи каждой из этих картин,

Мастер женских полуфигур

Однако Мастер женских полуфигур выработал собственную индивидуальность

Творчество Артсена

Он обобщал формы, уменьшал количество деталей и мелочей в картине, стремился к ясности композиции. В образе

Нидерландская «Голгофа»

Четкие линии ограничивают контуры тел, контрасты света и тени выявляют их пластический

Исцеление иерихонского слепца

Христос, исцеляющий слепого, изображен в центре, но не на первом плане, а в глубине

Ночное кафе

В «Ночном кафе» – ощущение пустоты жизни и разобщенности людей. Оно выражено тем сильнее, что вера в жизнь

Едоки картофеля

Это программное произведение художника, он писал его с огромным увлечением и мыслил как вызов академическому

Портрет Томаса Мора

Широкий красивый лоб. Тесно сомкнутые губы. Человек действия? Безусловно. Но и умница, с живым любопытством

Юдифь

На ней была изображена молодая женщина, попирающая ногой мертвую голову врага. В глубокой задумчивости, держа

Фрески Дионисия

Оторвать от этих росписей взгляд невозможно. В них гармония и изящество, в них светлая праздничность, в них

Страшный суд

Страшный суд. Тот, на котором, по учению церкви, воздается всем: и праведникам и грешникам. Страшный, последний

Гентский алтарь

Краски, засиявшие на бессмертных картинах Яна ван Эйка, не имели себе равных. Они переливались, сверкали,

Тайны «Помолвки»

Таинство брака носило в средневековье несколько иной характер, чем ныне. Взаимное решение о вступлении в брак

Источник: http://ourarts.ru/?p=276

Веласкес Диего Родригес де Сильва

Другие известные художники

Диего Родригес де Сильва Веласкес родился 6 июня 1599 года в испанском городе Севилье в семье знатной, но небогатой. Его отец был выходцем из Португалии, и это обстоятельство во многом определило судьбу Диего. Как и многих других мальчиков, его отдали в монастырскую латинскую школу.

Однако через несколько лет, когда стали очевидны его способности к искусству, отец отвел десятилетнего Диего в мастерскую известного испанского художника Ф. Эрреры.

Сам факт выбора подобной профессии был вызовом для испанской аристократии, ибо профессия художника считалась недопустимым занятием для дворянина. 

У Эрреры Диего проучился недолго они не сошлись характерами. Через год он работал уже в мастерской другого художника, Франсиско Пачеко, у которого оставался до 1617 года, когда получил звание мастера. Пачеко оказался горячим поклонником античности и прекрасным педагогом.

Согласно установочному принципу учителя «все искусство живописца в рисунке», Диего много рисует. По свидетельству самого Пачеко, еще юношей Веласкес «оплачивал крестьянского мальчика, служившего ему моделью.

Он изображал его в разных видах и позах то плачущим, то смеющимся, не останавливаясь ни перед какими трудностями». 

По совету учителя Диего оттачивает владение рисунком, позволяющее точно воспроизводить натуру, в живописи на бытовые темы, по-испански — бодегонес. Появляются картины «Завтрак», «Старая кухарка», «Служанка-мулатка», «Музыканты», «Завтрак двух юношей», «Водонос». 

Автопортрет художника (фрагмент картины «Менины», 1656)

В доме учителя Диего познакомился со своей женой. «После пяти лет обучения и образования я отдал за него замуж свою дочь, побуждаемый его добродетелью, чистотой и другими хорошими качествами, а также в надежде на его природный и великий гений», — пишет в своей книге «Искусство живописи» Пачеко. 

Единственной дочери Пачеко — Хуане Миранде — на тот момент было почти шестнадцать лет. В 1619 и 1621 годах у четы Веласкесов родились две дочери. В 1620 году Диего открыл собственную мастерскую. 

Взошедший на престол шестнадцатилетний король Филипп IV сменил практически все придворное окружение своего отца. Узнав о талантливом художнике из Севильи, он призывает его к себе. Осенью 1623 года Веласкес вместе со своим тестем приехал в Мадрид.

Здесь ему оказывает покровительство премьер-министр Оливарес. Художник пишет портрет молодого короля Филиппа IV, имевший большой успех, и вскоре получает звание придворного живописца.

Ему отвели парадные апартаменты в одном из крыльев королевского дворца и не менее просторную мастерскую в одном из пригородных замков. 

Теперь Велакес перестал зависеть от случайных заработков, но вместе с этим должен был большую часть своего времени отдавать придворному церемониалу. Резко ограничилась и тематика его картин, а основным жанром на многие годы становится портрет. 

Веласкес. «Водонос из Севильи», Музей Веллингтона, Лондон

Веласкес много раз писал короля Филиппа и его детей. Особенно часто — дочь Филиппа инфанту Маргариту. Сохранилось несколько портретов, на которых видно, как постепенно она взрослела и как менялось ее лицо. 

Вскоре популярность Веласкеса возросла настолько, что при дворе стало зазорным не иметь портрета его работы. Среди подобных портретов этого периода надо отметить «Графа Оливареса» (1625) и «Шута Калаба-Сильяса» (1626-1627).

В этих портретах, становящихся все более «нематериальными», кисть живописца обретает легкость, изображая темы в определенном отношении менее возвышенные, но в то же время более элегантные и социально значительные.

Кроме придворных портретов Веласкес создал целую галерею изображений деятелей испанской культуры драматурга Лопе де Вега, Тирсо де Молина и Кальдерона, поэта Кеведо. 

Однако популярность Веласкеса вызывала не только поклонение, но и зависть. Смелость молодого севильянца, не считавшегося с академическими традициями, привела к конфликту с наиболее авторитетными художниками.

Они настояли на том, чтобы был устроен конкурс. В 1627 году Веласкес написал большую историческую картину «Изгнание морисков».

На ней была изображена одна из самых трагических страниц испанской истории — изгнание из страны всех, кто имел арабское происхождение.

Веласкес. Портрет короля Филиппа IV, Музей Прадо (Мадрид)

Хотя резкая экспрессия картины противоречила ее парадному, официальному предназначению, король пришел в восторг от работы Веласкеса и велел выставить картину в одном из дворцовых залов для всеобщего обозрения.

Там картина провисела несколько недель, после чего король велел перенести ее в зеркальный зал, где висели его любимые картины Тициана и Рубенса.

А сам художник получил весьма высокую по тем временам награду — он стал хранителем королевской двери, что было равноценно должности камергера. 

История жизни Диего Веласкеса

В 1629 году художник завершает необычную для испанской традиции картину на античный сюжет — «Вакх» или «Пьяницы» (1628-1629). 

«Полагают, что здесь воспроизведен обряд посвящения в братство Вакха, — пишет Л.Л. Каганэ. — Жизнь города, его типы и нравы по-прежнему интересовали Веласкеса.

Но теперь смелее стал выбор типажей, разнообразнее характеристики изображенных, более обобщенным и монументальным решение картины.

Подобно современной литературе и театру, Веласкес изобразил столь характерных для Испании той поры деклассированных представителей общества. Есть в них и удаль, и бесшабашность, и веселье, и горечь.

Но в целом художник отдает должное жизнестойкости и оптимизму своего народа. Античный сюжет позволил художнику порвать с традицией интерьерной бытовой сцены.

Он выносит действие на природу, отчего ровнее становится освещение, богаче сверкают краски. Правда, передний план написан еще несколько тяжеловесно, контрасты света и тени довольно сильные.

Но методом изображения сцены на открытом воздухе, новым для живописи той поры, Веласкес в совершенстве овладеет позднее». 

«Портрет папы Иннокентия X», 1650, галерея Дориа-Памфили, Рим

В 1629 году король милостиво разрешил художнику присоединиться к свите знаменитого полководца Амбросио Спинолы, отправлявшегося на соседний полуостров. Веласкес посетил Венецию, Феррару, Рим, Неаполь. Он копировал картины Тинторетто, фрески Микеланджело, изучал античную скульптуру, знакомился с произведениями современных ему итальянских художников. 

Поездка в Италию содействовала расширению его художественного кругозора и совершенствованию мастерства. После возвращения художник много работает, тридцатые годы стали самым плодотворным периодом его творчества.

Сначала появляется «Кузница Вулкана» (1630), где мифологические образы соединены со сценами, приближенными к реальности.

В 1634-1635 годах Веласкес написал свое единственное батальное полотно «Сдача Бреды», где его мастерство предстает во всем блеске. 

1625 год. Осажденная испанцами голландская крепость Бреда пала. Комендант Бреды Юстин Нассауский вручает ключи от крепости испанскому полководцу Спиноле. В центре полотна фигуры двух полководцев согбенный под тяжестью поражения Ниссау, в желтой одежде, с ключом в руке устремляется к победителю.

Одетые в черные доспехи, с розовым шарфом через плечо теснятся испанцы. Стойный лес копий (отсюда второе название картины «Копья») создает впечатление численного превосходства и мощи испанского отряда.

«Для своего времени эта картина была откровением по правдивости изображения исторического события и новизне художественного решения», — пишет Л.Л. Каганэ. 

«Венера с зеркалом», ок. 1644—1648, Лондонская Национальная галерея

Портреты по-прежнему преобладают в творчестве Веласкеса. Они становятся значительно разнообразнее по композиции и живописному решению.

Как пример можно привести произведения тридцатых годов — охотничьи и конные портреты Филиппа IV и членов его семьи (1630-е).

Классическая ясность композиции, изысканность цветовых отношений сочетаются в этих больших картинах с исключительной для того времени убедительностью и живописной свободой в трактовке пейзажей. 

На протяжении 1630-1640-х годов Веласкес создал серию портретов карликов и шутов. Сквозь шутовскую личину великий мастер увидел духовный мир этих людей, обиженных природой, изобразил без тени насмешки, с простотой и тактом. 

В 1649 году Веласкес снова едет в Италию, на этот раз уже не безвестным молодым художником, а прославленным мастером. Картины, которые он создал в Риме, принесли ему еще большую славу. Среди них исключительное значение имеет портрет папы Иннокентия Х, выполненный около 1650 года. 

В.И. Раздольская пишет «Веласкес изобразил его сидящим в кресле, в спокойной, но исполненной скрытого напряжения позе. Доминирующие в картине красные тона звучат особенно интенсивно в горячем свете, который пронизывает фигуру, придавая ей необычайную живость.

Иннокентий Х был некрасив, и Веласкес не стремился облагородить его внешность. Но большая внутренняя сила и темперамент читаются в грубоватом лице папы, в цепком тяжелом взгляде словно сверлящих зрителя маленьких глаз.

Перед нами скорее умный, жестокий, энергичный светский государь, а не духовное лицо. Острота характеристики, глубокий психологизм, необыкновенное мастерство живописи позволяют считать эту работу одним из высших достижений мирового портретного искусства.

Сам Иннокентий Х нашел портрет «слишком правдивым», однако щедро наградил за него художника. 

«Сдача Бреды» (1634—1635, Прадо, Мадрид)

Побоявшись потерять Веласкеса, Филипп IV прислал ему сердитое письмо, и в 1651 году художник возвращается в Испанию. Филипп IV возводит художника на высшую в государстве должность — гофмаршала. Теперь Веласкес, наконец, получил полную независимость. Он создает единственное в своем творчестве изображение обнаженной женщины — «Венера и Купидон». 

К пятидесятым годам относится один из самых сложных портретов мастера — портрет Филиппа IV (1654). В поблекшем лице короля, в его потухшем взгляде Веласкес блестяще передает усталость, разочарование, горечь, которые не могут скрыть горделивая осанка и привычно надменное выражение. 

Главные полотна Веласкеса позднего периода — крупномасштабные композиции «Менины (юные фрейлины)» (1656) и «Пряхи» (1657). «Менин» часто называют «картиной создания картины». «В свете подобного толкования, — пишет В.И.

Раздольская, — особое значение приобретает в ней автопортрет художника.

Изобразив себя за работой, как равного, в кругу королевской семьи, Веласкес утверждает ценность и достоинство творческой личности в обществе, построенном на строгой сословной иерархии.

Более того, сам процесс творчества стал сюжетом картины. А безупречное мастерство Веласкеса подтвердило правомерность его замысла.

Гармония ритмического строя, которому подчинено расположение фигур, не нарушает естественной непринужденности изображенной сцены.

Построение композиции и сложнейшее решение света создает не только убедительное ощущение реального пространства, но словно втягивает в него зрителя, стоящего перед картиной». 

«Пряхи» (1658, Прадо, Мадрид)

«Пряхи» — апогей мастерства художника. «Если бы знать, как объяснил бы нам этот сюжет сам Веласкес! — пишет А. Якимович.

— Версия о ковровой мануфактуре появилась не в его время, она появляется впервые в 1772 году, в описи мадридского дворца. Там картина «Пряхи» так и описывается — «ковровая мануфактура, где женщины прядут и сматывают нити».

Таков взгляд здравомыслящего, рассудительного века Просвещения. Но согласимся ли мы с ним сегодня Действительно, пряхи налицо, они заняты своим делом.

Неудивителен задний план.

Неужели эти переливы шелка дамских платьев, эта невесомая прозрачность атмосферы и игра солнечного луча, весь этот арсенал живописи, достойный Тициана и Ватто, Вермеера и Гейнсборо, — неужели все это понадобилось для того, чтобы рассказать о жанровой сцене, о каждодневных делах Быть того не может. Стали искать скрытый смысл картины. В ход пошел исторический, филологический и научный аппарат. Оказалось, что в картине есть скрытая, слегка «замаскированная» мифологическая тема. Она связана с прядением и ткачеством…» 

Придворная карьера Веласкеса к тому времени достигает своей вершины король наградил его высшим орденом Испании — крестом Сантьяго. Так был создан прецедент человек искусства стал кавалером одного из древнейших в Европе рыцарских орденов. 

К несчастью, художник в то время был уже тяжело болен. И все больше усилий ему приходилось прилагать, чтобы работать за мольбертом. После присутствия на церемонии бракосочетания королевской дочери и французского короля Людовика XIV, Веласкес слег и через несколько часов умер. Это произошло 6 августа 1660 года.

Источник: http://tunnel.ru/post-velaskes-diego-rodriges-de-silva

Ссылка на основную публикацию