Картина «положение во гроб», караваджо

«Положение во гроб» Караваджо. Почему это шедевр — Дневник живописи

Караваджо. Положение во гроб. 1602-1604 гг. Пинакотека Ватикана

Перед нами тело Христа и 5 фигур. Его тело со стороны головы держит святой Иоанн. Самый молодой ученик Христа. Со стороны же ног его удерживает Никодим. Житель Иудеи, тайный ученик Христа.

В темно-синем одеянии – святая Мария. Она протянула руку к лицу сына. Прощаясь с ним навек. Вытирает от слез лицо Мария Магдалина. А самая дальная фигура – это Мария Клеопова. Скорее всего, она является родственницей Христа.

Фигуры стоят очень тесно. Они словно единый монолит. Выступающий из темноты.

Конечно, это шедевр. Но что делает эту картину такой выдающейся?

Как мы видим, композиция интересна. Но не оригинальна.  Мастер воспользовался уже существующей формулой. Примерно в таком же положении Христа изображали и Рафаэль в начале 16 века. И маньеристы* за полвека до Караваджо (1571-1610 гг.)

Слева: Рафаэль. Положение во гроб. 1507 г. Галерея Боргезе, Рим. Справа: Якопо Понтормо. Положение во гроб. 1526-1528 гг. Церковь Санта-Феличиты, Флоренция, Италия

Не стал Караваджо шокировать нас реалистичностью мертвого тела. Как он это сделал в “Успении святой Марии”. Вместо прекрасной, как будто уснувшей святой, мы видим мертвую женщину. Вздутое тело. Босые ноги. Безжизненная бледность кожи.

Не стал Караваджо экспериментировать с расположением и освещением фигур. Как, например, в “Призвании святого Матфея”. Когда фигура Христа находится в самой тёмной и удаленной части картины.

В картине “Положение во гроб” тело Христа не пугает нас своим видом. Оно находится на переднем плане. Весь свет падает именно на него.

Однако есть несколько моментов в картине, которые делают ее шедевром. Хотя эти новаторства Караваджо и не настолько бросаются в глаза.

1. Вовлечение зрителя

Караваджо максимально приближает нас к происходящему. Мы как будто стоим на краю могилы. Край плиты и локоть Никодима словно вот-вот прорвут пространство картины.

А теперь посмотрите на картину учителя Караваджо, Петерцано.

Симоне Петерцано. Оплакивание. 1584 г. Церковь Сан-Фиделе, Милан, Италия

Вам словно демонстрируют тело Христа. Он возлежит так, чтобы его мертвое тело выглядело максимально благородно. Персонажи одеты в красивые атласные ткани. А на заднем плане Вероника держит свою вуаль с ликом Христа. Так, чтобы вам было хорошо ее видно.

В этом всем чувствуется театральность. Вы здесь как сторонний зритель. Перед которым разворачивается представление.

Караваджо преследует в своей картине другие цели. Он хочет вас вовлечь в действие. Поэтому Никодим смотрит в вашу сторону. Как будто следующим порывом он передаст тело Христа вам.

Такого раньше живопись не знала. Это чисто караваджинский приём.

2. Предельная простота

Большинство современников Караваджо следовали моде зарождающегося Барокко. Переполняя свои картины помпезной символикой и пухлыми ангелочками.

Караваджо терпеть не мог аллегорий. Лишних деталей. Он хотел, чтобы его картины мог понять любой. Чтобы  чувства персонажей были искренни.

В этом он был полной противоположностью маньеристов*. Чья живопись скорее напоминала ребусы для самых образованных.

Аньоло Бронзино. Аллегория с Венерой и Амуром. 1545 г. Национальная галерея Лондона

Например, не разбираясь в мифологии, не зная языка символов, вы едва ли сможете понять картину Бронзино “Аллегория с Венерой и Амуром”. К чему эта девочка с ногами льва и хвостом змеи? Почему она держит соты в одной руке и жало в другой?

Картины же Караваджо были предельно понятны.  В его “Положении во гроб” нет ничего, что бы отвлекало ваше внимание от главного сюжета. Разве что одинокий могильный цветок.

Его персонажи даже одеты очень просто. Никаких шелков. Никакого ультрамарина. И уж тем более милых ангелочков. Да и позировали ему всегда люди с улицы.

Подходящие лица он находил среди простых трудяг и проституток. Так, Мария Клеопова (та, что воздела руки) – это проститутка Филлида. Она же позировала ему и для других его картин. Например, для “Марфы и Марии Магдалины”.

Караваджо. Марфа и Мария Магдалина. 1598 г. Музей искусств, Детройт, США

Это, кстати, очень многих раздражало. Что в образе святых они видели знакомых им проституток. Но это тема другого разговора. Об этом читайте в статье о тайной гибели Караваджо.

3. Реалистичность людей

Караваджо изобразил святую Марию лет 55. Кажется, что она выглядит старше своих лет из-за постигшего ее горя. Приглядитесь к ее лицу. Это не старуха, как часто ее обозначают на этой картине. Это женщина за 50, убитая горем.

Караваджо. Положение во гроб. Фрагмент. 1603-1605 гг. Пинакотека Ватикана

Ее возраст реалистичен. Именно так и могла выглядеть женщина, сыну которой 33 года.

Дело в том, что до Караваджо святую Марию изображали молодой. Тем самым максимально идеализируя ее образ.

Аннибале Карраччи. Пьета. 1600 г. Музей Каподимонте, г. Неаполь, Италия

Например, Карраччи, немного-немало основатель первой художественной академии, следовал той же тенденции. Его святая Мария и Христос на картине “Пьета” – примерно одного возраста.

4. Ощущение динамики

Караваджо изображает момент, когда мужчины находятся в сильном напряжении. Святому Иоанну тяжело удерживать тело. Ему не легко. Он неловко прикоснулся пальцами к ране на груди Христа.

Никодим также на пределе своих сил. Вены на его ногах вздулись. Видно, что он держит свою ношу из последних сил.

Мы словно видим, как они медленно опускают тело Христа. Такая необычная динамика делает картину ещё более реалистичной.

Караваджо. Положение во гроб. Фрагмент. 1603-1605 гг. Пинакотека Ватикана

5. Знаменитое тенебросо Караваджо

Караваджо использует приём тенебросо. На заднем фоне – кромешная тьма. А фигуры словно вырисовываются направленным на них неярким светом.

Многие современники критиковали Караваджо за такую манеру. Называли ее “подвальной”. Но именно эта техника является одной из самых характерных черт творчества Караваджо. Он смог максимально раскрыть все ее преимущества.

Фигуры приобретают необычайную рельефность. Эмоции героев становятся предельно выражены. Композиция ещё более цельной.

Такая манера стала очень популярной благодаря Караваджо. Среди его последователей можно выделить испанского художника Сурбарана.

Посмотрите на его знаменитую картину “Агнец Божий”. Именно тенебросо создаёт иллюзию реальности. Ягненок словно живой лежит перед нами. Освещённый тусклым светом.

Франсиско де Сурбаран. Агнец Божий. 1635-1640 гг. Музей Прадо, Мадрид

***

Караваджо был реформатором живописи. Он основатель реализма. И “Положение во гроб” одно из величайших его творений.

Его копировали самые крупные мастера. Что также подтверждает его ценность для мирового искусства. Одна из самых известных копий принадлежит Рубенсу.

Питер Пауль Рубенс. Положение во гроб. 1612-1614 гг. Национальная галерея Канады, г. Оттава

“Положение во гроб” – сюжет очень печальный. Но  именно за такие сюжеты Караваджо и брался чаще всего.

Думаю, это связано с детской психологической травмой. В 6 лет он наблюдал, как в муках умирал его отец и дед от бубонной чумы. После чего его мать сошла с ума от горя. С детства он усвоил, что жизнь полна страданий.

Но это не помешало ему стать величайшим художником. Правда прожил он всего 39 лет. Он погиб. Бесследно исчезло его тело.  Предположительно его останки нашли лишь 400 лет спустя! В 2010 году. Об этом читайте в статье “Караваджо. 5 невероятных фактов о жизни и творчестве”.

* маньеристы – художники, работающие в стиле маньеризм (100-летняя эпоха между Ренессансом и Барокко, 16 век). Характерные черты:  перенасыщенность композиции деталями, удлиненные, часто закрученные тела, аллегорические сюжеты, повышенный эротизм. Яркие представители: Джорджо Вазари, Джулио Романо, Эль Греко, Аньоло Бронзино.

Для тех, кто не хочет пропустить самое интересное о художниках и картинах. Оставьте свой e-mail (в форме под текстом), и Вы первыми будете узнавать о новых статьях в моем блоге.

Источник: https://arts-dnevnik.ru/caravaggio-polozhenie-vo-grob/

Картина «Положение во гроб»

Дата написания: 1602–1604 годы.
Тип: Холст, масло, 300*203 см.

Положение во гроб (Погребение Христа)

Портрет художника

О жизни большинства художников и других известных личностях мы узнаем из записок и книг, написанных современниками, историками и друзьями. В случае с Микеланджело Меризи да Караваджо, однако, эти знания мы получаем, в основном, из полицейских сводок.

Из них легко понять, что у художника был сложный характер. Так же агрессивный Караваджо мог проявлять жестокость, и арестовывался за нападение. Помимо участия в кровавых драках, в полицейских архивах сохранились записи о незаконном ношении оружия.

В конце концов живописец совершил убийство и провел несколько лет в бегах от закона.

Сюжет

После несения креста на Голгофу и распятия, некоторые из последователей Христа (Никодим, Иосиф Аримафейский, Мария Магдалина) снимают тело с креста и помещают его в гроб.

Свет и тень

Одна из первых вещей, которую можно заметить в стиле Караваджо — гробовая темнота. Это так называемый темный стиль (тенебризм). Художник пытался сделать сцену, события которой происходят ночью, фигуры будто освещены гигантским прожектором, что находит отражение и в других картинах.

Положение во гроб. Фрагмент.

У картины буквально нет фона. Только темнота. Нет архитектурных творений, пейзажа, в результате чего зритель сосредоточен на фигурах переднего плана. Световые эффекты работают на драматизм, мы можем видеть очень выразительные контрасты светлого и темного. Другими словами, темные тени находятся в непосредственной близости от области яркого освещения, без плавного перехода.

Пространство

Все персонажи расположены максимально близко. Посмотрите на тело Христа, мы буквально ощущаем, что оно может прикоснуться к нам. Выступ гробницы укорочен, кажется, что он входит в наше «пространство».

 Аналогичный эффект можно наблюдать на локте, принадлежащем фигуре, держащей Иисуса ха ноги.

 Одна из особенностей искусства барокко — тонкая грань между нашим миром и картиной, достигаемая использованием специфичных ракурсов и игрой света.

Давид с головой Голиафа. 1607.

Композиция

Фигуры на картине образуют диагональную линию, которая также является распространенной особенностью стиля барокко. В искусстве Высокого Возрождения мы можем найти композиции в форме пирамиды. Но тут мы видим диагонали, которые иногда пересекаются в форме буквы «Х».

Падение Фаэтона. Рубенс.

Одна из важнейших задач барокко — вовлечение зрителя. С ней Караваджо отлично справляется, организовывая композицию так, чтобы тело Христово «врывалось» в нашу реальность.

Реализм

Искусство барокко также имеет тенденцию быть очень реалистичной. Тело Христово выглядит действительно мертвым, а фигуры тратят все силы держа этот груз.

Источник: https://artrue.ru/style/barocco/caravaggio/kartina-polozhenie-vo-grob.html

Творчество Караваджо: 10 знаменитых картин художника с названиями, фото

Он великий художник. Один из тех, кто изменил живопись. И всякий, кто хоть немного ею интересуется, немало знает о Караваджо. Что коллеги-современники проклинали его за натурализм, а обыватели ужасались тому, что святых он писал с бродяг и проституток.

Что несносен и вспыльчив он был до того, что в одной из многочисленных драк убил человека. Что не меньше винограда, с которым на его картинах позируют аппетитные юноши, он любил самих юношей. Что своей драматичной светописью он дал один из важнейших уроков будущим фотографам.

Даже то, что его полное имя — Микеланджело Меризи да Караваджо. Мы собрали для вас не столь широко известные факты о гении и его творчестве.

Караваджо похоронили в июле 2014-го — в тосканском городке Порто-Эрколе, где он умер еще в 1610-м году, 38-леним, от последствий сифилиса: как вы понимаете, 400 лет назад выступающим на его похоронах трудно было подобрать красивые слова для пафосной речи — талант Караваджо был очевиден и при жизни, но сама жизнь, с карточными долгами, пьяными дебошами, драками, убийством, тюрьмами, побегами, не располагала к произнесению слезоточивых надгробных спичей. Зато теперь… После торжественного перезахоронения вокруг могилы даже парк разбили.

Во время траурной церемонии на гроб с останками вместо букета положили корзинку с фруктами — как на известном натюрморте Караваджо.

Кстати, вовсе не голландцев, а именно Караваджо считают автором первого натюрморта!

А останки, которые генетическая экспертиза приписала художнику, нашли четырьмя годами ранее, в 2010-м, на городском кладбище Порто-Эрколе, где у Караваджо уже был покой, но все еще не было достойных его почестей. В борьбу за них тотчас вступил Милан, где, по одной из версий, родился гений.

Порыв понятный: могила Караваджо автоматически превращается в туристическую мекку и делается стабильным источником дохода.

Кажется, сам Караваджо был бы не против того, чтобы его мертвого потревожили ради дела.

Во всяком случае, сам он так однажды поступал — когда писал свое «Воскрешение Лазаря»: для пущей правдоподобности в качестве модели для заглавного героя он велел подать ему в мастерскую эксгумированного покойника.

Рассказывают, натурщики, которым надлежало давно бездыханного Лазаря держать, воспротивились: мол, не богоугодно, да и противно. Но Караваджо достал нож, пригрозил отправить их в освободившуюся могилу — и процесс пошел.

Искусствоведами до сих пор не найдены эскизы, сделанные Караваджо хотя бы к его самым большим и многолюдным работам. Его жизнь была бурной и короткой, а произведений он после себя оставил, будто умер седовласым праведником (и ведь это еще очень многие из них утрачены!).

Читайте также:  Монастырь над рекой, поленов - описание картины

А все потому, что художник, видимо, обходился без черновиков, создавая свои сложнейшие многофигурные композиции прямо на холсте. Что ж, это и к лучшему. Случается, окончательное полотно выходит совсем безжизненным, если автор поддается перфекционизму и все вдохновение вкладывает в эскизы.

Удивительного психологизма и драматизма Караваджо добивался особым освещением своих полотен: источника света на картинах почти никогда не видно, но он явно не естественного происхождения и расположен где-то над головами героев, высвечивая из темноты их фигуры, лица, жесты — а в итоге характеры и эмоции.

Такой многозначительный свет, используемый не только для создания объема (ЗД-эффекта, по-нашему говоря), но и для разжигания страстей, по сей день пытаются воспроизводить на театральных подмостках и в голливудских фильмах. Операторы, которым это удается, обычно номинируются на «Оскар».

Это кадр из фильма «Роковая страсть» (2013) Джеймса Грея, американского режиссера с украинскими корнями. Операторов своих фильмов он, прежде чем допустить на съемочную площадку, выгуливает по музеям с произведениями Караваджо. Показывает, как надо. Такое же, как в этой сцене, резкое противопоставление света и тени на картинах Караваджо называют словом «кьяроскуро» (итал. светотень).

Еще один голливудский поклонник Караваджо — режиссер Мартин Скорсезе. Он говорит, что Караваджо был прирожденным режиссером и «помогал» ему ставить свет на съемках фильма «Злые улицы». Люди, тусующиеся в мрачных нью-йоркских барах в этом фильме, — это ремейки картины Караваджо «Призвание апостола Матфея».

  • Караваджо. Призвание апостола Матфея, 1599
  • Мартин Скорсезе. Фильм «Злые улицы», 1973

А взгляните на кадры из «Славных парней» Скорсезе (1990), где художником по свету в титрах тоже вправе значиться Караваджо.А еще Мартин Скорсезе говорит, что учился у Караваджо рассказывать истории: на картинах этого художника действие схвачено в самом разгаре — так хороший режиссер должен уметь начинать свое повествование не издалека, а сразу с того, от чего зрителю не оторвать глаз.«Все, что я знаю, я узнал, глядя на картины Караваджо», — МАРТИН СКОРСЕЗЕ

  • Мартин Скорсезе. Фильм «Таксист», 1976

Ну, а самая популярная у художников картина Караваджо — пожалуй, эта:Локоть Никодима вот-вот прорвет холст. А кладбищенская плита? Ой! Им бы там поосторожнее — как бы не потеряли равновесие и не сорвались в могилу. Лица у канонических плакальщиков — точь-в-точь, как у убитых горем простых смертных, современников хоть Караваджо, хоть наших. Никогда еще классический религиозный сюжет не был таким житейским и живым. Никогда больше художники не захотят рисовать схемы вместо людей, иллюстрируя Библию. Ремейки этой картины Караваджо кто только не делал: Рубенс и Сезанн, Фрагонар и Жерико.

  • Питер Пауль Рубенс. Положение во гроб, 1612
  • Дирк ван Бабюрен. Положение во гроб, 1617

«Без Караваджо не было бы Риберы, Вермеера, Жоржа де Латура или Рембрандта. И Делакруа, Курбе и Мане писали бы по-другому», — РОБЕРТО ЛОНГИ (1890—1970), итальянский искусствовед

Источник: https://artchive.ru/publications/435~Karavadzho_10_znamenitykh_kartin_pljus_ljubopytnye_fakty_o_khudozhnike

Караваджо на выставке “Шедевры Пинакотеки Ватикана. Roma Aeterna”

Главный шедевр на выставке “Roma Aeterna” (лат. Вечный Рим) в Третьяковской галерее  – большое полотно «Положение во гроб» кисти знаменитого итальянского мастера Караваджо. Без этого шедевра не обходится ни один учебник по истории живописи.

Автор: Микеланджело Меризи, прозванный Караваджо (1573 – 1610)

Картина: “Положение во гроб”

Дата написания картины: 1604 год

Размеры: 300 х 203 см

Караваджо “Положение во гроб” 1604

Место постоянного экспонирования: Пинакотека Ватикана

Временно экспонируется в залах Третьяковской галереи в рамках выставки “Roma Aeterna. Шедевры Пинакотеки Ватикана”

Для подчеркивания исторических параллелей напомню читателю, что в год написания картины, 1604, в России началась Смута, а в Риме Караваджо закончил полотно огромных размеров, предназначавшееся для центрального образа алтаря – “Положение во гроб“.

Фрагмент “Положение во гроб” Караваджо. Святой Никодим

Произведение не было написано в канонах живописи рубежа XVII-XVII веков и потому многими было воспринято негативно.

«Положение во гроб» своим открытым трагизмом и силой простоты бунтовало против узаконенного хорошего вкуса.

Когда картина была открыта, многие были возмущены, но многие, в том числе художники и коллекционеры, среди которых были аристократы и кардиналы, новое искусство приветствовали.

Храм Санта-Мария делла Валичелла (Рим, Италия) для алтаря которой Караваджо написал “Положение во гроб“

С тех пор, как Караваджо стал личным живописцем кардинала Франческо дель Монте, он стал получать множество заказов, в том числе и на религиозную тематику. Одну из таких картин под названием «Положение во гроб» он написал для римского храма Санта-Мария делла Валичелла (также известной как Кьеза Нуова). Полотно считают одной из вершин творчества художника.

Как следует из записи в церковном архиве, картина была окончена до 6 сентября 1604 года. В 1797 году Наполеон вывез картину Караваджоо в Париж в результате конфискации. “Положение во гроб” вернулось в Рим в 1816 году при папе Пие VII.

Интерьер Санта-Мария делла Валичелла (Рим, Италия) для алтаря которой Караваджо написал “Положение во гроб”. Сейчас в храме можно увидеть копию работы Караваджо

Пышный мраморный декор капеллы, для которой предназначалась картина, резко контрастировал с простотой полотна Караваджо.

По сравнению с традиционными для того времени “Положениями во гроб” трактовка полотна выглядела очень непривычно. Вместо обычной трехфигурной композиции художник изобразил шесть фигур в натуральную величину, головы пяти из которых, ярко выделяющиеся на темном фоне, словно в театральном пространстве.

Караваджо расположил их друг над другом, подчеркнув тяжесть их ноши направленным сверху вниз движением.

Караваджо.

“Положение во гроб” на выставке “Roma Aeterna” в зале Третьяковской галереи

Все фигуры изображены очень реалистично – это обычные списанные с натуры люди, облагороженные общим переживанием, наделяющим  происходящее монументальностью античной трагедии.

Драматизм сцены усиливается благодаря резкому контрасту света и тени, одной из характерных черт живописи Караваджо. Художник не делал подготовительных эскизов для этой картины, а сразу писал ее на холсте, используя натурщиков.

В залах Пинакотеки Ватикана. Караваджо “Положение во гроб”

В этой картине присутствует характерный для художника контраст света и тьмы.

На фоне мрачной и непроглядной тьмы стоит группа людей – на переднем плане Апостол Иоанн и старец Никодим держат тело Христа, с намерением опустить его в каменный гроб. За ними находятся мать Иисуса, Мария Магдалина и Мария Клеопа.

Скорбящая мать, Дева Мария, горестно распростерла руки, стараясь обнять и защитить тело сына.

Дева Мария. Фрагмент “Положение во гроб” Караваджо

Мария Клеопа застыла в безмолвном крике, подняв руки к небу, ее волосы торчат в разные стороны – видимо, она рвала их в стенаниях.

Голова Марии Магдалины скорбно опущена, она скрывает свои слезы, переживая по поводу утраты. Мать Иисуса не плачет и не кричит, она молча смотрит на лицо своего сына, зная, что больше не увидит его никогда.

Лик Марии в отличии от привычной нам молодой девушки более соответствует реальному возрасту Марии в день утраты сына. Лица мужчин сосредоточены и скорбны.

Дева Мария, Мария Магдалена и Мария Клеопа, Фрагмент “Положение во гроб” Караваджо

Апостол Иоанн, хмурясь, всматривается в неживое лицо своего Учителя, а сильный Никодим глядит вниз, на дно гробницы, напрягаясь под весом тела Иисуса. Тело Христа бледно, как будто лишилось всех красок жизни. Никодим и Иоанн, опуская тело Христа в гроб, наклоняются с ним вперед к зрителю.

Фрагмент “Положение во гроб” Караваджо

Рука мертвого Спасителя едва коснулась холодного камня. Таким образом движение, начатое всплеском рук Марии Клеопы наверху картины справа, заканчивается прикосновением руки Христа к мраморной гробнице.

Композиция «Положения во гроб» выстроена так, что смотрящий на нее зритель невольно становится частью картины. Каменная гробница, в которую хотят положить Христа, одним из углов повернута к зрителю (3D эффект) – этот угол как бы прорывает тонкую преграду между миром картины и обычной реальностью.

Фрагмент “Положение во гроб” Караваджо

Впечатление усиливает острый локоть держащего Иисуса за колени Никодима. Кажется, что они хотят передать недвижимое тело Христа тому, кто смотрит на картину. В чертах Никодима многие исследователи и зрители находят сходство с портретом зрелого титана Возрождения Микеланджело Буанаротти.

В истории искусства никогда еще классический религиозный сюжет не был таким житейским и живым. Никогда больше художники не захотят рисовать схемы вместо людей, иллюстрируя Библию. Ремейки этой картины Караваджо кто только не делал: Рубенс и Сезанн, Фрагонар и Жерико.

Портрет Караваджо. Автор- Оттавио Леони. Около 1600 года. Флоренция. Библиотека Маручеллиана

Портрет художника

О жизни большинства художников и других известных личностях мы узнаем из записок и книг, написанных современниками, историками и друзьями. В случае с Микеланджело Меризи да Караваджо, однако, эти знания мы получаем, в основном, из полицейских сводок.

Из них легко понять, что у художника был сложный характер. Агрессивный Караваджо часто участвовал в кровавых драках, в полицейских архивах сохранились записи о незаконном ношении оружия.

В конце концов живописец совершил убийство и провел несколько лет в бегах от закона.

Свет и тень

Одна из первых вещей, которую можно заметить в стиле Караваджо — гробовая темнота. Это так называемый темный стиль. Художник пытался сделать сцену, события которой происходят ночью, фигуры будто освещены гигантским прожектором, что находит отражение и в других картинах.

Питер Пауль Рубенс. Положение во гроб, 1612

У картины буквально нет фона. Только темнота. Нет архитектурных творений, пейзажа, в результате чего зритель сосредоточен на фигурах переднего плана. Световые эффекты работают на драматизм, мы можем видеть очень выразительные контрасты светлого и темного.

«Без Караваджо не было бы Риберы, Вермеера, Жоржа де Латура или Рембрандта. И Делакруа, Курбе и Мане писали бы по-другому», — говорил великий итальянский искусствовед Роберто Лонги (1890—1970).

Здание Пинакотеки Ватикана

Ссылки на статьи, описывающие произведения выставки “Roma Aeterna. Шедевры Пинакотеки Ватикана”

“Апостол Матфей и ангел ” Гвидо Рени – ссылка расположена здесь.

“Видение святой Елены” Веронезе – ссылка расположена здесь.

“Ангел, играющий на лютне” Мелоццо да Форли – ссылка расположена здесь.

“Пьета” Карло Кривелли –ссылка расположена здесь.

Пределлы “Вера” и “Милосердие” Рафаэля – ссылка расположена здесь.

Очередь на выставку “Шедевров Пинакотеки Ватикана”

Цитата из художественного произведения

Ниже приведу выдержку из художественного произведения, посвященного творчеству Караваджо в части, повествующей о написании “Положения во Гроб”:

«Пятеро стояли на краю могильной ямы в такой тьме, против которой самая глухая ночь показалась бы прозрачными сумерками. Их окружала черная немота остановившегося времени.
Иисус сказал: «Свершилось». И, преклонив главу, отдал дух. От шестого же часа тьма была по всей земле. И померкло солнце.

Мрак безвременья окутал этих пятерых людей, и они опускали шестого во тьму. Опускали не только в кладбищенскую сырость свежераскопанной земли – отпускали в вечное небытие и не знали, что он воскреснет на третий день, прощались с ним навсегда.

Молодая женщина, как и две другие, тоже Мария, раскинула руки вверх и в стороны. Это жест, раздираемый криком. Изо рта вырывается вопль – да ведь она на грани обморока – вон как закатились ее глаза. И волосы растрепаны: плакальщица только что терзала их.

Горе молодой Марии неподдельно, однако, ей легче, чем другим: ее скорбь находит выход в движениях и звуках.

Рядом с ней, чуть ближе к зрителям – Магдалина. Ее слез не видно, лицо полузакрыто платком, который она, комкая в руке, прижимает к глазам.

Магдалина прячет от остальных не плач, а свою любовь, безвыходную, беспомощную любовь, которая ни в одном слове не проявилась, когда он был жив, и которую не выплакать и не выкричать теперь.

У нее черты небогатой горожанки, она не похожа на обращенную грешницу, она молода и здорова.

И еще одно женское лицо – мать Спасителя. Ее никак не назовешь Мадонной – она стара. По писанию ей не больше пятидесяти лет, а здесь – семидесятилетняя старуха.

Stabat mater dolorosa…- Мать скорбящая стояла… Странно: в первую минуту она кажется спокойнее других, но сколько жуткого горя в этом спокойствии. Она не прячет лицо, не отводит глаза, не может потерять сознание.

Бесконечным последним взглядом мать вбирает в себя сына – его тело, его смертную наготу, последние секунды этого тела на земле. Если бы ее взгляд мог на самом деле вернуть сыновнюю плоть обратно в материнское лоно! Губы чуть шевелятся, но Мария не слышит своего голоса.

Она одряхлела вдруг, внезапно, за один день, и смотрящий на полотно сразу понимает это. Холодное синее пятно плаща, наброшенного на голову поверх белого платка, мрачней и строже самого глубокого траура. Двое мужчин держат тело Иисуса. Молодой Иоанн, как и Богоматерь, всматривается в его лицо.

Он напряжен, на лбу собрались морщины. В такие минуты юноши превращаются в мужей. Рука Иоанна подсунута под плечи Христа, он поддерживает мертвую плоть бережно, но неумело: пальцы касаются раны на ребрах, той страшной раны от римского копья, которое прекратило страдания Иисуса на кресте.

Красный плащ Иоанна волочится по земле, путаясь под ногами, в его складках залегли черные тени. Никодим, в коричневой тунике чуть выше колен, выделяется мощью своей кряжистой фигуры. Он обхватил ноги Христа и сомкнул кольцо рук под его коленями. Единственный изо всех, Никодим смотрит вниз, в яму.

Мышцы этого лысоватого, еще не старого мужчины, вздулись, на загорелых ногах набрякли вены; при взгляде на его усилия чувствуешь, насколько мертвая плоть тяжелее живой. Тело Христа бескровно, однако, в его бледности нет трупного оттенка. Краски жизни сошли с него, и остались резко, рельефно-четко вылепленные формы.

Эта высокая грудь, широкие плечи, крепкие бедра и ноги принадлежат не проповеднику слова, а борцу, мускулистому атлету. В запрокинутом лице нет покоя, но нет и смертной гримасы.

Люди стоят на могильной плите, выдвинутой углом вперед, она выглядит, как подножие скульптурной группы, но это – настоящая надгробная плита, под ней зияет провал, из-под нее тянет сыростью, и у нижнего среза картины растет мясистый кладбищенский цветок.

Фигуры написаны в полный рост, приближены к самому переднему краю; кажется, что локоть Никодима и острая грань камня вот-вот прорвут полотно. Свет борется с тьмой, и в борении они создают особую осязаемость, их контраст животворящ.

«Получилось» – думает Караваджо, стоя перед своей картиной. Линия, очерчивающая группу, скорбно клонится вниз. Взгляд, следуя за этой надломленной линией, опускается к лицу Христа, задерживается на нем, здесь – средоточие происходящего.

А теперь эту кривую продолжит и замкнет белая, бессильно упавшая рука Иисуса».

Отрывок из романа В. Клеваева «Накануне прекрасного дня. Неоконченный роман об итальянском живописце Микеланджело Меризи да Караваджо»

Источник: https://wanderings.online/shedevr-karavadzho-roma-aeterna/

Караваджо. Положение во гроб

Караваджо. Положение во гроб. 1602-1604

Здравствуйте, дорогие гости!  В Государственном музее изобразительных искусств (ГМИИ) имени Пушкина открыта выставка итальянского художника 16-17 веков Микеланджело Меризи да Караваджо. Мы продолжаем наше повествование. С 1597 года Караваджо является личным художником известного коллекционера и мецената кардинала Дель Монто и живет у него во дворце.

Караваджо — личный художник кардинала Дель Монто

Кардинал Дель Монто являлся одновремено и светским человеком, был галантным и обладал тонким вкусом. Опираясь на эти сведения, некоторые исследователи считают его, как и Караваджо, гомосексуалистом. Но сохранилось много свидетельств, в которых упоминается о связях Микеланджело с женщинами, в основном, с проститутками.

Торговля телом и преступность были распространены в Риме в то время. Часто случались драки из-за женщин, и именно с ними связаны передряги, в которые ввязывался Караваджо, обладавший вспыльчивым характером. Эти женщины были вхожи во дворец кардинала, и иногда они служили моделью для живописца.

Особенно отличалась своей красотой Филлида Малендрони. Ее портрет был написан художником в 1600 году, но в 1945 году картина погибла в Берлине. Более тесные отношения связывали караваджо и Лену, Маддалену Антоньетти, которую в одном судебном документе назвали «женщиной Микеланджело».

Именно эту красивую девушку изобразил художник в «Мадонне ди Лорето» и в некоторых других картинах.

Живя во дворце кардинала, Караваджо получил заметные преимущества, например, он мог ходить по городу, вооружившись шпагой, несмотря на государственные запреты. Для Микеланджело это было необходимо при его вспыльчивом характере, который не позволял художнику долго наслаждаться спокойной жизнью.

С начала 17-го века живописец не знает отбоя от заказчиков. Кардиналы, юристы, банкиры, представители знати и даже религиозные братства желают иметь картины, написанные Караваджо. Главной отличительной чертой религиозной живописи художника является мощный контраст между светом и тьмой. Караваджо превращает зрителя в участника изображенной сцены.

Картина «Положение во гроб» предназначалась церкви Санта Мария ин Валичелла. Долгое время она считалась самым главным шедевром художника. В 1797 году французы увезли ее в Париж в музей Наполеона. В 1815 году полотно было возвращено и с 1820 года оно находится в Пинакотеке в Ватикане.

На картине «Положение во гроб» изображены святой Иоанн и Никодим, поддерживающие тело Христа, позади них стоят охваченные отчаянием три Марии. Светом божественной благодати озарено мертвенно-бледное тело Христа. Благодаря углу зрения зритель как бы включен в картину. Контраст яркого потока света и темной части картины подчеркивает скорбную выразительность всего полотна.

Музеи Ватикана, Пинакотека

Дорогие друзья! Предлагаю вам почитать 2 увлекательные книги известной писательницы Дины Рубиной:

1. Синдикат (роман-комикс)
2. Во вратах твоих

Источник: https://valentina-site.ru/zarubejnie-hudojniki/vistavka-karavadjzo/karavadzho-polozhenie-vo-grob

6 главных картин Караваджо

Его называют реформатором европейского изобразительного искусства XVII века, внесшим много нового в господствовавший до этого стиль.

Если ранее образы на господствовавших в то время религиозных полотнах идеализировались, то с появлением Караваджо в их изображении стал использоваться максимальный натурализм. Он одним из первых применил новый метод письма «кьяроскуро» — резкое противопоставление света и тени.

Реалистичность прописанных образов делала античных богов, христианских святых и мучеников ближе к миру живых людей, в них ярко читались индивидуальность и характер, что снижало их пафос, делало искусство более «демократичным».

Все детали, даже второстепенные, прорисовывались крайне тщательно, что создавало эффект реальности, «осязаемости». Караваджо внес значительный вклад в развитие новых для искусства того времени направлений – бытового жанра и натюрморта, ранее относившимся к «низким» жанрам.

Примечательно, что, создавая свои сложные композиции, художник не использовал эскизы и зарисовки, сразу реализовывая замысел на холст.

Помимо уникального таланта художник был неординарной личностью со сложным характером.

Сама история его жизни – живописное полотно, полное контрастов: творческие взлеты и успехи соседствуют с дуэлями, драками и дебоширством, а за посвящением в рыцари следуют тюремные заключения, побег из Рима из-за убийства, скитания по разным городам Италии и смерти в возрасте 37 лет от малярии в одиночестве и печали.

Начиная свой творческий путь с бедствования в Риме: случайных заработков и дописывания картин признанных мастеров, Караваджо достиг престижного положения и добился однозначного одобрения своих работ при жизни, с чем не всегда везло многим талантливым мастерам. Ему давали множество заказов.

Стоит заметить, что не всегда заказчики понимали новаторство художника: некоторые работы из-за неотступного следования правде жизни и изображения тела во всей естественности считались неприличными, однако это не мешало продавать отвергнутые работы просвещенной публике, высоко ценившей талант живописца.

«Вечерка» вспоминает 6 наиболее значимых картин великого художника, выполненных в различных жанровых направлениях.

1. Религиозная живопись: «Положение во гроб» (1602-1604).

Одно из наиболее монументальных произведений художника. Картина предназначалась для алтаря римской церкви Кьеза Нуова. Долгое время она считалась самым главным шедевром художника. В 1797 году французы увезли ее в Париж в музей Наполеона. В 1815 году полотно было возвращено и с 1820 года оно находится в Пинакотеке в Ватикане.

К библейским сюжетам Караваджо пришел в своем более зрелом творчестве. В них художник находил драму современного бытия.

Преднамеренно довольно обыденно трактуя высокие образы, отходя от возвышенной красоты и героизма, он пытается поднять суровую действительность до уровня легенды, мифа.

И наоборот, спустить высокопарность религиозных героев к драме народной жизни, а оплакивание Христа – к событию, понятному всем.

В лицах, позах и жестах персонажей нет ни малейшего намека на патетику и возвышенные чувства. Герои Караваджо ведут себя естественно, как обыкновенные, простые люди.

В искреннем горе они склонили свои головы, как будто согнулись под тяжестью навалившегося на них несчастья. Благодаря углу зрения зритель как бы включен в картину.

Контраст яркого потока света и темной части картины подчеркивает скорбную выразительность всего полотна.

Вот некоторые персонажи композиции. Тело Христа поддерживает молодой Иоанн Евангелист, которому перед смертью Иисус поручил заботу о своей матери. Ноги Спасителя придерживает Иосиф Аримафейский; этот человек добился разрешения снять тело Христово с креста и затем положил его в гроб, приготовленный им для себя. Из женщин крайняя слева — мать Иисуса, Дева Мария.

2. Мифологическая живопись: «Вакх» (1592-93)

Данная картина также отлично отображает новаторский стиль Караваджо, его нестандартный подход к трактовке сюжетов: его Вакх никоим образом не напоминает недоступное пафосное божество.

Наоборот он выглядит максимально приближенным к реальному молодому человеку: изнеженный и отчасти вульгарный юноша, полупьяный на вид, который повернул к зрителю свое пухлое женоподобное лицо и протягивает кубок с вином изящно изогнутыми пальцами, «украшенными» толстым слоем грязи под ногтями. Тщательно прописанные детали показывают всю натуралистичность образа. Фрукты и графин на картине привлекают чуть ли не больше внимания, чем сам Вакх. Среди плодов айва, виноград, гранат, яблоки со следами гусениц. Фрукты, большинство из которых представлено в испорченном, малосъедобном состоянии, как полагают критики, олицетворяют бренность мирской суеты.

Автор словно говорит, что это вовсе не Вакх, а некая совершенно ординарная личность, надевшая на себя атрибуты античного Бога и глядящая на зрителя томным и в то же время настороженным взглядом из-под полуопущенных ресниц. Однако чувственное обаяние картины настолько велико, что зритель не чувствует ни капли иронии или негатива.

Это полотно отлично отображает фирменную черту художника – отображение празднично – игрового начала и даже эротического подтекста в античных сюжетах.

Картина хранится в галерее Уффици во Флоренции.

3. Портретная живопись: «Лютнист» (1595)

Эта картина визуально отлично знакома даже тем, кто не знаком с творчеством художника. «Юноша с лютней» (второе название картины) — раннее произведение художника, но уже в нем в полной мере проявились все особенности художественного языка мастера, его стремление передать материальность окружающего мира.

На картине изображен музыкант, играющий на лютне. Его фигура, одетая в белую рубашку, четко выделяется на темном фоне стены. Вдохновенное лицо музыканта, с полураскрытыми губами и влажным блеском в мечтательных глазах вносит в бытовую сцену поэтическое настроение и здоровый налет чувственности. Эффекты освещения еще больше подчеркивают праздничную и лиричную атмосферу музицирования.

Лежащая перед музыкантом скрипка со смычком словно приглашает зрителя присоединиться к исполнителю и сыграть дуэтом. Слева на столе лежат фрукты и овощи, чуть дальше в глубине видна ваза с цветами.

Резкое боковое освещение, собственные и падающие тени придают предметам почти осязаемую объемность и весомость.

Более того, предметы натюрморта также имеют свои индивидуальные характеристики: потрепанные ноты, лютня с трещиной, помятая груша.

Интересно, что споры о том, какого пола герой картины Караваджо, не прекращаются с XVII столетия.

Однако, сам автор говорил, что для этой (и других) картины позировал его любимец Марио Миннити, с которым тот жил в молодости в Риме.

В работах этого цикла любовное чувство символически передаётся через образы плодов (как бы приглашающих зрителя насладиться их вкусом) и музыкальных инструментов (музыка как символ мимолётного чувственного наслаждения)

Приятен факт, что картина хранится в Санкт-Петербурге, в Эрмитаже.

4. Автопортрет: «Больной Вакх» (1573—1610)

Несмотря на повторное обращение к мифологической тематике, этот шедевр раннего периода творчества Караваджо, относится к автопортретам художника. В картине, написанной после его пребывания в больнице, проявились первые признаки драматизма, которым отмечена зрелая живопись мастера. Пробыв долгое время между жизнью и смертью, он потом нередко обращался к этому состоянию в своих полотнах.

Название возникло позже, когда в лице выздоравливающего от болезни юноши, изображённом на полотне, признали бога виноделия Вакха. Картина была написана в период жизни Караваджо в Риме. Не имея возможности заплатить натурщику, художник срисовал для картины своё зеркальное отражение. Это позволило потомкам создать представление о его внешности.

Тему бренности бытия молодой Караваджо обыгрывает очень искусно: в самом колорите с холодными, зеленовато-синими тонами почти физически ощущается состояние озноба, которым охвачен молодой человек.

Греческий бог вина и веселья сидит в том самом наряде, в котором живописец изобразит его пару лет спустя на картине, о которой мы рассказывали выше, находящейся ныне в галерее Уффици: белая накидка схвачена темным поясом, завязанным бантом.

Но если Вакх на полотне из Уффици изображен здоровым, цветущим и призывно играет концом своего кушака, то этот слаб и не думает никого дразнить или веселить. На голове у него — наполовину увядший венок, сплетенный вовсе не из виноградных листьев, как положено.

И вообще это не Вакх, а смертный, нарядившийся им, словно бы говорит художник, спуская нас с небес на землю.

Сейчас произведение находится в собрании галереи Боргезе в Риме.

5. Бытовая живопись: «Шулеры» (около 1596г.)

Как уже говорилось, Караваджо – один из основателей жанровой живописи. Карточная игра – довольно часто повторяющая тема в его творчестве (он и сам был страстным игроком, и в одной из игр и завязалась драка, повлекшая убийство, после чего художник вынужден был бежать).

За грубым деревянным столом идет карточная игра, одна из разновидностей старинного покера. Слева молодой и, судя по всему, неопытный игрок внимательно разглядывает свои карты. Через его плечо туда же смотрит средних лет мужчина, один из шулеров.

При этом пальцами правой руки он подает тайный знак своему напарнику, который сидит напротив и прячет за спиной пятерку червей. Слева на переднем плане в коробке возвышается столбик, составленный из монет, — предмет вожделения нечистой парочки.

Картина полна внутреннего динамизма, характеры игроков тщательно прописаны и создают впечатление об их личности.

В 1627 году после смерти владельца полотна кардинала дель Монте картина «Шулеры» была инвентаризирована среди прочего его имущества, но затем была утеряна. Местоположение картины было неизвестно в течение долгих лет, она была случайно обнаружена в европейской частной коллекции лишь только в 1987 году. В настоящее время полотно находится в музее Кимбелл.

6. Натюрморт: «Корзина с фруктами» (ок. 1596 г.)

Картина является знаковой, потому что до Караваджо, по сути, натюрмортов «в чистом виде» в европейской живописи не существовало. После Караваджо этот жанр приобрел большую популярность. Чтобы компенсировать «бедность сюжета», Караваджо прибегает к иллюзионистскому приему, помогающему придать большую монументальность самому предмету, изображенному на картине.

Корзина находится на уровне глаз зрителя, и край стола отграничивает пространство изображения от внешнего пространства. Однако, изобразив корзину стоящей на столе лишь частью своего основания, художник добился впечатления, что корзина, частично «сойдя» с холста, вторглась в пространство зрителя. А в изображении фруктов художник достиг почти осязаемой объемности.

Картина хранится в Пинакотеке Амброзиана в Милане.

Интересные факты

Преданность Караваджо реализму иногда заходила очень далеко. Таким крайним случаем является история создания полотна «Воскрешение Лазаря».

Ссылаясь на свидетельства очевидцев, литератор Сузинно рассказывает, как в отведённое под мастерскую просторное помещение при госпитале братства крестоносцев художник приказал принести выкопанное из могилы тело недавно убитого молодого человека и раздеть его, чтобы добиться большей достоверности при написании Лазаря.

Двое нанятых натурщиков наотрез отказались позировать, держа в руках уже начавший разлагаться труп. Тогда, разозлившись, Караваджо выхватил кинжал и принудил их силой подчиниться его воле.

Источник: https://vm.ru/news/2013/07/17/6-glavnih-kartin-karavadzho-205569.html

25 картин, зная которые, сойдешь за умного

Стиль: Позднее Возрождение.

Описание картины: в основе сюжета полотна Тициана – миф о Данае, красотой которой пленился Зевс и проник к ней в спальню в виде золотого дождя. В результате на свет появился Персей. Всего были написаны пять Данай, которые хранятся в музеях по всему миру.

Художник был венецианцем, а школа живописи этого города сильно отличалась от того, что делали итальянцы в то время. В частности, в Венеции было особенное отношение к свету. Тициана многие даже называют предтечей импрессионизма.

Даная на его полотне – это венецианский образ античной дамы, которая находится в состоянии эротического томления. Она похожа на простую женщину со своими земными желаниями.

До Тициана художники не осмеливались так изображать чувственность.

Где находится: Россия, Санкт-Петербург, Эрмитаж.

Стиль: барокко.

Описание картины: про Караваджо говорили, что он был гениальным чудовищем. Такое прозвище он получил за пугающий реализм в картинах. Он не стеснялся изображать святых с грязными руками, ногами и следами загара.

Картина «Положение во гроб» создавалась для церкви Кьеза Нуово. Для того чтобы картина получилась естественной, Караваджо выкапывал из могил трупы, приносил в мастерскую и заставлял натурщиков держать их на весу.

Тем, кто отказывался, художник угрожал убийством.

Помимо реализма для Караваджо характерно переосмысление света и тени в произведениях. Только на первый взгляд его картины кажутся темными.

Художник для усиления драматизма погружает во тьму все происходящее, а ключевые композиционные моменты выделяет боковыми ударами света.

Караваджо перевернул страницу в истории живописи, позже его находки нашли развитие в эпоху барокко. Кстати, «Положение во гроб» в итоге было отвергнуто церковниками.

Где находится: Ватикан, Пинакотека.

Стиль: барокко.

Описание картины: одно из самых узнаваемых полотен Рубенса. В основе сюжета лежит миф о братьях Диоскурах, сыновьях Зевса и Леды, которые похитили дочерей царя Левкиппа. Рубенс прославился изображением пышнотелых женщин.

И на этой картине они настолько огромны, что кажется, похитители вот-вот упадут под их тяжестью. Все фигуры вписаны в круг. Цветовое решение построено на контрастах: бледным телам обнаженных женщин противопоставлены крепкие загорелые мужчины.

Декоративный эффект усиливается разноцветными тканями.

Картина представляет собой классическое произведение в стиле барокко, жизнелюбивого направления в искусстве. В XVII веке человек уже почувствовал скоротечность жизни, и это заставило людей по-иному воспринимать окружающий мир. Поэтому и в похищении нет ни драмы, ни страдания – все похоже просто на игру.

Где находится: Германия, Мюнхен, Старая пинакотека.

Как готовили наложниц: секреты султанского гарема

Стиль: барокко.

Описание картины: самое значительное и известное полотно знаменитого испанского мастера придворного портрета. И единственная картина Веласкеса, на которой Филипп IV и его супруга Марианна изображены вместе. Они отражаются в зеркале, находясь за спиной зрителя, а художник пишет их портрет.

В центре картины – их пятилетняя дочь инфанта Маргарита со своей свитой, которая выглядит старше и умнее своих лет. Перед Веласкесом стояла сложная задача: он был придворным художником и обязан был возвышать королевских особ.

Однако при этом он стремился сделать портреты максимально похожими, передать черты характера и сохранить индивидуальность.

Торжественное полотно позволяет понять времена расцвета барокко и погрузиться в придворную культуру Испании. Особое место в творчестве Веласкеса занимают карлики. Их держали при дворе как домашних животных. Чтобы подчеркнуть эту аналогию, художник изображает на переднем плане собаку.

Где находится: Испания, Мадрид, музей Прадо.

Стиль: барокко.

Описание картины: нидерландская живопись отличается простотой сюжетов. Художники описывали тихую повседневную жизнь. В этой картине сочетаются бытовой жанр и натюрморт. Основное внимание сосредоточено на кувшине, струйке молока и хлебе, стоящем на столе. Несмотря на небольшой формат произведений Вермеера, он считается не малым, а великим голландцем.

Популярность этой картины заключается в том, что там нет скрытых смыслов: она создана для того, чтобы наслаждаться цветами, положением теней и спокойной обстановкой тихого домашнего уюта. Изначально подобные произведения создавались для простой публики и считались предметами роскоши, которые должны быть в каждом доме.

Где находится: Нидерланды, Амстердам, Государственный музей.

Какое древнерусское имя вам подходит?

Источник: http://www.wday.ru/stil-zhizny/kultura/25-kartin-znaya-kotoryie-soydesh-za-umnogo/2/

Выбор директора Третьяковки: 5 шедевров Пинакотеки Ватикана, к которым стоит присмотреться

Джованни Беллини, «Оплакивание Христа св. Иосифом Аримафейским, Никодимом и Марией Магдалиной» (1471 год)

«Это та самая работа, которую мы воспроизводим на афишах выставки, потому что «Оплакивание Христа», выполненное на дереве, – один из главных шедевров этого венецианского художника.

Произведение оказалось в собрании музеев Ватикана в конце XVIII века, а потом в 1797 году было отправлено во Францию, где и пробыло два десятка лет, пока после Венского конгресса сокровища не вернули их прежним владельцам.

Как известно, Наполеон Бонапарт стремился создать в Париже величайший музей всех времен и народов, для чего свозил шедевры из всех завоеванных им стран, в том числе и Ватикана.

«Оплакивание Христа», изображающее один из самых трагический эпизодов Евангелие, — часть главного алтаря, написанного Беллини для церкви Сан-Франческо в Пезаро, по заказу знаменитой венецианской семьи Пезаро.

Это совершенно особенное, по глубине восприятия, произведение, вещь невероятного эмоционального накала, очень искусно выстроенная: все в этой композиции тяготеет и к лику Христа, и к той чаше, которая изображена в центре картины, между мертвым Христом и Марией Магдалиной. Эта работа наполнена глубочайшим смыслом и обращается к любому человеку, вне зависимости от его вероисповедания, вызывая в зрителе концентрированное ощущение мистической драмы».

Микеланджело Меризи да Караваджо, «Положение во гроб» (1603 год)

««Положение во гроб» — одна из самых знаменитых картин в истории мировой живописи. Да и Караваджо относится к числу тех редких художников, ради которых люди отправляются в далекие путешествия, изучают все церкви Рима, едут на Мальту. Эта работа, как и произведение Беллини, была отправлена в Париж, откуда в 1816 году вернулась в Рим, а в 1820 году была передана в Пинакотеку Ватикана.

В этой картине Караваджо апеллирует к самым различным художественным традициям, и к античной, и к ренессансной, к тому же, он изображает сцену положения во гроб так, если бы смотрящие стояли внизу и смотрели бы снизу вверх.

Подобный ракурс придает и без того тяжелым фигурам еще большую значимость.

Страшная трагедия смерти Христа отражается в экстатически возведенных руках к небесам одной из Марий, а на первом плане доминирует мощная фигура согбенного Никодима, который поддерживает и опускает в могилу тело Христа.

Эта работа насыщена невероятным драматизмом, зритель оказывается перед произведением, далеким от канонической интерпретации этого сюжета, созданным одним из величайших мастеров живописи, в творчестве которого очень много нераскрытого и неисследованного. Не случайно, что Караваджо привлекает такое внимание.»

Никола Пуссен, «Мученичество Святого Эразма»

«Пуссен — единственный французский художник на выставке. Это огромное, высотой более трех метров полотно было написано для собора Святого Петра в Риме, позже его заменили мозаикой, и отправили в Пинакотеку. Наряду с другими произведениями его также вывезли в Париж по приказу Наполеона.

Я не специально подбирала работы, которые привлекли внимание Бонапарта, видимо, наши с Наполеоном вкусы совпали. И он, и мы отбирали самые знаковые имена. Невероятное полото, необычное для Пуссена, мастера французского классицизма.

Здесь все построено на диагонали, этому подчинено и тело Эразма, и рука всадника, показывающая на умирающего. Это страшное полотно, на котором изображена мученическая смерть Святого Эразма, которого казнили, вспоров живот и намотав внутренности на лебедку.

Но, в отличие от художников круга Караваджо, которые фиксировались на ужасающих подробностях страданий, у Пуссена эта картина приобретает абсолютно вневременной и нематериальный характер, лишенный интереса к физиологическим подробностями.

Художник использует необычную для таких сюжетов цветовую гамму, основанную на его любимых желтых, голубых, зеленых тонах. На нашей выставке «Положение во гроб» Караваджо и «Мученичество святого Эразма» Пуссена представлены друг на против друга, и воспринимаются, как два важнейших художественных манифеста».

Людовико Карраччи, «Троица с мертвым Христом» (1590 год)

«Этот художник, представитель болонского академизма, не входит в первую десятку самых известных живописцев мира, но при жизни он был знаменит и много работал по заказам католической церкви. Картина написана в самый яркий период творчества этого художника.

Он выбрал сложный для изображения сюжет: все построено на каком-то невероятном градусе эмоционального восприятия евангельского сюжета.

Карраччи эффектно обыгрывает контрасты света и тени, как и Караваджо, поражает виртуозной техникой и сложнейшей композицией, благодаря которой зритель воспринимает образ соединения Троицы с оплакиванием (когда мертвое тело Христа принимает в объятия не Дева Мария, а Бог-Отец). Это трагическое, трансцендентное изображение сюжета».

Эрколе де Роберти, «Чудо Святого Винченцо Феррер»

«Эрколе де Роберти, художник феррарской школы, создал пределлу (нижнюю часть алтаря) церкви Сан Петронио в Болонье для «Полиптиха Гриффони». Этим объясняются и необычные размеры произведения 30 сантиметров на два метра.

Пределла, написанная на дереве, соединяет в себе готику и ренессанс, и посвящена деянием святого Винченцо Ферерра (исцеление роженицы, воскрешение богатого иудея, исцеление хромого, воскрешение ребенка, убитого безумной матерью и другие сюжеты).

Это сложное повествование, одно из самых изощренных и интеллектуальных произведений Ренессанса, которое развертывается на невероятном фоне с архитектурными видами и руинами. Художник демонстрирует свою эрудицию, воспроизводя огромное количество античных памятников.

Эта работа, кстати, была одной из любимых работ художника Джорджа де Кирико, выставку которого ГТГ готовит весной 2017 года».

Источник: http://www.forbes.ru/uvlecheniya-photogallery/332017-vybor-direktora-tretyakovki-5-shedevrov-pinakoteki-vatikana-k-kotory?photo=2

Ссылка на основную публикацию